El cineasta brasileño Alan Minas, director de «A Família Dionti», regresa a la ficción con «El desierto de Luiza», un drama que aborda la salud mental, las relaciones familiares y las dificultades de la adolescencia. La película tuvo su estreno mundial en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de Shanghái de 2026, donde compitió por el Cáliz de Oro, el principal galardón del certamen.
Posteriormente, la cinta obtuvo dos reconocimientos en el Festival de Río de Janeiro: Mejor Actriz para Nina Prado y Mejor Largometraje por votación popular, ambos en la sección Novos Rumos. Tras su paso por el certamen brasileño, la película continuó su recorrido en la 50.ª Mostra Internacional de Cine de São Paulo, consolidando su presencia en el circuito de festivales.
Antes de nada, enhorabuena por los dos premios en el Festival de Río. Es un gran momento para la película y me alegra mucho tener la oportunidad de hablar contigo sobre ella. Muchas gracias por tu tiempo. ¿Qué ha supuesto este reconocimiento para ti y qué fue lo que más te sorprendió de la reacción del público?
Creo que presentar la película en Río de Janeiro fue uno de los mejores momentos de mi carrera, porque soy de aquí. Nací y crecí en esta ciudad y todo el equipo también es de aquí. Por eso, mostrar la película en el festival fue como presentarla en nuestra propia casa.
Creo que hay algo especialmente emocionante en esta experiencia. Recuerdo que, cuando era adolescente, solía acudir al festival para descubrir películas de distintas partes del mundo. Veía producciones de Francia, España, China o Líbano, y todavía recuerdo las sensaciones que me provocaban aquellas historias.
Ahora, muchos años después, he tenido la oportunidad de presentar mi propia película en ese mismo festival. Y fue como volver a contemplar el cine con los ojos de aquel adolescente que era entonces. ¿Me entiendes? Es una sensación muy especial, una especie de doble satisfacción.
Por un lado, está la alegría de mostrar tu trabajo en tu propia ciudad. Por otro, está la emoción de reencontrarte con aquel joven que acudía al festival como espectador y que ahora está al otro lado de la pantalla. Para mí fue un momento muy especial.
En el centro de la película tenemos a una joven que intenta comprenderse a sí misma mientras afronta problemas que superan con creces su edad. Me gustaría saber de dónde nació esta historia. ¿Hubo alguna experiencia personal o algo que observaste que te inspirara a crear a Luiza?
La historia procede de una experiencia real de mi familia. Uno de mis primos sufrió una crisis de salud mental y recuerdo lo que aquella situación significó para todos nosotros. Por supuesto, fue especialmente difícil para él y para sus padres, pero también afectó de distintas maneras a todas las personas que estábamos a su alrededor. Creo que eso es algo importante: cuando alguien atraviesa una situación de este tipo, las consecuencias no se limitan únicamente a esa persona, sino que también transforman la vida de quienes conviven con ella.
A partir de aquel momento, tuvimos que aprender a conocer a una persona nueva. Todo lo que sabíamos sobre él, todo aquello a lo que estábamos acostumbrados, cambió. Fue como si una parte de la persona que conocíamos hubiera desaparecido. Tuvimos que aprender de nuevo a relacionarnos con él, a hablar con él y a construir una relación diferente. No había otra alternativa. Era una situación que teníamos que afrontar y para la que, de alguna manera, también tuvimos que reinventarnos.
Creo que la película recoge precisamente ese sentimiento. Luisa se encuentra ante una situación parecida: su madre ya no es la persona que ella conocía y tiene que comprender que aquella relación ha cambiado. A lo largo de la historia, Luisa debe aceptar esa nueva realidad, reinventarse y encontrar la manera de seguir adelante con su propia vida. Esa transformación es una de las cuestiones fundamentales de la película
Uno de los aspectos más interesantes de la historia es la relación entre Luiza y su madre. Hay amor entre ellas, pero también miedo, responsabilidad y mucho dolor. ¿Cómo abordaste esta relación sin convertir a ninguna de las dos simplemente en una víctima de sus circunstancias?
Creo que esta relación debe entenderse desde dos perspectivas: la del director y la de los actores. En mi caso, ambas fueron desarrollándose de manera paralela durante el proceso de creación. Cuando escribí la historia, tenía una idea bastante clara de cómo quería representar esa relación y de lo que pretendía transmitir a través de los personajes. Sin embargo, cuando empezamos a trabajar con los actores, comprendí que debía estar dispuesto a escuchar sus propuestas y a replantearme algunas de mis ideas.
Me di cuenta de que tenía que empezar de nuevo en determinados aspectos, porque los actores también tenían mucho que aportar. Necesitaba escuchar cómo entendían a sus personajes, cuáles eran sus reacciones y qué sentimientos encontraban en cada situación.
Ese intercambio me permitió revisar y renovar algunas de las cosas que había imaginado inicialmente. La relación entre Luisa y su madre no podía construirse únicamente desde mi perspectiva como director, sino que también necesitaba incorporar la interpretación y la sensibilidad de las actrices.
Por eso fue un proceso de construcción conjunta, basado tanto en mi visión de la historia como en el trabajo de las intérpretes. No fue sencillo, porque estábamos abordando emociones y relaciones muy complejas, pero también fue una experiencia muy agradable y enriquecedora. Fuimos construyendo esa conexión poco a poco, paso a paso, y creo que precisamente ese trabajo compartido permitió desarrollar la relación que finalmente aparece en la película.
Cuando el cine habla de salud mental, siempre existe el riesgo de centrarse únicamente en la enfermedad. Pero en la historia de Luiza también vemos cómo afecta a las relaciones familiares, al miedo e incluso a la manera en que las personas se ven a sí mismas. ¿Qué era lo más importante para ti a la hora de llevar este tema a la pantalla?
Sí, porque desde el principio no quería que el centro de la película fuera únicamente la madre y su enfermedad. Mi intención era mostrar lo que sucede alrededor de una situación de este tipo. En ese sentido, quería establecer una especie de reflejo de mi propia experiencia familiar, de lo que te he contado anteriormente. No se trataba de situarnos completamente fuera del problema, porque las personas que están alrededor también forman parte de él, sino de observar cómo afecta a sus vidas.
Eso es algo que intenté transmitir a través de Luisa. Quería mostrar lo difícil que puede resultar convivir con una persona que ha sufrido una crisis de salud mental y cómo esa situación modifica las relaciones familiares. Creo que muchas veces nos centramos en la persona que tiene la enfermedad, pero no pensamos tanto en lo que sucede con quienes viven a su lado. Y esas personas también tienen que afrontar una transformación muy importante.
No quiero decir que ellas tengan la misma enfermedad o que estén atravesando exactamente el mismo problema de salud. Lo que ocurre es que, de alguna manera, también sufren sus consecuencias y tienen que aprender a vivir con ellas. Para explicarlo, siempre pienso en la imagen de un terremoto. Existe un punto central donde se produce, pero sus efectos se extienden mucho más allá y afectan a todo lo que se encuentra alrededor.
Con la salud mental puede suceder algo parecido. La crisis afecta directamente a una persona, pero también transforma el entorno familiar, las relaciones y la vida cotidiana de todos los que están cerca. Eso era lo que quería explorar en la película.
Algo que me parece bonito del viaje de Luiza es que el arte se convierte en una manera de expresar sentimientos que no siempre puede poner en palabras. Como cineasta, ¿también ves el cine como una forma de comprender emociones o experiencias que son difíciles de explicar?
Creo que el dibujo tiene una función muy importante en la manera en que Luisa expresa sus sentimientos. Al principio de la película, ella dibuja únicamente para sí misma, en su cuaderno. Es algo personal, una forma de expresión que pertenece a su propio mundo.
Después vemos cómo esa necesidad de expresarse va creciendo y llega incluso a dibujar en una pared del colegio. De alguna manera, empieza a exteriorizar algo que hasta entonces permanecía dentro de ella.
Pero, a medida que avanza la historia, esa relación con el dibujo también cambia. Entre la mitad de la película y el final, Luisa comienza a perder la inspiración. Hay un momento en el que siente que su relación con su madre no funciona, que tampoco funciona su relación con su padre y que nada de lo que la rodea parece funcionar como debería.
Y entonces deja de encontrar inspiración para dibujar. Su cuaderno está vacío, completamente en blanco. Es una página vacía. Creo que esa imagen es muy importante porque representa su incapacidad para expresar lo que está sintiendo. Todas esas emociones se van acumulando hasta que terminan desbordándose. Por eso decide pintar, pero ya no solamente en su cuaderno, sino también sobre su propio cuerpo. Es como si los sentimientos que lleva dentro necesitaran encontrar otra manera de salir.
Hay otro símbolo que considero importante: la guitarra de su padre. En una escena, Luisa se acerca a ese instrumento, lo coloca junto a su cuerpo e intenta tocarlo, pero no puede. Creo que el cine permite construir este tipo de transformaciones mediante imágenes y pequeños gestos que van adquiriendo significado a medida que conocemos a los personajes.
Al principio descubrimos que Luisa tiene un mundo interior, un universo personal lleno de fantasía al que nadie más puede acceder. Poco a poco, a través de la narración, empezamos a comprender ese espacio privado. Sin embargo, cuando nos acercamos al final, toda esa fantasía termina desbordándose. Hay un momento en el que los pájaros salen de la pared y comprendemos que Luisa ya no puede seguir soportando todo lo que está viviendo.
Es como si todas sus esperanzas salieran volando. Esa imagen representa de alguna manera lo que está ocurriendo dentro de ella. Pero también creo que, cuando contamos una historia como esta, tenemos una responsabilidad con el personaje y con el público. No quería construir un final únicamente triste o desesperanzador. Quería que Luisa tuviera la posibilidad de mirar hacia el futuro, de encontrar su propio camino y de demostrar que puede crecer y desarrollarse de una manera saludable.
Por eso la película termina con una perspectiva más esperanzadora. Vemos a una Luisa que ha madurado, que sigue creciendo y que empieza a recuperar cierta confianza en sí misma. Creo que ese es un buen mensaje para el público y que era importante terminar la historia de esa manera.
La historia transcurre en Río de Janeiro, una ciudad que habitualmente vemos representada en el cine a través de su belleza, su energía y sus lugares más conocidos. Sin embargo, tú te centras en una realidad mucho más íntima y difícil. ¿Qué querías mostrar de la ciudad a través de los ojos de Luisa?
Creo que estamos muy acostumbrados a ver Río de Janeiro representada a través de determinados elementos: las playas, el fútbol, la samba o las zonas más pobres de la ciudad. Son imágenes que aparecen constantemente en el cine y que han terminado construyendo una determinada visión de Río de Janeiro.
Sin embargo, la realidad social en la que vive la familia de Luisa no suele aparecer representada en las películas. Y precisamente esa era una de las cosas que quería mostrar. Me interesaba hablar de una parte de la ciudad que normalmente permanece fuera de esas representaciones.
No estamos hablando de personas especialmente ricas, pero tampoco de los sectores más pobres. Es una especie de clase media que muchas veces resulta invisible. Son personas que viven en Río de Janeiro, que forman parte de la ciudad y de su realidad cotidiana, pero cuyas historias rara vez llegan a la pantalla. Además, es el entorno en el que yo nací y crecí. Por eso, una vez más, la película tiene una conexión muy importante con mi propia experiencia personal. Quería reflejar algo de lo que había vivido hace décadas, cuando era más joven.
A veces es difícil explicar esa sensación, pero es como encontrarte en un lugar que no termina de existir socialmente. No perteneces a la clase A, ni a la clase B, ni a la clase C. Estás en una posición intermedia, en una especie de espacio que parece no tener una identidad claramente reconocible.
Y creo que esa sensación de invisibilidad también está muy relacionada con el conflicto personal de Luisa. Ella tiene que afrontar muchas dificultades, no solamente por la enfermedad de su madre, sino también por su situación social y por la manera en que su entorno es percibido.
De alguna manera, su historia está atravesada por ese sentimiento de ser invisible para la sociedad. Por eso quería explorar esa parte de Río de Janeiro y mostrar una realidad que no suele ocupar un lugar protagonista en el cine.
¿Cuál fue la parte más difícil de hacer la película?
Creo que los personajes eran muy difíciles de interpretar, especialmente los dos papeles principales. Recuerdo que uno de los primeros desafíos a los que tuve que enfrentarme fue precisamente encontrar a las actrices adecuadas. Hablé con mi productora y le dije que, si conseguíamos encontrar una buena actriz para interpretar a Luisa y otra buena actriz para interpretar a su madre, yo ya me consideraría un ganador.
Tenía unas expectativas muy altas porque sabía que eran personajes muy complejos y que gran parte de la película iba a depender de sus interpretaciones. Pero cuando conocí el trabajo de Nina Prado y Dani Fontana, debo confesar que sentí un enorme alivio. Pensé: «Bien, ahora tengo la película».
Por supuesto, después tuvimos que afrontar muchos otros desafíos durante el proceso de realización, pero creo que encontrar a las protagonistas fue uno de los momentos más importantes. Sabía que aquellos personajes no eran fáciles de interpretar, especialmente el de la madre de Luisa.
Queríamos llevar a ese personaje hasta el límite, explorar sus situaciones más extremas y evitar que su representación resultara vacía. Eso implicaba asumir muchos riesgos interpretativos y exigir mucho a la actriz. Pero creo que hizo un gran trabajo y que consiguió afrontar todos esos desafíos. Estamos muy contentos con el resultado y con el trabajo de las dos actrices.