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Movistar sorprende con 12 meses gratis de Movistar Plus+

Por
David Goñi
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Movistar ha anunciado una nueva promoción destinada a premiar la fidelidad de ciertos clientes de sus servicios de internet, que podrán disfrutar del servicio OTT Movistar Plus+ sin coste adicional durante 12 meses. La oferta estará vigente hasta el 15 de septiembre de 2025.

Podrán beneficiarse de esta promoción exclusiva los clientes que, antes del 3 de diciembre de 2024, ya tuvieran contratado alguno de los siguientes servicios: Movistar Internet, Movistar Internet Radio, Movistar Conecta, Movistar Conecta 600 Mb, Movistar Conecta 100/10 Fibra, Internet Satélite 200, Internet Satélite 30, Fibra 300 Mb, Fibra 600 Mb, Fibra 1Gb, Internet Radio, Internet ADSL y Hogar Conectado 5G.

Sin embargo, quedan excluidos aquellos clientes que ya disfruten previamente de Movistar Plus+ o que dispongan de tarifas convergentes como Movistar Fusión, independientemente de que incluyan televisión o no.

Los clientes que puedan hacer uso de la promoción recibirán un código de descuento que es personal e intransferible, y los beneficiarios deberán mantener contratado su servicio Movistar actual durante todo el período promocional. Al finalizar los 12 meses gratuitos, la cuenta OTT se desactivará automáticamente, pero el cliente tendrá la opción de continuar suscribiéndose al plan que desee, abonando el precio correspondiente.

En el servicio de streaming de Movistar Plus+, que habitualmente tiene un coste de 9,99€/mes, excepto para los beneficiarios de esta promoción que no tiene coste mensual, podrán disfrutar de importantes eventos deportivos como el inicio de LaLiga EA Sports 25-26, incluyendo partidos destacados como Espanyol – Atlético de Madrid (17 de agosto), Levante – FC Barcelona (24 de agosto) y Real Madrid – Mallorca (31 de agosto).

Movistar advierte que cualquier intento de fraude, venta o uso indebido del código implicará la baja inmediata del servicio, además de posibles acciones legales.

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«Vieja Loca», ópera prima de Martín Mauregui, ya tiene tiene fecha de estreno

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Fernando Simó
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Carmen Maura protagoniza "Vieja Loca"

«Vieja loca», el debut en la dirección de Martín Mauregui, producido por JA Bayona, Belén Atienza, Ramón Campos y Gabriela Carcova, llegará a los cines el próximo 10 de octubre.

La película está protagonizada por Carmen Maura junto con el actor argentino Daniel Hendler. Vieja loca narra la pesadilla que sufre un hombre (Hendler) tras recibir la llamada desesperada de una exnovia para que cuide de su madre senil (Maura).

Tras triunfar mundialmente con La sociedad de la nieve, Bayona y su socia Belén Atienza, apoyan el debut en la dirección de un cineasta argentino, en una fábula de terror y suspense que aborda cómo se transmite la violencia de una generación a otra.

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Sinopsis

En una noche de tormenta, Laura conduce por la autopista mientras mantiene una extraña conversación telefónica con su madre, Alicia. Inquieta por la reacción que ha tenido y sin poder localizar a la cuidadora, Laura pide ayuda a su exnovio Pedro, para que cuide de Alicia esa noche. Cuando Pedro llega a la casa se enfrenta a una noche aterradora en la que Alicia le propone practicar un sádico juego.

Vieja loca es una coproducción España- Argentina – EE.UU entre las productoras Películas La Trini, Primo Content, Mr Field and Friends, Bambu Producciones y La Unión De Los Ríos, con la participación de Amazon España.

DeAPlaneta estrenará la película en salas de cine españolas el próximo 10 de octubre.

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Kyle MacLachlan se ofrece para volver a «Mujeres desesperadas»: «Sería divertido»

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Fernando Simó
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El inolvidable Orson Hodge podría regresar a Wisteria Lane. El actor Kyle MacLachlan, conocido por sus icónicos papeles en el universo de David Lynch —especialmente como el agente Dale Cooper en «Twin Peaks»— ha declarado que estaría dispuesto a retomar su personaje en Mujeres desesperadas si surgiera la oportunidad.

En una entrevista con People, MacLachlan confesó con entusiasmo: “Sería divertido”, al ser preguntado por un posible regreso. Añadió que aún existe el decorado original de la serie en los estudios Universal —convertido ahora en parte del tour turístico— y que, en caso de plantearse un retorno de la serie, analizaría con detenimiento la propuesta. “Tendría que ver cómo enfocan al personaje, cómo lo escriben… Lo afrontaría como un papel nuevo, valorando todo el conjunto: el personaje, el proceso y cómo me hace sentir”, explicó.

El actor, que ya ha retomado personajes del pasado —como Cooper en Twin Peaks: The Return—, dejó claro que su mente está abierta a revivir a Orson, el complejo y perturbador segundo marido de Bree Van de Kamp (Marcia Cross), cuya evolución de hombre refinado a figura siniestra marcó un punto álgido en la trama de la serie.

Aunque el final de Mujeres desesperadas en 2012 dejó a Orson fuera del foco, tras traicionar a Bree en una de las escenas más polémicas de la última temporada, su historia quedó lo suficientemente abierta como para permitir un regreso.

¿Un regreso posible?

Pese a la buena disposición de MacLachlan, un regreso completo de Mujeres desesperadas parece poco probable. Eva Longoria (Gabrielle Solis) admitió recientemente en el programa Watch What Happens Live with Andy Cohen que tanto ella como el creador Marc Cherry sienten que los personajes “ya dieron todo lo que tenían que dar”. “No es como Sexo en Nueva York, que hacía seis u ocho episodios al año. Nosotros hacíamos 24 por temporada. Durante una década”, recordó Longoria.

Sin embargo, la fórmula de revivir grandes series con un enfoque más reducido —como ocurrió con Twin Peaks: The Return, de una única temporada de 18 episodios— podría abrir una puerta. Un reboot limitado, con temporadas de ocho o diez capítulos, más acorde al ritmo actual de la ficción televisiva, resultaría más atractivo para los actores originales y más asumible para los creadores.

«Wisteria Lane»: el nuevo proyecto en marcha

Mientras el regreso oficial de Mujeres desesperadas sigue siendo una incógnita, los fans tienen otro motivo para emocionarse: Wisteria Lane. Esta nueva serie, descrita por Deadline como una “reimaginación” del universo original, se desarrollará en la misma calle que dio nombre a la serie. Aunque aún no se ha confirmado la vuelta de ningún personaje clásico, el proyecto promete ser una mezcla de comedia negra, drama y misterio pensada para conquistar tanto a nuevos espectadores como a los fans de toda la vida.

Por ahora, no habrá temporada 9 de Mujeres desesperadas, pero el vecindario más intrigante de la televisión podría volver a abrir sus puertas antes de lo que pensamos.

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«Spermageddon» se estrenará en pases especiales a partir del 25 de julio

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Fernando Simó
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Los influencers Galesote, Rickyedit y Sonia Suamor prestan sus voces a algunos personajes

Humor desvergonzado, ingeniosas canciones y una imaginación desbordante son los ingredientes principales de «Spermageddon», la nueva película de Tommy Wirkola, responsable de éxitos tan irreverentes como «Zombis nazis» o «Noche de paz». En esta ocasión, se ha unido al director de animación Rasmus A. Sivertsen para dar forma a una comedia musical protagonizada por espermatozoides que habitan el cuerpo de un adolescente. La película se estrenará a partir del 25 de julio en diferentes ciudades españolas con pases especiales.

Orientada a un público juvenil y adulto, Spermageddon tuvo su estreno internacional en el Festival de Annecy y el estreno nacional en el Festival de Sitges. En ambos fue recibida con risas, aplausos y críticas entusiastas por su talento para explorar temas poco comunes en la animación. En el aspecto técnico, también muy alabado por su alta calidad, los cineastas noruegos Wirkola y Sivertsen han optado por un estilo muy cuidado que remite a Pixar.

En el doblaje de la película han participado los creadores de contenido Galesote, Rickyedit y Sonia Suamor, que han prestado sus voces a diferentes personajes. Sonia Suamor presentará uno de los pases en Barcelona, el próximo 28 de julio.

Sinopsis

Los adolescentes Jens y Lisa están a punto de experimentar su primera relación sexual. Dentro del cuerpo de Jens, el Spermageddon se acerca, un evento para el que el espermatozoide Simon y sus amigos han estado preparándose duramente. En esta carrera donde solo puede ganar uno, deberán sortear todo tipo de obstáculos inesperados que les harán la vida imposible.

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SelectaVisión adquiere los derechos de «Orang Ikan. Enemigos»

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Fernando Simó
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Fotograma de "Orang Ikan. Enemigos"

SelectaVisión, distribuidora líder en cine de terror y animación en España, anuncia la adquisición de los derechos para la distribución de «Orang Ikan. Enemigos (Orang Ikan)», una película de terror cargada de tensión y emociones ambientada en una isla remota del Pacífico durante la II Guerra Mundial. 

Un conflicto por la supervivencia en plena II Guerra Mundial

Mayo de 1942. La Segunda Guerra Mundial hace estragos en un mundo dividido.
Navegando por el mar, un buque japonés transporta prisioneros de guerra a los territorios ocupados para que trabajen como esclavos. A bordo del barco se encuentra Saito, un traidor a los japoneses que es enviado de vuelta a la madre patria para ser condenado a muerte.
Como castigo adicional, Saito es encadenado a otro prisionero de guerra, un soldado británico llamado Bronson que sólo siente odio hacia Saito.

Cuando el buque es torpedeado por submarinos aliados, Saito y Bronson son arrojados por la borda y naufragan en una isla desierta. Pero no están solos. Bronson y Saito son perseguidos por una criatura monstruosa, el Orang Ikan, que no se detendrá ante nada hasta que ambos mueran.
Bronson y Saito deben dejar a un lado el odio que sienten el uno por el otro para sobrevivir en la isla y matar a la criatura antes de que esta acabe con ellos.

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«Miocardio»: Mirando hacia atrás para seguir adelante

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Fernando L. Simó
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Llegó este pasado viernes a las plataformas de streaming «Miocardio”, la segunda película de José Manuel Carrasco, y con ella una oportunidad para descubrir una película, que nos ofrece una historia cercana, real y que te toca la fibra sensible. Tras su paso por el Festival de Sevilla y su reciente presencia en la Sección Oficial del Transilvania International Film Festival, esta comedia sentimental, que se estrenó en salas el pasado mes de enero, desembarcó en Movistar Plus+, Filmin, Prime Video, Rakuten TV y acontra+, dispuesta a demostrar que hay que huir de las sempiternas etiquetas que recibe el cine español. Porque «Miocardio» va directa el corazón, ofreciéndonos una historia emocional y repleta de autenticidad.

Como me ocurrió en su momento con El instinto de Juan Albarracín, Miocardio me ha recordado (a veces se me olvida) que el cine español ofrece una infinidad de propuestas, que a veces son arrinconadas por el prejuicio del espectador hacia nuestra producción cinematográfica. En el caso de Miocardio, la película parte de una premisa tan sencilla como potente: Pablo (Vito Sanz), en plena crisis vital, recibe una llamada inesperada. Es Ana (Marina Sanz), el amor que le dejó hecho trizas más de quince años atrás. A partir de ese momento, seremos testigos de un viaje emocional repleto de segundas oportunidades, cuentas pendientes y ese anhelo tan humano de cerrar heridas abiertas.

Aunque el tono es el de una comedia romántica, como el propio José Manuel Carrasco nos recordó en la charla que mantuvimos con él en Sección Oficial de Pixeles y Letras, Miocardio se atreve a ir más allá de lo que vemos a simple vista. Claro que la risa está presente, pero también la melancolía, la vergüenza, la esperanza y el vértigo de reencontrarse con uno mismo a través del otro. La historia, bajo esa fachada de comedia ligera, repleta de diálogos punzantes y miradas cómplices, nos remueve por dentro sin necesidad de forzar el paso ni regodearse en el sufrimiento. La dirección de José Manuel Carrasco nos lleva de la mano, con extrema sensibilidad, mientras acompañamos a los personajes en su toma y daca de reproches y disculpas, que nos permite como espectadores, vernos reflejados en sus dudas y contradicciones.

La historia de Pablo (Vito Sanz) y Ana (Marina Salas) podría ser la de cualquiera de nosotros, una historia sobre oportunidades perdidas, sueños imposibles, sentimientos de soledad o la simple búsqueda de redención. Porque Miocardio plantea una de esas preguntas que todos, en algún momento, nos hemos hecho: si pudiéramos volver atrás, ¿cambiaríamos algo? ¿O estamos condenados a tropezar siempre con la misma piedra? Más allá de la amargura que puede implicar plantearte esta cuestión, Miocardio nos recuerda que por muy mal que estemos, siempre puede haber algo que nos haga reaccionar y hacernos seguir adelante.

Miocardio respira verdad en cada plano, en cada silencio incómodo, en cada intento torpe por reconectar con lo que pudo ser y no fue. Y, eso es gracias, no solo a la dirección de José Manuel Carrasco, que nos ofrece una propuesta muy personal, si no al excelente dúo protagonista. Tanto Vito Sanz como Marina Salas están increíbles, y desprenden una química que traspasa la pantalla. Sin ellos, la película se quedaría a medias, y es gracias a su fantástica interpretación, que Miocardio te llega al corazón. Porque Míocardio es una película repleta de sensibilidad que no de sensiblería, que os hará reír y también emocionaros (salvo que seas de piedra) con una historia que es un canto a las segundas oportunidades. Saber perdonar es tan importante como saber perdonarnos, y la cinta dirigida por Jose Manuel Carrasco nos lo recuerda sabiendo contar una historia con la duración justa y necesaria. En algo más de 70 minutos nos da tiempo de conocer a los protagonistas, gracias a unos diálogos que parecen salidos de la mejor screwball comedy. Sin olvidar, la química que desprende el dúo protagonista, que hacen suyos ambos personajes, y consiguen transmitir sus sentimientos sin necesidad de gran de aspavientos ni de giros imposibles.

En resumen

Frente un panorama que parece repetirse, ofreciendo formulas agotadas y sin gracia, Miocardio es sin duda un soplo de aire fresco que merece nuestra atención. Una película que en apenas setenta y seis minutos de duración nos ofrece una historia que va directa a la «patata», pero sin sensiblería facilona. Una película que late con fuerza, que emociona desde la sencillez y que nos recuerda, con delicadeza, que todos llevamos dentro un capítulo por cerrar. Con una estupenda Marina Salas, que nos ofrece una actuación alejada de sus papeles habituales, Miocardio es una película recomendada para quienes creen en las segundas oportunidades. Y también para quienes necesitan recordar que, a veces, el corazón necesita resetearse y empezar de cero.

Finaliza el rodaje de «El pez que fuma» con Fran Berenguer y Mimi Lazo

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Fernando Simó
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Foto: Shonny Romero. Mimi Lazo y Jorge Reyes en "El pez que fuma"

El pasado 2 de julio, concluyó en Caracas el rodaje de «El pez que fuma», una reinterpretación libre del clásico de Román Chalbaud, escrita junto a José Ignacio Cabrujas, que dirige Luis Fernández y protagoniza Fran Berenguer junto a Mimi Lazo. La película es una producción de El Sueño Eterno Pictures (España), en asociación con 8SML Producciones, Divarte y Producciones Etiopía (Venezuela).

Rodada íntegramente en Venezuela, El pez que fuma trata una historia de deseo, poder y traición ambientada en un burdel mítico de los años 70, en un rodaje contemporáneo donde la ficción termina invadiendo la realidad.

“Siempre es un desafío volver sobre un clásico que, en su momento, dejó huella”, señala Luis Fernández. “Más que un remake, esta versión de El Pez que Fuma narra la historia de un grupo de artistas que se reúne para rodar una película y, en el proceso, descubre una inesperada historia de amor que transforma sus vidas.”

Para Fran Berenguer rodar El Pez que Fuma confiesa que ha sido una experiencia increíble: “Desde el primer momento hubo una conexión total con Luis; trabajar con él ha sido una maravilla. Todo fluyó con mucha naturalidad y creo que juntos hemos construido algo muy bonito con el personaje de Jairo. Y Mimi… ¿qué puedo decir? Es un lujo compartir escena con una actriz así. He aprendido muchísimo de los dos. El elenco entero es excepcional; de verdad, me siento muy afortunado. Y quiero hacer una mención especial a la leyenda que es José Torres. Es un honor enorme haber trabajado con él. Su trayectoria habla por sí sola, pero como persona es aún más grande. Solo puedo dar las gracias por esta experiencia y por el cariño con el que me ha recibido toda la gente venezolana.”

El guion y la dirección de la película están a cargo de Luis Fernández, que afronta este proyecto como una doble mirada: hacia la Venezuela de los 70 y hacia las relaciones de poder y deseo que se gestan en un set de rodaje. La producción ejecutiva recae en Mimi Lazo, José Antonio Varela y Patricia González, mientras que la producción general está liderada por Manuel F. Fraíz-Grijalba y Patricia González.

El apartado visual estará en manos del director de fotografía Antonio García. El diseño de producción corre a cargo de Phillipe Tatignan, la dirección de arte la firma Angélica Burgos Colls, el vestuario lo diseña Gabriela Martínez y del sonido directo se encarga Eleazar Moreno.

El Pez que Fuma tendrá una duración estimada de 100 minutos, será rodada íntegramente en español y busca emocionar y provocar desde su primer plano hasta el último eco de su historia.

Sinopsis

Un equipo de cine se dispone a rodar una nueva versión de El Pez que Fuma, el clásico del cine venezolano. La ficción arranca el 1 de enero de 1976, día de la nacionalización del petróleo. En un burdel llamado El Pez que Fuma, sus habitantes celebran la promesa de un futuro mejor. Allí, bajo el mando de La Garza, una mujer sabia y curtida, se ha formado una comunidad de marginados que ha aprendido a sobrevivir como una familia.

Ese frágil equilibrio se rompe con la llegada de Jairo, un joven extranjero con un plan imparable: destronar a Dimas, el hombre fuerte de La Garza, y ocupar su lugar. Pero Dimas no se irá sin pelear. La Garza amenaza con hacer saltar todo por los aires.

Mientras la película se rueda, los actores repiten en sus vidas los mismos conflictos que interpretan. La actriz Ana, su director Santiago y el joven actor Fernando arrastran pasiones y secretos que convierten el set en un reflejo cada vez más peligroso de la historia que intentan contar.

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Nova estrena este domingo la serie británico «¡Llama a la comadrona!»

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Fernando Simó
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© Neal Street Productions 2011. "¡Llama a la comadrona!" retrata la vida en un distrito de Londres en los años 50

Nova continúa apostando por los grandes títulos de ficción que han recorrido el mundo y, desde este domingo, 20 de julio, llega al canal femenino líder la serie que conquistó millones de corazones en el Reino Unido, «¡Llama a la comadrona!». Desde esta semana, y todos los domingos a las 20:00 horas, la cadena de Atresmedia suma esta producción inglesa que conmueve con sus historias reales desde el primer capítulo y que está ya disponible en atresplayer. La serie está basada en el best seller escrito por Jennifer Worth sobre sus memorias como matrona en el East End de Londres en la década de 1950.

¡Llama a la comadrona!, del sello Neal Street Productions -la productora fundada por Sam Mendes, Pippa Harris y Caro Newling- y emitida en el canal de la BBC One, cuenta como grandes protagonistas con Jessica Raine (la enfermera Jennifer «Jenny» Lee), Vanessa Redgrave (Jenny Lee ya anciana), Laura Main (la hermana Bernadette), Jenny Agutter (la hermana Julienne), Judy Parfitt (la hermana Monica Joan) y Stephen McGann (el Dr. Patrick Turner).

Junto a ellas, completan el reparto de la ficción: Pam Ferris (la hermana Evangeline), Helen George (la enfermera Beatrix «Trixie» Franklin), Bryony Hannah (como la enfermera Cynthia Miller), Miranda Hart (la comadrona Camilla «Chummy» Browne), Dorothy Atkinson (la enfermera Auxiliar Jane Sutton), Cliff Parisi (Frederick «Fred» Buckle), Ben Caplan (el agente de policía), Max Macmillan (Timothy Turner), Emerald Fennell (la enfermera Patience «Patsy» Mount),

También forman parte de su elenco Victoria Yeates (la hermana Winifred), Jack Ashton (el reverendo Tom Hereward), Charlotte Ritchie (la enfermera Barbara Gilbert), Linda Bassett (la enfermera Phyllis Crane), Kate Lamb (la enfermera Delia Busby), Jennifer Kirby (la enfermera Valerie Dyer) y Leonie Elliot (la enfermera Lucille Anderson)

Jenny Lee, una joven comadrona frente a la realidad del East End

¡Llama a la Comadrona! (Call the Midwife en su título original), es un drama británico de época que relata la vida de Jenny, una joven enfermera que se traslada al East End de Londres en los años 50 para ejercer la profesión de partera junto a un grupo de comadronas y monjas anglicanas en el Convento Nonnatus.

Reino Unido se encuentra en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial… en un contexto donde muchas mujeres carecen de una sanidad y cuidados adecuados, con condiciones de higiene deficientes, lo que eleva la tasa de mortalidad tras dar a luz.

El eje principal de la trama gira en torno a la partera recién licenciada Jenny Lee, y el trabajo junto a sus compañeras, las monjas del Nonnatus House, un convento de enfermería y parte de una orden religiosa anglicana, donde hacen frente a los problemas médicos en Poplar, un barrio de extrema pobreza en el East End de Londres, en las décadas de 1950 y 1960. Las hermanas y parteras llevan a cabo múltiples labores de enfermería en toda la comunidad. Sin embargo, nacen entre 80 y 100 bebés cada mes en Poplar, por lo que el trabajo principal es ayudar a las mujeres de la zona a tener un parto seguro y a cuidar de sus numerosos recién nacidos.

Jenny, creyendo que había sido destinada a un hospital privado, pronto descubre que en realidad trabaja en un convento que ayuda a las mujeres más pobres de la ciudad. La protagonista al conocer esta noticia deberá adaptarse a su nueva vida, la cual cambiará por completo.

Impactada por la difícil situación del barrio, Jenny experimentará un gran cambio interno mientras ayuda a dar a luz a mujeres en circunstancias desfavorables.

La serie consta de 10 temporadas en las que se abordan las historias personales y profesionales de las comadronas, reflejando no solo su labor médica, sino también los grandes cambios sociales y culturales de la época como: el aborto, los embarazos no deseados, la prostitución, el incesto, la mutilación genital femenina o las enfermedades de nacimiento.

Con el paso de las temporadas, ¡Llama a la comadrona! va evolucionando en sus temáticas conforme avanza la historia, analizando diferentes aspectos como la guerra nuclear, las migraciones, la violencia doméstica o la introducción de la píldora anticonceptiva.

¡Llama a la Comadrona! alcanzó índices de audiencia muy altos en su primera temporada, convirtiéndose en la serie de drama más exitosa en la BBC One desde 2001.

El origen detrás de la historia, las memorias de una matrona

La ficción está creada por Heidi Thomas, responsable de otras exitosas ficciones del Reino Unido como Arriba y abajo. La serie está basada en el best seller escrito por Jennifer Worth, que narra su propia experiencia como matrona durante años.

Worth trabajó con la Comunidad de San Juan el Divino, una orden religiosa anglicana, con su convento en el East End de Londres. Esta fue fundada como una orden de enfermería en 1849. Desde entonces, las memorias se han ampliado para incluir material nuevo y de origen histórico. En su mayor parte, describe las vidas cotidianas de las parteras y los residentes de Poplar, con ciertos acontecimientos históricos de la época que influyen directa o indirectamente en los personajes y argumentos. Entre los eventos destacados están las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial, la inmigración de posguerra y la creación del Servicio Nacional de Salud en 1948; la implementación de gas y aire para el tratamiento del dolor; la amenaza de guerra nuclear o el escándalo de la talidomida.

Así empieza «¡Llama a la comadrona!»

En la primavera de 1957, Jenny Lee (Jessica Raine), una cualificada y joven comadrona, llega al East End londinense para iniciar su carrera profesional. Tras descubrir que a partir de ese momento su nuevo hogar será el convento de Nonnatus House, la joven se ve inmersa en una vida muy distinta a la que llevaba hasta entonces.

Vivir en una congregación religiosa y trabajar en una comunidad llena de singulares personajes como Conchita Warren, una mujer que ha llevado a término 22 embarazos, siendo dos de ellos de gemelos, marcará un antes y un después en su vida. Su labor en el barrio de East End le permitirá conocer las alegrías y dificultades que conlleva su trabajo de comadrona.

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«F1: La película»: ¡Broooooom…!

Por
Carlos Muñiz Vidal
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© 2025 Warner Bros. Entertainment Inc. All Rights Reserved. Brad Pitt es Sonny Hayes en "F1: la película"

Que el circo de la F1 llegaría a la gran pantalla es un viejo anhelo de cualquier amante del motor, un anhelo que ha llegado a acercarse en varios momentos, aunque sin acabar de cuajar ni en sus mejores intentos. Porque siendo como es un gigantesco circo de tecnología, despliegue audiovisual y diseño vanguardista, si no está en su elemento, si le sacas del ritmo al que los fanáticos del automovilismo estamos acostumbrados cada fin de semana es difícil ver el resultado y no pensar en una especie de sucedáneo.

Ya sucedía algo parecido en Grand Prix, a mi juicio la mejor y más representativa película de éste fenómeno automovilístico, con unas tomas en Mónaco y Spa desde el coche (las On Board de ahora) mostradas por primera vez en una pantalla. Todo ello la convertía en un espectáculo audiovisual en el lejano 1966, a pesar de que a su protagonista, James Garner, se le viera tan fuera de lugar dentro de su monoplaza con esas gafas de protección puestas, como si tanto el coche como las gafas se le quedaran pequeñas, más cómodo con un marnini en la mano y un smoking.

En F1: La película dentro del monoplaza está Brad Pitt. Y aunque ha tenido martinis en la mano y smokings en su dilatada carrera cinematográfica, en esta película el mono de piloto de F1 le queda como un guante; a ver, no es Steve McQueen. El mito de McQueen es imperecedero, un actor que amaba tanto el motor y el riesgo que saltaba en moto sobre una valla nazi sin especialista que le sustituyera (La Gran Evasión), se implicaba como productor en un proyecto destinado al fracaso, solo porque se rodaba en Le Mans (Las 24 horas de Le Mans), o pilotaba en sus ratos libres en la famosa prueba de resistencia de Sebring un porche 908, con una pierna escayolada…

© 2025 Warner Bros. Entertainment Inc. All Rights Reserved. Damson Idris es Joshua Pearce y Brad Pitt es Sonny Hayes en «F1: La película»

Está claro que Brad Pitt no tiene todo este bagaje sobre el motor detrás pero en esta película cuando está al volante, te lo crees. Más allá del mito de McQueen (quién sabe si Pitt tendrá su propio mito en 50 años), a Brad Pitt conduciendo en Daytona te lo crees, abroncando a su compañero novato o empleando una táctica suicida para beneficiarle, te lo crees; incluso cuando aparece la consabida (e innecesaria) historia de amor, pues también te lo crees. Ese aspecto casi inalcanzable que reflejan los pilotos de F1 le queda bien, eso de estar de vuelta de todo, de ver la situación desde arriba y de mirar a los medios en las obligadas ruedas de prensa y a los demás pilotos con la condescendencia propia de una estrella como él. Es como si fuera a cámara lenta, y solamente alcanzara su velocidad normal dentro del coche.

Aquí se mete toda la carne en el asador, en el sentido de que aparecen tanto los circuitos como los pilotos de la actual parrilla, pasando por los directivos, los jefes de equipo, etc, son lo más cercano a ese circo que se ha visto en una gran pantalla; aparecen Stefano Domenicalli, Verstappen, Alonso, Silverstone, Monza… y el duelo final, es contra el Mercedes de Lewis Hamilton.

Hay tantas referencias visuales y narrativas a la F1, que seguramente a aquellos a los que el mundo del motor les es ajeno (me atrevería a decir que un gran número de ellos aficionados al cine) esta película les resultara hasta repulsiva, especialmente por un guión muy manido, repetitivo en exceso de situaciones con el mismo gag o el mismo conflicto, que incluso se enreda en relaciones personales innecesarias y con un final bastante previsible.

Luego estamos los fans de la F1. Y claro, nosotros estamos encantados.

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Porque por encima del propio argumento, una excusa para narrar esta película sacada de cualquier otra película deportiva anteriormente rodada, con el veterano que intenta un último vals confrontado con un novato que tiene mucho talento pero que es irrespetuoso y fanfarrón, está el universo F1, están los extraordinarios planos on board desde un coche de F1 con los icónicos paisajes automovilísticos de fondo, los auténticos circuitos que seguimos desde hace años los aficionados y que aquí integran la historia me atrevería a decir que mucho más que los propios personajes, las espectaculares tomas inmersivas, los drones, y los efectos especiales, todo para engrandecer todavía más este espectáculo deportivo que ya disfrutamos cada fin de semana.

Probablemente esta sea el principal problema de la película, la excusa de la historia es solamente eso, una excusa. Pero, ¿y si tampoco te importa tanto? ¿y si esa pasión por el motor vence a tu pasión por el cine? Pues entonces te sientas en una pantalla enorme (cuanto más enorme, mejor), te preparas bien los oídos para el Dolby Atmos que tiene la película (el mejor sonido que existe), y con tu bol de palomitas disfrutas, vaya si disfrutas. Las 2 horas y 25 minutos que dura.

Probablemente el problema de esta película sea cuando se estrene en plataformas, cuando toda esa majestuosidad de la F1 se vea reducido a la pantallita de casa, al sonidito de casa, o de una tablet, o de un móvil. Porque si el desembarco en la playa de Normandía de Salvar al soldado Ryan está hecho para verse en un cine, el sonido de un motor mercedes, ferrari, mclaren, aston martin, los planos dentro de un monoplaza, las chicanes, los adelantamientos, los frenazos, todo se magnifica para deleite de los fans de la F1 en una pantalla de un cine.

Así que ponte tu chaqueta de Aston Martin (o de lo que sea), y a disfrutarla.

Chino Darín y Ester Expósito protagonizan «Dante de noche», de Hugo Ruiz

Por
Fernando Simó
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"Dante de noche" es la segunda película de Hugo Ruiz

El próximo 1 de septiembre comenzará en Madrid el rodaje de «Dante de noche», un thriller psicológico escrito y dirigido por Hugo Ruiz, autor de «Una noche con Adela», la película rodada en un único plano secuencia que lo consagró como una de las voces más prometedoras del cine español tras ganar el premio a Mejor Director Novel en el Festival de Cine de Tribeca 2023.

El jurado, que le otorgó el galardón por unanimidad, destacó de Hugo Ruiz su “visión audaz y singular”, su capacidad para “sostener un punto de vista, asumir riesgos y sorprender con una perspectiva única”, y lo comparó con “un magnífico director de orquesta” por la ‘ambición y el pulso de su primera película, que los dejó “visceralmente afectados”. Cerraron su fallo con una frase directa: “Estamos entusiasmados y curiosos por ver qué hará a continuación”.

La respuesta ya tiene nombre: Dante de noche.

Una historia nacida desde su propia mirada como guionista y director, con la que Ruiz vuelve a colocarse tras la cámara para desarrollar un proyecto personal, intenso y de alto impacto narrativo. Dante de noche propone un viaje nocturno y asfixiante a través de la culpa, el azar y las decisiones imposibles. El rodaje se extenderá durante cinco semanas en localizaciones urbanas de Madrid.

Las caras detrás de a noche

Chino Darín interpreta a Eduardo, un técnico de emergencias atrapado en un turno donde nada es lo que parece. Con una carrera consolidada entre Argentina y España, Darín ha protagonizado títulos como El reino, La odisea de los giles o Argentina, 1985, y asume aquí un papel que le enfrenta a sus propios límites morales y físicos.

Ester Expósito, uno de los rostros más conocidos del audiovisual español contemporáneo (Élite, Venus, El llanto, Veneno), da vida a Mak, un personaje clave en el conflicto interno del protagonista, cuyo vínculo con los hechos será mucho más complejo de lo que parece.

Vicente Romero (Modelo 77, Celda 211 o La unidad) encarna a Santo, un personaje ligado a los bajos fondos cuyo destino desata la trama de la película. Isak Férriz (Gigantes, Los favoritos de Midas, Bajocero) se suma al elenco interpretando a un personaje del entorno más turbio de la historia, mientras que Asier Etxeandia (dos nominaciones a los Premios Goya por sus interpretaciones en La novia y Dolor y gloria) realiza una colaboración especial, aportando su presencia y carisma al personaje de Chemi.

Un proyecto creado desde Gilda Productions

El proyecto marca el nacimiento de Gilda Productions, una nueva productora independiente fundada por Hugo Ruiz junto a Kike Sánchez, Pedro Ramón y Cajal, Andrés Mendibouren y Diego Mendoza. La compañía nace con una clara vocación: desarrollar historias propias, arriesgadas y con sello autoral, acompañando cada proyecto desde su idea inicial hasta su estreno.

Dante de noche es su primer largometraje, pero no el único. Gilda Productions nace con un objetivo ambicioso: situarse entre las principales productoras españolas antes de 2030. Actualmente, cuenta con este título en preproducción y una línea de proyectos en marcha que incluye dos largometrajes de ficción con vistas a 2026 (La quimera de Fortu y La noche de Domingo), una película de animación y varias series en distintas fases de desarrollo. Su apuesta creativa es personal, arriesgada e innovadora.

Un equipo técnico con firma propia

La dirección de fotografía estará a cargo de Teo Delgado, responsable de la imagen de cerca de un centenar de títulos para cine y televisión, entre los que destacan HIT, Cuéntame cómo paso, Los lunes al sol o El lápiz del carpintero. El montaje lo firma Alberto del Campo, ganador -entre otros reconocimientos- de dos Premios Goya y dos Premios Platino, por As bestas (2023) y El reino (2019), y nominado en las ediciones de 2017 y 2020 por Que Dios nos perdone (junto a Fernando Franco) y Madre, respectivamente. La música será compuesta por Remate, y el sonido lo dirigirá Cristian Amores ( Mar de plástico, La chica de la nieve, El cuaderno de Sara).

Manuel Ludeña (Palmeras en la nieve, Tierra de lobos) lidera la dirección de arte, Montse Sancho (Celda 211, Asuntos internos, Entre tierras) firma el vestuario, y el maquillaje y la peluquería estarán a cargo de Elena Cuevas (Votemos, Adú). La fotografía fija será obra de Jorge Fuembuena.

La producción ejecutiva corre a cargo de Jorge Redondo (Inés del alma mía y Mar de plástico) y Kike Sánchez (Una noche con Adela), mientras que la dirección de producción está en manos de Pablo Alejos (El inmortal, El jardinero).

Los productores de este thriller psicológico nocturno son Hugo Ruiz y Kike Sánchez -productor, cofundador de Muertos de Envidia y figura clave en la trayectoria del director desde Una noche con Adela-, junto a Jesús Ciordia, Pedro Ramón y Cajal, Andrés Mendibouren y Diego Mendoza.

Sobre el proyecto, Kike Sánchez afirma: “Dante de noche es mucho más que una película: es el resultado de años de confianza, de una visión compartida y del compromiso constante con una forma de hacer cine que sentimos muy nuestra. Estar al lado de Hugo desde el inicio de este camino, y ahora con Gilda Productions, es una apuesta que nace de la convicción y del deseo de acompañar historias que merecen ser contadas.”

Sinopsis

Eduardo, un afable técnico de emergencias sanitarias que conduce una ambulancia en el turno de noche, acude a una llamada. Un hombre llamado Mario, perteneciente a los bajos fondos de la ciudad, se encuentra muy grave en su casa. Al llegar, Mario está en las últimas, pero antes de morir dejará a Eduardo en una situación en la que, con cada segundo que pasa, resulta más difícil que él mismo termine la noche con vida.

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