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Palmarés del VIII Festival Cine por Mujeres Madrid 2025

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Kermy
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Festival Cine por Mujeres Madrid

El Festival Cine por Mujeres Madrid ha dado por cerrada su octava edición, durante la cual se han proyectado 62 largometrajes de 18 países distintos. Las cifras provisionales hablan por sí solas: 18 sold outs totales y 4.526 asistentes presenciales. Durante los 13 días que ha durado el festival (del 28 de octubre al 9 de noviembre), Madrid se ha llenado de actividades, coloquios y proyecciones con el objetivo de visibilizar y homenajear el cine dirigido por mujeres (no PARA ni SOBRE mujeres). Además, los espectadores han podido disfrutar de la presencia de 53 profesionales: 33 directoras, 6 actrices y 14 expertas.

El broche final tuvo lugar durante la gala de clausura, celebrada este domingo 9 de noviembre, en el Palacio de la Prensa de Callao. Numerosos representantes del sector acudieron a este evento, en el que se proyectó el largometraje Silent Rebellion, de Marie-Elsa Sgualdo. La gala fue presentada por Sol Alonso, Carlota Álvarez Basso y Diego Mas Trelles.

Entrega de los premios 2025

Durante la gala de clausura, ¡se desvelaron los esperados premios de esta edición! En primer lugar, se entregó el Premio a la Mejor Película Española 2025. En esta ocasión, el galardón ha recaído en Sorda, de Eva Libertad, «por su extraordinario valor cinematográfico y social, al ofrecer una obra plenamente adaptada que invita a reflexionar sobre la convivencia entre el mundo de los oyentes y el de las personas con discapacidad auditiva». Este premio consiste en 3.000€ de bonificación en el alquiler de material de iluminación para el siguiente proyecto que realice la directora, cortesía de Aluzine; 3.000€ en descuentos de alquiler de equipos cinematográficos, cortesía de RC Service; y la entrega de un reloj Huawei Watch GT 6 de edición limitada, valorado en 249€, cortesía de UWA, UHD World Association. El premio fue entregado por Macarena Gámir Linares, Subdirectora General de Mujer e Igualdad de Oportunidades de la Consejería de Familia, Juventud y Asuntos Sociales de la Comunidad de Madrid.

Posteriormente, se hizo entrega del Premio Baturu a la Mejor Directora Novel 2025 (por primera o segunda película), que ha recaído en manos de Avelina Prat por Una quinta portuguesa. «Su propuesta, delicada y precisa, nos sumerge en universos paralelos que se cruzan sutilmente, tejiendo una historia de medias verdades con una sensibilidad que evoca a Pessoa, Oliveira y otros grandes referentes portugueses. Destaca además la elegancia en la composición visual y el equilibrio narrativo que revelan una prometedora voz autoral», señala el Jurado. Este galardón comprende una residencia creativa de un mes en Bangkok, por cortesía del Festival Baturu, incluyendo billetes de avión, alojamiento y dietas, así como la entrega de un reloj Huawei Watch GT 6 de edición limitada, cortesía de UWA, UHD World Association. El premio fue entregado por Antonia Zegers, reconocida actriz chilena.

Seguidamente, se ha dado a conocer el Premio a la Mejor Película Internacional 2025 del Festival Cine por Mujeres Madrid, que ha sido para Happy Birthday, de Sarah Goher (Egipto), «La mirada de Sarah Goher a través de los ojos de Doha Ramadan, la pequeña y maravillosa actriz de 8 años, aporta la humanidad necesaria para entablar un debate sobre los privilegios y el papel de la mujer en nuestra sociedad», recalca el Jurado. Este premio consiste en la corrección de color en 4K durante 3 semanas en la sala Místika de cine digital de Free Your Mind, valorada en 30.000€, para su próximo largometraje; la creación de un DCP en versión original subtitulada en español a cargo de la empresa Subtitula’m, valorado en 1.000€; y la entrega de un reloj Huawei Watch GT 6 de edición limitada, cortesía de UWA, UHD World Association. El premio fue entregado por Arantxa Echevarría, reconocida directora y miembro del Jurado Internacional.

Finalmente, la Mención Especial del Jurado ha recaído en el largometraje Jakobs Ross (Songs Within), de Katalin Gödrös (Suiza), «por su poderosa metáfora sobre el precio de la voz femenina -esa voz que aún hoy sigue pagando un alto costo por expresarse libremente-«. La mención fue entregada por Martina Gusmán, reconocida actriz argentina y miembro del Jurado Internacional.

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CINEMA25 otorga sus Premios Honoríficos a María Morales y Mercedes Tirado

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Kermy
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La IV Semana del Cine de Córdoba reconoce la trayectoria profesional de la actriz y el impulso al cine y al audiovisual que la gestora cultural ha desarrollado durante más de dos décadas

CINEMA25, la Semana del Cine de Córdoba, ha otorgado el Premio Embajadora Cinematográfica de Córdoba a la actriz María Morales y el Premio Divulgación Cinematográfica de Córdoba a la técnica de cultura Mercedes Tirado. Ambas profesionales recogerán estos galardones en la Gala de Clausura que se celebrará el viernes 28 de noviembre a las 20:00h en el Teatro Góngora.

Con estos premios, la organización pone en valor la trayectoria de ambas, así como su dedicación al ámbito de la cultura, en general, y el cine y la interpretación, en concreto. Sus figuras han sido claves para difundir la imagen de Córdoba por otros lugares y promocionar el talento y la excelencia cultural existente en la provincia.

Morales cuenta con más de dos décadas dedicada a la interpretación en teatro, cine y televisión, trabajando con grandes directores y compañeros de profesión; lo que la ha llevado a estar nominada en los Premios Goya. Por su parte, Tirado ha destacado como técnica de cultura en la Diputación de Córdoba, impulsando proyectos esenciales para el desarrollo de la cultura cinematográfica en la provincia cordobesa.

CINEMA25 continúa su andadura con la mirada puesta en la inauguración de la IV edición de la Semana del Cine, que contará con numerosas proyecciones y actividades que llevarán el cine a las calles de Córdoba entre el 21 y el 28 de noviembre. En los próximos días se anunciarán los títulos y los profesionales que formarán parte de esta edición.

María Morales, Premio Embajadora Cinematográfica

La cordobesa María Morales es actriz de teatro, cine y televisión. Su trayectoria comenzó en el ámbito teatral y quedó consolidada en 2010 con el Premio Unión de Actores por Urtain de Andrés Lima, uno de los primeros grandes reconocimientos de su carrera. Así continúa en el mundo del teatro, en los últimos años ha formado parte de otras producciones dirigidas por Lima, como 1936, Shock. El cóndor y el puma y Shock II. La tormenta y la guerra.

En cine, fue nominada en 2014 al Premio Goya a Mejor Actriz Revelación por su interpretación en Todas las Mujeres, dirigida por Mariano Barroso. Además, ha participado recientemente en La Bola Negra, dirigida por Javier Ambrossi y Javier Calvo, y en otras películas como Los Amantes Pasajeros, dirigida por Pedro Almodóvar; y Gordos, dirigida por Daniel Sánchez Arévalo.

En televisión ha protagonizado recientemente La Sombra de la Tierra, Honor (que le valió el Premio en la XXII Edición de FICAL a Mejor Actriz), Operación Barrio Inglés; y muchos más títulos como El Apagón o La red púrpura. Actualmente, se encuentra rodando una serie de época para una plataforma.

Mercedes Tirado, Premio Divulgación Cinematográfica

Mercedes Tirado desempeña el cargo de Técnica de Cultura actualmente, siendo la Jefa de Departamento en la Delegación de Cultura de la Diputación de Córdoba. Comenzó a trabajar en 1998 y continúa desarrollando su labor con entusiasmo por la promoción y la dignificación del cine y el audiovisual.

Entre los programas que ha impulsado y coordinado se encuentran: el Circuito Provincial de Cine, Encuentros de Cine & Literatura, por donde pasaron relevantes directores de cine españoles y guionistas como Rafael Azcona, Fernando Trueba, Gonzalo Suárez o José Luis Garci; Martes de Cine, las Ayudas a la Creación dirigidas a proyectos audiovisuales, el programa Cine en la Merced junto a la asociación CineCercano, CINEMA Campus junto a la asociación RECORD o la línea de patrocinio a proyectos cinematográficos Toma Primera. En definitiva, un listado que establece la línea de trabajo de Tirado con el marcado objetivo de potenciar el talento local y facilitar el acceso a la cultura y a la industria cinematográfica.

Asimismo, Tirado, nacida en Torrecampo (Córdoba), cuenta con la titulación Superior en Arte Dramático por la Escuela Superior de Arte Dramático de Córdoba, en la especialidad de Interpretación. Lo que convierte esta en su segunda profesión, apareciendo en proyectos de teatro, sobre todo.

CINEMA25 reconoce la labor de estas profesionales que durante más de dos décadas han demostrado su excelencia y su gran pasión por la cultura y el cine. La organización hará entrega de estos Premios Honoríficos el día 28 de noviembre en el Teatro Góngora, una cita indiscutible que reunirá a grandes figuras del cine y de la industria a nivel nacional.

CINEMA25 – IV Semana del Cine de Córdoba

Se trata de una actividad organizada por RECORD (Asociación Profesional de Cine y Audiovisual de Córdoba) que cuenta con la Delegación de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba como patrocinador principal y con Junta de Andalucía, Diputación de Córdoba y Fundación Cajasur como patrocinios colaboradores además de Off Escac, UniEléctrica, SP Group y Hammam Al Ándalus como partners estratégicos.

El Festival de Cine «el ojO cojo» de Madrid invita a vivir emociones, memoria y aventuras

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Kermy
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Del 3 al 28 de noviembre en Madrid, el certamen ofrece de forma gratuita una selección internacional de obras que apuestan por el diálogo intercultural, la inclusión y los derechos humanos

El Festival Internacional de Cine el ojO cojo continúa llenando Madrid de historias que cruzan fronteras y despiertan miradas más empáticas. Este certamen, que celebra su 21ª edición, lleva más de dos décadas defendiendo el cine como herramienta de convivencia, inclusión y diálogo entre culturas. Nacido con la misión de promover la interculturalidad y los derechos humanos, el festival reúne cada año películas de más de treinta países y mantiene su vocación de acceso universal con proyecciones gratuitas y plenamente accesibles para personas con discapacidad visual o auditiva.

En ese espíritu diverso e inclusivo llega la programación de la semana del 13 de noviembre, que invita al público a descubrir obras que emocionan y hacen pensar. El lunes 13, a las 18:30 en el Centro Cultural Casa de Vacas, se presentará el documental español Paloma Negra: La Reina de las Anfetaminas, dirigido por Jesús Pamplona y Domingo Javier Muriel (España), una pieza premiada en los festivales de Gijón y Sevilla que reconstruye con franqueza la vida de Paloma, una mujer marcada por un pasado criminal que la llevó de Colombia a Ámsterdam. Más allá de su historia delictiva, la película se sumerge en la complejidad de la amistad, los silencios y la identidad personal. La sesión se completa con el cortometraje Que no llueva mañana, dirigido por Maria Trigo Teixeira (Alemania, Portugal), un relato íntimo y lleno de sensibilidad sobre el reencuentro entre madre e hija en un momento de vulnerabilidad. En apenas once minutos, la directora explora el duelo, la valentía y ese vínculo que nunca deja de transformarse.

El jueves 13, también a las 18:30 pero en el Centro Cultural Valdebernardo, la propuesta se convierte en un viaje visual, emocional y simbólico. La tarde abrirá con Sobre hipopótamos felices y pavos reales tristes, dirigido por Johannes Förster y Elkin Calderón Guevara (Colombia, Alemania), una fábula decolonial seleccionada en Hamburgo y DOK Leipzig que utiliza dos animales desplazados de su hábitat como metáforas de los caprichos del poder y los movimientos forzados. A continuación se proyectará Santé y Tropica, de Angelina Gilderman (Emiratos Árabes Unidos), un cortometraje de animación 2D seleccionado en Annecy–MIFA que invita a sumergirse en una aventura submarina llena de amistad, diversidad y solidaridad, ideal tanto para público infantil como adulto.

La jornada cerrará con el largometraje chino La respuesta para siempre, dirigido por Zheng Yunchang (China), una historia profundamente emotiva sobre una niña adoptada que, al descubrir que su abuela está gravemente enferma, emprende una misión inspirada en El Rey Mono para encontrar la «Fruta Eterna». Es una narración luminosa sobre el amor filial, la inocencia y la forma en que los niños enfrentan la idea de la pérdida.

En su 21ª edición, el Festival el ojO cojo reafirma por qué es un espacio imprescindible dentro del panorama cultural madrileño: porque abre puertas a realidades poco visibles, porque acompaña al público en procesos de reflexión y porque sigue apostando por un cine que transforma. Esta semana, las salas de Casa de Vacas y Valdebernardo esperan a quienes quieran emocionarse, sorprenderse y dejar que otras historias -de España, Alemania, Portugal, Colombia, Emiratos Árabes Unidos y China- les recuerden que siempre se puede mirar el mundo con otros ojos..

El ojO cojo, un festival accesible

La edición 2025 del Festival el ojO cojo consolida su vocación de tender puentes entre culturas a través del cine y reafirma su compromiso con las historias que promueven la empatía, la diversidad y la educación en valores. Durante todo el mes de noviembre, las proyecciones se acompañarán de encuentros con cineastas, debates y actividades paralelas en distintas sedes de Madrid invitando al público a mirar el mundo con otros ojos: los del cine que sensibiliza y transforma.

Esta 21ª edición, el festival da un paso histórico hacia la inclusión y la innovación tecnológica con el lanzamiento de su nueva aplicación multiplataforma, disponible para dispositivos Android y Android TV. Esta iniciativa, fruto de un trabajo colectivo y multidisciplinar, ofrecerá una experiencia plenamente accesible, multilingüe y adaptada a personas con discapacidad auditiva o visual. Entre sus principales funcionalidades destacan los subtítulos adaptados para personas sordas (LSE/CC), con descripciones de sonidos, contraste mejorado y posibilidad de ajustar el tamaño del texto; la audiodescripción en todos los títulos, que facilita el acceso a personas ciegas o con baja visión; una interfaz multilingüe —en español, inglés, catalán, gallego y euskera— diseñada para reflejar la diversidad lingüística del Estado; y la compatibilidad con Android TV, que adapta navegación, diseño y foco al uso mediante mando a distancia.

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TRECE cambiará de posición en Movistar Plus+

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David Goñi
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La cadena TRECE modifica su ubicación dentro de la oferta de Movistar Plus+, en un movimiento que forma parte del reordenamiento de diales que la plataforma lleva a cabo periódicamente. Los abonados deberán tener en cuenta este cambio para seguir disfrutando de la programación habitual del canal, que continuará ofreciendo su combinación de información, actualidad, cine clásico y contenidos socioreligiosos.

Hasta ahora, TRECE podía verse en el dial 47, pero a partir del miércoles 12 de noviembre pasará a ocupar el canal 45. Este ajuste afecta únicamente a los clientes de Movistar, ya que la emisión del canal seguirá siendo la misma en la TDT y en el resto de operadores.

La cadena mantiene una parrilla centrada en acompañar al espectador, con espacios como Ecclesia Al Día, presentado por Raquel Caldas, y Ecclesia, con Álvaro Sáez los domingos. Los sábados, el sacerdote Fidel recorre distintas diócesis españolas en Un lugar en la tierra, un programa que muestra la riqueza artística y espiritual de la Iglesia.

El cine sigue siendo uno de los grandes pilares de TRECE, con sus habituales sesiones dobles y el espacio Tu Cine, mientras que los viernes a las 22:00 llega Classics, con Jerónimo José Martín y Juan Orellana, para analizar los grandes títulos del séptimo arte. La serie A un paso del cielo, protagonizada por Terence Hill, completa la oferta de ficción con historias llenas de aventura y valores humanos.

La actualidad también tiene un papel esencial en la cadena. De lunes a viernes, Pilar García de la Granja y Ángel Expósito conducen TRECE y COPE es noticia a las 14:30 y 20:30, y cada noche el informativo El Cascabel, con José Luis Pérez, reúne a analistas como Ana Samboal, Gloria Lomana, Guadalupe Sánchez o Bieito Rubido. La jornada televisiva se completa con El Partidazo de COPE, con Juanma Castaño, que acerca la última hora deportiva y el mejor análisis del fútbol.

TRECE reafirma su compromiso con una televisión plural, familiar y basada en valores, que busca informar, entretener y acompañar cada día a sus espectadores.

Recuerda que en nuestra nueva sección de Retransmisiones Deportivas puedes consultar, de forma actualizada, todos los horarios y canales en los que se emiten decenas de competiciones. Desde el mejor Fútbol nacional e internacional, pasando por una amplia variedad de disciplinas polideportivas, hasta las grandes citas del Motor. Una herramienta imprescindible para no perderte ningún partido, carrera o evento deportivo.

«Anatomia de un instante» y «A Better Man», ganadores del 12º Serielizados

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Fernando Simó
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Serielizados – Festival de Series de Barcelona ha dado a conocer los títulos ganadores de su 12ª edición:

Premios de la Sección Oficial Nacional

  • Mejor Serie: Anatomía de un instante (Movistar Plus+), creada por Alberto Rodríguez, Fran Araújo y Rafael Cobos

El Jurado ha decidido premiar la serie “por abordar un momento clave de la historia española desde una perspectiva tanto política como humana, por la excelente adaptación de la novela original de Javier Cercas, por la sobriedad y al mismo tiempo fuerza dramática de su dirección, por las actuaciones sobresalientes y por la relevancia de la importancia de las democracias”.

  • Mejor Guion: Diego San José, Daniel Castro y Fernando Delgado-Hierro por Yakarta (Movistar Plus+)

El Jurado considera que “el guion tiene cualidades únicas. A través de un deporte que, según la serie, no practican personas felices, los dos protagonistas luchan contra sus demonios en busca de dignidad, con un diálogo maravilloso y una historia que comienza como una amistad improbable clásica y evoluciona hacia un relato más complejo, lleno de secretos revelados. La relación entre un entrenador y una atleta es asimétrica, al igual que la que existe entre un adulto y una niña. Esta asimetría puede destruir vidas si se gestiona mal, pero también puede ser transformadora y ejercer una influencia muy positiva en la vida de una persona joven. Este guion aborda con valentía el trauma, el deseo de comunidad y el poder del deporte, sin caer nunca en el sentimentalismo. Y, como público, deseamos de verdad que esta pareja tan improbable llegue a la tierra prometida. O a Yakarta”.

  • Mejor Interpretación: Javier Cámara y Carla Quílez por Yakarta (Movistar Plus+)

Según el Jurado, el premio es “para dos actores que mantienen una interacción compleja y maravillosa, dándose espacio mutuamente y al mismo tiempo reclamando su lugar, como en un partido perfecto de dobles de bádminton, en una historia sobre una amistad improbable. Los dos protagonistas tienen una química cálida y creíble, que se mantiene cautivadora en sus luchas personales”.

El Jurado de la Sección Oficial Nacional ha estado compuesto por la alemana Jana Daedelow, coordinadora del Berlinale Series Market; el argentino Diego Batlle, crítico y director del portal Otros Cines; y la noruega Henriette Steenstrup, creadora y actriz de series como Perni y Nepobaby.

Javier Cámara se mete en la piel de Joserra, un exjugador olímpico de bádminton caído en desgracia que cree encontrar la solución a todos sus problemas en un polideportivo de Fuenlabrada

Premios de la Sección Oficial Internacional

  • Mejor Serie: A Better Man (Noruega, Lituania), creada por Thomas Seeberg Torjussen y distribuida en España por Filmin

El Jurado ha decidido premiar esta serie por “hablarnos con enorme valentía del aquí y el ahora, por entrar en lugares tan tristemente cotidianos como oscuros y, desde allí, dar cabida a la esperanza, a la redención y a la capacidad de ponernos en el lugar del otro sin que eso signifique justificarlo ni disculparlo”.

  • Mejor Guion: Florence Longpré por Empathy (Canadá)

Según el Jurado, “por crear una serie conmovedora desde presupuestos completamente opuestos al sentimentalismo, por profundizar en temas a menudo tratados con superficialidad como el duelo y la salud mental, y hacerlo, como solo saben hacer los grandes, dando cabida al humor”.

  • Mejor Interpretación: Florence Longpré por Empathy (Canadá)

El Jurado decide entregar este premio a Florence Longpré “por interpretar con la sutileza del dominio a un personaje roto, explorando un enorme abanico de matices y cambios de tono, con un dolor que permea todo su recorrido, pero que no eclipsa su carácter”.

El Jurado de la Sección Oficial Internacional, patrocinado por DAMA, ha estado compuesto por Paloma Rando (Presidenta del Jurado), guionista de series como Mariliendre; Javier Giner, creador de Yo, adicto, ganadora de la Sección Oficial Nacional de la pasada edición del festival; e Iria del Río, actriz en series como Los años nuevos.

Premio Jurado Joven SAE CEV

Serielizados cuenta también con un Jurado Joven patrocinado por SAE CEV, escuela oficial del festival. El jurado de este año ha estado formado por Iris Porcuna, Miguel Prats, Andrés Rangel, Jaime Muñoz y David Carbonell, y ha otorgado el premio a la serie Empathy (Canadá), creada por Florence Longpré.

Por unanimidad, han decidido conceder el premio a Empathy “por su excelente guion, por su excelente montaje, por su excelente dirección, por su excelente música y por su maravillosa forma de hacernos sentir que, con algo tan sencillo como la empatía, podríamos cambiar al mundo”.

Premio Popitas del Público

El Premio Popitas del Público, otorgado por el público asistente al festival y decidido entre todas las series que han competido en las dos Secciones Oficiales, ha sido para la serie A Better Man.

Sesión de entrega de premios y más actividades de la 12ª edición de Serielizados

La sesión de entrega de premios se llevó a cabo en el Teatre del CCCB de Barcelona, en una gala que ha contado posteriormente con el estreno de la serie Sense filTRES (3Cat), con la presencia de gran parte de su equipo: Jiajie Yu Yan (director), Sandra Reina (directora), Aleix Mestre (guionista), Afioco Gnecco (guionista), Nico Ariso (actor), Luana Rocha (actriz) y Lara Oliete (actriz).

Serielizados – Festival de Series de Barcelona continúa hasta el próximo miércoles 12 de noviembre con más de una veintena de proyecciones y actividades. Entre ellas, el homenaje al 20º aniversario de Ventdelplà (3Cat), con la presencia de las actrices Emma Vilarasau, Georgina Latre y Mar Ulldemolins; la docuserie Missing in Murcia (Movistar Plus+), de Carles Porta; el estreno estatal de series norteamericanas como I Love LA, de Rachel Sennott, y The Paper, spin-off de The Office; o la proyección completa de la serie vasca Zeru Ahoak (EITB y RTVE), con presentación de sus actores Josean Bengoetxea, Sara Cozar y Miren Gaztañaga.

También se estrenará la serie noruega Nepobaby, con la presencia de su creadora y actriz Henriette Steenstrup, conocida por Perni; la docuserie La Fugida, verdades ocultas (3Cat), que sigue historias reales de abusos sexuales a menores en escuelas religiosas; y muchos más títulos destacados del año: ¡Casa Bonita Mi Amor!, sobre los creadores de South Park; la serie británica The Gold, con actores como Jack Lowden o Dominic Cooper; I Know Your Soul, de Jasmila Zbanic, directora de Quo Vadis, Aida?; Putain, 37 Seconds, The Agent – The Life and Lies of My Father, Family Matters, Vanguard; un bloque de series de animación y un bloque de series de temática LGTBIQ+.

El festival también acogerá una charla con Estela Ortiz y Oye Sherman sobre Los Soprano, una masterclass con Leticia Dolera sobre su serie Pubertat, una nueva sesión de Los Making Of de DAMA sobre la serie Delta y una edición en directo del podcast La Trama sobre cómo hacer una sitcom en 2025.

Esta edición del festival ha destacado por la presencia de personalidades tan relevantes como Alan Ball, creador de A dos metros bajo tierra y True Blood; Álvaro Morte y Alberto Rodríguez (Anatomía de un instante); Javier Cámara, Carla Quílez, Diego San José y Elena Trapé (Yakarta); Trine Dyrholm y Benedikt Erlingsson (The Danish Woman); o Pablo Derqui y Víctor Rebull, actores de Los 39, entre muchos otros invitados.

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«El Amoragaor», cortometraje candidato a los Goya 2026, se proyecta en el Festival de Cine Europeo de Sevilla

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Fernando Simó
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El cortometraje documental «El Amoragaor», dirigido por Adrián Ordóñez y producido por Muy Al Sur Films, se proyectará el domingo 9 de noviembre, dentro de la sección Panorama Andaluz (Cortometrajes) del Festival de Cine Europeo de Sevilla. La sesión tendrá lugar de 16:30 a 18:17 horas en la sala Cartuja Principal.

La participación en el festival coincide con un momento clave para la obra, que ha sido incluida en la shortlist de los Premios Goya 2026 en la categoría Mejor Cortometraje Documental, situándose entre las producciones andaluzas con más proyección del año.

El Amoragaor retrata la historia de Manolín, un espetero malagueño cuya vida, marcada por el fuego y la orilla, se convierte en una metáfora sobre la memoria, la identidad y l dignidad del trabajo. Rodado en la costa de Málaga, el documental combina una mirada íntima con una cuidada estética cinematográfica que ha llamado la atención en festivales nacionales e internacionales.

Con más de 50 selecciones oficiales y 11 premios en su recorrido por certámenes de Europa y América, el cortometraje confirma el talento emergente del joven director malagueño Adrián Ordóñez, quien ya fue nominado a los Premios Carmen de la Academia del Cine Andaluz con su anterior obra, Todo va bien.

“Queríamos capturar el alma de un oficio que define a nuestra tierra y, sobre todo, a las personas que lo mantienen vivo”, explica el director. El Amoragaor es una producción de Muy Al Sur Films, una joven productora malagueña comprometida con contar historias del sur con mirada cinematográfica.

Cédric Klapisch y Bruno Lévy defienden un cine entre la memoria, la tecnología y la emoción en el Festival de Sevilla

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Fernando L. Simó
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La rueda de prensa de «Los colores del tiempo» en el Festival de Cine Europeo de Sevilla reunió al director Cédric Klapisch y al productor y guionista Bruno Lévy, que detallaron el proceso de creación de una película que viaja entre el París de 1900 y la actualidad, combinando historia del arte, tecnología y emociones humanas.

Klapisch explicó que la idea inicial surgió al preguntarse “cómo la invención de la fotografía hizo evolucionar la pintura”. A partir de ahí, el proyecto fue creciendo hasta convertirse en una historia familiar que conecta distintas épocas. “Quería pasar de la época actual a esa época, y apareció una historia de familia. Ahora es más que eso, creo que es lo que nos llama la atención en este momento”, señaló.

El productor reconoció el vértigo que supuso enfrentarse a una producción de época: “Me dio miedo al comienzo. El cine de época sigue siendo muy complicado con nuestras costumbres. Sabía que tenía que ser sofisticado y, al mismo tiempo, que tenía que manejar financieramente todo eso”. Admitió que el rodaje implicó compromisos, renuncias y un esfuerzo de equilibrio entre ambición estética y recursos.

Uno de los temas más comentados fue el sentido del título. Klapisch explicó que el original francés tiene un doble significado que juega con el espectador: “Vemos un filme que habla mucho del pasado y decimos que es la venida del futuro. Es casi un viaje en el tiempo en los dos sentidos, porque el filme habla del futuro de los pasados”. En ese contexto, reflexionó también sobre la evolución tecnológica y la irrupción de la inteligencia artificial, que ve como una herramienta más en la historia del cine: “No creo que sean robots los que vayan a contar historias. La inteligencia artificial va a estar al servicio de la creación, y habrá nuevos creadores que sabrán usar esos instrumentos”.

Cédric Klapisch también destacó el enorme trabajo que supuso recrear el París de 1900, alternando decorados naturales y estudio: “Lo más difícil fue probablemente recrear en el estudio ese París real, verdadero, y darle la verdad al tiempo. Siempre había este juego entre la fabricación y la vida”. Lévy añadió que el objetivo era escapar del artificio habitual del cine histórico: “Odio que los estadounidenses filmen el París de 1900 en Barcelona o Bayona. La realidad no les interesa. Nosotros queríamos un París auténtico”.

El equipo recurrió a una amplia documentación histórica y artística. “Nos referíamos mucho a las pinturas de los impresionistas y a fotógrafos de la época, como Nadar o Gustave Le Gray. Queríamos dar realidad a cada detalle, desde los vestuarios hasta cómo vivía la gente”, explicó Klapisch. También quiso subrayar el contraste entre la creación artística de entonces y la fugacidad de la imagen actual: “Nuestra época empuja mucho a algo instantáneo, con lo que son las redes sociales. Cuando fabricamos imágenes, intentamos poner algo más que instantes: ponemos densidad, ponemos trabajo, ponemos el trabajo de una ciudad”.

Sobre el tono del filme, Klapisch confesó que su intención era combinar emoción y humor: “Desde el principio busco hacer reír y llorar. Hacer reír no es suficiente, y hacer llorar es demasiado duro. Quiero que el espectador sienta emoción y alivio al mismo tiempo”. Esa dualidad se refleja también en la estructura del relato, que mezcla drama, comedia y fantasía.

En relación con una de las escenas más comentadas —el viaje místico de los protagonistas mediante ayahuasca—, Klapisch explicó que fue una solución para introducir un giro fantástico sin recurrir a clichés: “No queríamos hacer una máquina del tiempo ni algo completamente increíble. Al principio fue una idea cómica, pero terminó siendo una escena muy emocionante”.

El cineasta también destacó el trabajo con los actores: “Queríamos que en las escenas de 1900 hubiera más gente joven. Por eso elegimos a Suzanne Lindon y Paul Kircher, junto a intérpretes más veteranos como Julia Piaton o Vincent Macaigne. Lo más complicado fue encontrar familias, no solo buenos actores individuales”.

Finalmente, Klapisch habló sobre la música, concebida como puente entre épocas: “Nos preguntamos si debíamos hacer una sola música para las dos épocas o dos músicas distintas. Rápidamente decidimos hacer dos, pero que se unieran poco a poco. La música instrumental se vuelve cada vez más electrónica”, explicó, destacando la colaboración con el compositor Rob y la cantante Rebecca Warrior.

La rueda de prensa concluyó con una idea que resume el espíritu de Los colores del tiempo: el equilibrio entre tradición y modernidad, entre lo real y lo imaginado. “El progreso no siempre es un progreso —admitió Klapisch—, pero el cine, como la pintura, nos permite mirar el mundo con otros ojos.”

Los colores del tiempo, tras su participación en la Sección Oficial del Festival de Cine Europeo de Sevilla, llegará a los cines el próximo 14 de noviembre

Mezzo, inéditos españoles: Israel Fernández y la ADDA·Simfònica

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Kermy
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La semana del 10 al 16 de noviembre, los canales Mezzo y Mezzo Live presentan una programación destacada que combina grandes citas internacionales y estrenos flamencos

Durante la semana del 10 al 16 de noviembre, los canales Mezzo y Mezzo Live ofrecen una programación excepcional que une grandes citas internacionales y estrenos flamencos. Destacan el Live Session desde Seúl con la Royal Concertgebouw Orchestra dirigida por Klaus Mäkelä, así como los estrenos inéditos del concierto de Israel Fernández desde Granada y del concierto sinfónico de la ADDA Simfònica Alicante. La presencia de figuras como Martha Argerich, Lahav Shani, Javier Perianes, Rocío Molina y José del Tomate, en escenarios emblemáticos como el Lotte Concert Hall, el Teatre Nacional de Catalunya y el Alcázar de Sevilla, confirma una semana marcada por la excelencia y la diversidad musical.

El flamenco: del cante a la orquesta

El flamenco no es solo un estilo, sino un sistema musical completo: una combinación de ritmo asimétrico, acentos desplazados, melodías modales y un uso expresivo del timbre que lo hacen inconfundible. Dentro del mes que Mezzo Live dedica a España, esta semana el canal muestra cómo los elementos del flamenco viajan del arte popular a la gran música, desde los intérpretes actuales hasta los compositores que lo llevaron al ámbito sinfónico.

Todo en el flamenco empieza con el ritmo. Su compás, con acentos cambiantes y ciclos que rompen la regularidad, da esa sensación de movimiento y libertad que lo hace único. Ese latido está muy presente en el recital inédito de Israel Fernández, grabado en el Festival de Granada 2025. El cantaor Israel Fernández une con naturalidad el cante flamenco y el piano, equilibrando emoción y armonía con una sensibilidad poco frecuente (miércoles 12 de noviembre, 21:00, Mezzo Live – Inédito).

Ese mismo pulso se convierte en movimiento en la Trilogía sobre la guitarra I y II, de Rocío Molina, grabada en el Teatre Nacional de Catalunya. En este espectáculo, la bailaora y coreógrafa dialoga con la guitarra de Rafael Riqueni, Yerai Cortés y Eduardo Trassierra. Molina juega con los acentos, las pausas y el silencio igual que un músico con su compás (lunes 10 de noviembre, 21:00 y 22:10, Mezzo Live)

Del toque a la orquesta

Además del ritmo, el flamenco tiene un sonido muy propio, melodías que se deslizan, armonías con sabor antiguo y giros que recuerdan al cante. A finales del siglo XIX, Isaac Albéniz llevó todo eso al piano.

En piezas como El Puerto, Evocación, El Albaicín, Triana o Sevilla, recreó la música popular andaluza con el lenguaje del piano, evocando en la mano izquierda el ritmo de la guitarra y en la derecha la expresividad de una voz flamenca. El pianista Javier Perianes, en su concierto desde el Alcázar de Sevilla, interpreta estas obras junto a sonatas de Scarlatti (viernes 14 de noviembre, 23:05, Mezzo Live).

Cuando Manuel de Falla escribió El amor brujo, llevó el flamenco al terreno de la orquesta. Los instrumentos imitan los colores del cante y de la guitarra: los violines se convierten en voz, la percusión en palmas y zapateado. En el Festival de Liubliana 2025, la ADDA Simfònica Alicante, dirigida por Josep Vicent, interpreta esta obra en un programa inédito que incluye también el Capricho español de Rimski-Kórsakov, un homenaje extranjero al sonido andaluz, y las Danzas sinfónicas de Bernstein, donde el ritmo popular se transforma en energía orquestal (jueves 13 de noviembre, 21:00, Mezzo Live – Inédito).

La excelencia mundial: el piano, la orquesta y la danza

Tras mostrar la excelencia del piano, la orquesta y la danza en la música española y el flamenco, Mezzo y Mezzo Live dan el salto a la escena internacional con tres programas dedicados a esos grandes repertorios y protagonizados por algunos de los artistas más reconocidos del mundo.

La Royal Concertgebouw Orchestra de Ámsterdam, considerada una de las orquestas más prestigiosas del planeta, protagoniza un Live Session desde el Lotte Concert Hall de Seúl. Bajo la dirección de su joven titular Klaus Mäkelä, la orquesta interpreta la Sinfonía n.º 5 de Mahler y el Concierto para violín n.º 1 de Bruch, con el prodigioso Daniel Lozakovich como solista. Una velada que combina elegancia sinfónica y virtuosismo juvenil en estado puro (sábado 15 de noviembre, a las 20:30 en Mezzo, y a las 21:00 en Mezzo Live – Live Session).

El día de antes, la danza encuentra su máximo nivel en el Premio de Lausana 2024 – Estrellas emergentes, con antiguos ganadores como Madison Young y Julian MacKay, y los finalistas de la edición, bajo la dirección artística de Kinsun Chan, en una gala que celebra el talento y la perfección técnica en el Teatro de Beaulieu de Lausana (viernes 14 de noviembre, 20:30, Mezzo).

Un poco más tarde, la programación culmina con un broche de excelencia: el legendario pianismo de Martha Argerich se une al talento del director y pianista Lahav Shani en el Konzerthaus de Dortmund. Juntos ofrecen un programa de obras maestras del siglo XX de Prokófiev, Rajmáninov, y Ravel, además de adaptaciones de Bach/Kurtág y Chaikovski/Economou (viernes 14 de noviembre, 22:10, Mezzo).

Dentro del mes que Mezzo y Mezzo Live dedica a España, esta semana la programación recorre desde el flamenco y su huella en la música clásica, hasta las grandes citas internacionales del piano, la orquesta y la danza.

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FlixOlé rescata a la Tercera Vía, el movimiento que renovó el cine español de los 70

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Kermy
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José Sacristán, protagonista de ‘Los nuevos españoles’

Desde este viernes, 7 de noviembre, FlixOlé se vuelca con la llamada Tercera Vía del cine español con el estreno de títulos como «Los nuevos españoles» (1974), «Españolas en París» (1971) o «Libertad provisional» (1976), todos ellos dirigidos por Roberto Bodegas. Este cineasta destacó por ser uno de los grandes impulsores de un movimiento cuyo principal ideólogo fue José Luis Dibildos con su productora Ágata Films.

La «Tercera Vía» no era más que un camino intermedio entre el cine de autor y el más comercial, entre la intelectualidad del primer modelo y el espíritu popular del segundo. En este grupo también estaban adheridos directores como Antonio Drove, con sus películas Tocata y fuga de Lolita (1974) y Mi mujer es muy decente, dentro de lo que cabe (1975), o el más experimentado de todos ellos: Pedro Lazaga, quien de este corte realizó Hasta que el matrimonio nos separe (1977). Los títulos ahora mencionados también verán su estreno en FlixOlé, en este caso el 14 de noviembre. Junto a estas novedades, la plataforma reúne todos los ejemplos de la Tercera Vía disponibles en su catálogo en una colección estamparon su sello cineastas como José Luis Garci, Manuel Summers, Jaime de Armiñán, José María González Sinde o José Luis García Sánchez.

A principios de los 70, el productor y guionista José Luis Dibildos decidió crear un híbrido entre las dos Españas existentes tanto en producción como en consumo cinematográfico. Por un lado Carlos Saura y Elías Querejeta, entre otros, estaban apostando por un cine sesudo y muy crítico con el régimen franquista, el cual no se podía realizar de otro modo que mediante metáforas y mensajes encriptados para esquivar la censura. Por el otro, la comedia de brocha gorda, “las españoladas”: esas películas ligeras que divertían, llenaban las salas y comenzaban a anticipar el destape. Era el esplendor de los Landa, Gracita Morales, hermanos Ozores y compañía.

Dibildos quiso unir ambos polos con su catalogada «Tercera Vía», un modelo de cine comercial y comprometido al mismo tiempo. De este modo, y también a través de la comedia, las películas de Ágata Films iban a mostrar la realidad del español medio que se enfrentaba a la modernidad y los cambios en la etapa final del Franquismo. Así, y con Roberto Bodegas a la dirección, en 1971 se estrenó Españolas en París, sobre un grupo de mujeres emigrantes en la capital francesa que se ganan la vida como empleadas del hogar. Esta película con caras muy conocidas (Ana Belén, Laura Valenzuela, Máximo Valverde, José Luis López Vázquez o Tina Sáinz) llevó a más de 1,2 millones de espectadores a las salas. La fórmula funcionaba.

Los nuevos españoles (Roberto Bodegas, 1974), sobre trabajadores de una empresa que se han de adaptar a la visión de una compañía extranjera cuando ésta los absorbe; Libertad provisional (Roberto Bodegas, 1976), con una liberada y picante Concha Velasco con la problemática de la marginalidad como telón de fondo; Tocata y fuga de Lolita (Antonio Drove, 1974), reflejo de la España conservadora frente a la juventud progresista plasmados en la relación entre un padre y una hija (Arturo Fernández y Amparo Muñoz) de clase acomodada; la sociedad previa a la Ley del Divorcio en Hasta que el matrimonio nos separe (Pedro Lazaga, 1977)… Todas estas películas entran en el canon de la Tercera Vía: temáticas y preocupaciones de la clase media del momento envueltas en comedias que, sin embargo, procuraban aumentar los estándares de calidad que se estaban imponiendo en el género.

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DKiss estrena el true crime «Asesinos de América: abuso de poder»

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Kermy
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Historias de corrupción, abusos sistemáticos, conspiraciones y mentiras cuidadosamente construidas demuestran cómo el poder puede aislar, cegar y llevar al límite más oscuro de la condición humana

En todas las comunidades existen figuras de confianza: pastores, médicos, empresarios, policías. Son los llamados «pilares sociales», aquellos a quienes admiramos, en quienes confiamos y que influyen en nuestras vidas. Representan seguridad, progreso, espiritualidad y justicia. Pero esta nueva serie documental desmonta el mito: cuando el poder seduce y corrompe, el mal se abre camino. Detrás de rostros ejemplares se ocultan ambición, manipulación y crímenes impensables.

A través de casos reales e impactantes, la serie muestra cómo la autoridad puede convertirse en un arma peligrosa cuando cae en manos equivocadas. Personas que un día fueron admiradas terminaron controlando, amenazando y destruyendo vidas con una frialdad aterradora, amparadas en el respeto que la sociedad les concedió.

Bajo el hilo conductor de la serie emerge una verdad inquietante: el poder no revela el carácter, lo pone a prueba. Y algunos fallan estrepitosamente. Este programa documental expone cómo individuos supuestamente intocables manipularon a sus comunidades y usaron su posición para mentir, abusar y destruir a todo aquel que se interpusiera en su camino. Asesinos de América: abuso de poder se estrena el lunes 10 de noviembre a las 23:00.

La definición más fiel de que el poder corrompe

A lo largo de seis episodios, la serie revela casos reales donde el poder se transforma en una peligrosa arma. Desde Kimberly Bailey, una empresaria millonaria cuya paranoia desencadena una trama criminal internacional; hasta Randeep Mann, un médico que pasa de ser amado por sus pacientes a orquestar un violento plan de venganza tras perder su licencia.

El programa también muestra al respetado médico olímpico Larry Nassar, responsable de décadas de abusos sexuales ocultos contra jóvenes gimnastas del equipo estadounidense. Entre sus víctimas se encuentra la gimnasta artística Simone Biles, quien denunció públicamente haber sufrido abusos por parte de Nassar y se convirtió en una de las voces más firmes en la búsqueda de justicia y en la exigencia de responsabilidad institucional dentro de la gimnasia estadounidense.

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