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Uno de los canales de Movistar Plus+ mejora su señal y ya emite en HD

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Los abonados de Movistar Plus+ ya pueden ver desde esta semana la versión en alta definición de uno de los canales de su oferta, que llevaba varias semanas en fase de pruebas dentro de la red del operador. Durante este tiempo, la nueva señal ya estaba preparada internamente dentro de la plataforma e incluso situada en su dial correspondiente, aunque todavía pendiente de activación desde los descodificadores de los clientes.

El canal en cuestión es «Playboy TV», cuya versión en HD ya está disponible en el dial 190 de la plataforma. Se trata de una mejora técnica del canal ya existente, que hasta ahora se ofrecía en definición estándar en los descodificadores de Movistar Plus+.

Durante las últimas semanas, la nueva señal en HD ya estaba integrada internamente en el dial 190, a la espera de que la plataforma activara su visualización desde los descodificadores. Mientras tanto, los clientes seguían recibiendo la versión en definición estándar del canal, hasta que finalmente se ha producido el cambio que permite verlo ya en alta definición.

«Playboy TV» es un canal de suscripción con un coste de 10 euros al mes, dirigido a público adulto. La señal que distribuye Movistar Plus+ corresponde a la versión latinoamericana del canal, que también se comercializa en España y Portugal.

El canal es una filial del canal estadounidense basado en la conocida revista «Playboy», fundada por Hugh Hefner, y actualmente es propiedad de Claxson Interactive Group. Su programación se centra principalmente en contenido erótico original, con producciones propias diseñadas específicamente para su audiencia adulta.

Con esta activación, Movistar Plus+ completa el paso del canal a alta definición, después de varias semanas en las que la nueva señal ya estaba preparada dentro de la plataforma a la espera de su activación definitiva.

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«Blackwater»: el retrato urgente de los refugiados climáticos que llegan desde Bangladesh

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Presentado en la sección oficial de documentales a competición del Festival de Málaga, «Blackwater» se adentra en uno de los escenarios donde el cambio climático ya es una realidad cotidiana. El director Natxo Leuza y el productor y director de fotografía Jokin Pascual firman un documental que sigue a varias personas obligadas a abandonar sus hogares en Bangladesh por la subida del nivel del mar, las tormentas y la degradación ambiental. La película no solo muestra el impacto humano de esta crisis, sino que plantea preguntas sobre el futuro de millones de desplazados climáticos.

El cambio climático suele abordarse desde cifras, informes científicos o cumbres internacionales, pero Blackwater propone una mirada distinta: poner rostro a las personas que ya viven sus consecuencias. El documental dirigido por Natxo Leuza y producido por Jokin Pascual se presenta en la sección oficial de documentales a competición del Festival de Málaga con una propuesta que combina una potente dimensión visual con un enfoque profundamente humano. La película llega al certamen después de iniciar su recorrido internacional en CPH:DOX, uno de los festivales de documental más importantes del mundo. Para sus creadores, presentar la obra en España supone un paso significativo en su recorrido. “Competimos en sección oficial y estamos muy felices”, explica Leuza. “Estrenamos el año pasado a nivel internacional en CPH Docs, en Copenhague, que es un festival importante para el documental, y no vemos mejor manera de presentarla en España que a través del Festival de Málaga”. El vínculo de los autores con el certamen también ha influido en esta decisión. “Tanto para Joaquín como para mí tenemos una relación muy especial con el festival, donde casi siempre apoya nuestros trabajos, entonces estrenar Blackwater ahí es algo que deseábamos y es una suerte poder empezar así”.

El origen del documental se encuentra en una noticia que llamó poderosamente la atención del director. Una cifra concreta que revelaba la magnitud de un problema que apenas ocupa titulares. “Leí que para el año 2050 entre 20 y 30 millones de personas en Bangladesh van a tener que dejar sus casas para desplazarse internamente a la gran ciudad de Dhaka”, recuerda Leuza. “El titular hablaba de que nos enfrentamos a la mayor migración humana de la historia”. Aquella información despertó su curiosidad y le llevó a investigar con mayor profundidad la situación del país. Bangladesh es uno de los territorios más densamente poblados del planeta y se encuentra especialmente expuesto al impacto del cambio climático. Gran parte de su territorio está formado por deltas fluviales muy vulnerables a las inundaciones, mientras que el aumento del nivel del mar amenaza con anegar extensas zonas costeras. “El 17% del litoral sur, donde están los manglares que son considerados los pulmones de Bangladesh, va a ser inundado por el agua”, explica el cineasta. “Eso significa que millones de personas van a tener que desplazarse primero dentro del propio país”.

Ese desplazamiento ya está ocurriendo. No se trata de una previsión lejana sino de un proceso que se desarrolla de forma constante. “Hay una especie de goteo donde millones de personas llegan cada día desde las zonas rurales a la gran ciudad por consecuencias del cambio climático”, señala Leuza. “Inundaciones, tormentas, erosión de la tierra o la salinización del agua están obligando a mucha gente a abandonar sus hogares”. El destino habitual de estas personas es Dhaka, una megaciudad que crece sin descanso y que cada vez encuentra mayores dificultades para absorber ese flujo de población. Muchos de los recién llegados terminan instalándose en barrios marginales donde la precariedad laboral y la contaminación son la norma. “Son personas que lo han perdido todo y que se instalan en slums donde el único acceso a trabajo son empleos muy precarios y altamente contaminantes”, afirma el director. “Eso los atrapa en una espiral de pobreza y devastación ambiental”.

Para Leuza, Bangladesh funciona hoy como un aviso de lo que podría ocurrir en otras partes del mundo en las próximas décadas. “Ahora mismo actúa como un faro para otros países”, sostiene. “Lo que pasa en Bangladesh va a pasar en otros lugares”. El cineasta menciona ciudades como Tokio, Estambul o Ámsterdam entre las que podrían verse afectadas por el aumento del nivel del mar. Pero más allá del impacto geográfico, el documental también plantea una reflexión sobre la desigualdad climática. “Estas personas solo aportan una fracción de las emisiones globales y sin embargo sufren las máximas consecuencias”, explica. “Creo que nos enfrentamos a una especie de apartheid climático donde los países ricos podrán pagar para solventar los problemas del calentamiento, mientras el resto de la población tendrá que sufrirlos”.

El proyecto también surge de la colaboración entre sus responsables. Jokin Pascual y su socia, la directora de arte Lucía Benito, conocían el trabajo de Natxo Leuza desde hacía tiempo. “Nos gustó mucho uno de sus cortometrajes y queríamos trabajar con él”, recuerda Pascual. La oportunidad apareció en 2022, cuando produjeron un documental anterior del director centrado en la guerra de Ucrania. Durante ese proceso, Leuza empezó a hablarles de Blackwater. “Cuando vimos el dosier y él nos explicó el proyecto nos encajó a la primera”, explica el productor. “Nos entusiasmó por la temática, pero sobre todo por la mirada que tiene Natxo”. Además, el proyecto ofrecía un espacio donde el equipo podía aportar su experiencia técnica. “Tanto Lucía como yo venimos del mundo técnico. Yo soy director de fotografía y ella es directora de arte, y Blackwater tenía una carga estética muy importante”, señala Pascual. “Eso fue lo que terminó de convencernos”.

El rodaje se desarrolló en dos viajes a Bangladesh. El primero tuvo lugar en 2023 y sirvió para realizar un proceso de exploración, localizar personajes y preparar la película. “Hicimos un primer viaje para hacer scouting y también un casting sobre personajes que Natxo ya había localizado previamente”, explica Pascual. Entre ellos se encontraba Loqui, una de las protagonistas del documental, cuya historia aparece reflejada en vídeos de la ONG BRAC. “Fuimos a buscarla porque sabíamos que su historia era representativa de lo que estaba pasando”, añade. Tras ese primer contacto, el equipo regresó en junio de 2024 para rodar el grueso del documental.

Trabajar en ese entorno supuso enfrentarse a numerosos desafíos. En las zonas rurales, el principal obstáculo eran las mareas que inundaban periódicamente los pueblos. “Había momentos del día en los que el río inundaba la mayor parte del lugar y otras horas en las que lo dejaba todo convertido en un barrizal”, explica Leuza. Estas condiciones hacían extremadamente difícil moverse con el equipo de rodaje. “Preparar las secuencias era complicado porque teníamos que planificar todo muy bien dependiendo de las mareas”. A ese escenario se sumaban otros riesgos naturales. “También existe el problema de las serpientes, cocodrilos o tigres de Bengala que viven en la zona”, cuenta el director. “Nos encontramos con personas que tenían heridas provocadas por tigres o por mordeduras de serpiente”. Aunque el equipo logró evitar incidentes graves, el entorno recordaba constantemente la fragilidad de las condiciones de vida en esa región.

El rodaje en la gran ciudad presentaba otro tipo de dificultades. “Moverse con tanta cantidad de gente es muy complicado”, explica Leuza. La presencia de cámaras despertaba inmediatamente la curiosidad de los habitantes. “Son muy respetuosos y muy amables, pero también muy curiosos. En cuanto sacas la cámara tienes a treinta personas detrás preguntando”. Esto hacía difícil captar momentos espontáneos sin alterar la escena. Además, el equipo tuvo que enfrentarse a las lluvias torrenciales propias del monzón. “El cielo podía estar despejado y de repente aparecer una nube que descargaba una cantidad de agua brutal”, recuerda el director.

Natxo Leuza lleva más de quince años trabajando como cineasta, guionista y montador

Para Jokin Pascual, responsable de la fotografía, uno de los mayores retos fue mantener una coherencia visual a lo largo de todo el documental. Antes del rodaje mantuvo varias conversaciones con Leuza para definir el estilo visual de la película. “Le pregunté si quería separar la zona rural de la ciudad desde el punto de vista visual, pero él tenía claro que no”, explica. El director quería que toda la película compartiera una misma atmósfera. “La palabra que teníamos muy presente era ‘apocalíptica’”, recuerda Pascual. Para lograr esa sensación, decidieron aprovechar los elementos naturales del paisaje, especialmente el cielo. “Las nubes eran nuestro aliado y nuestro enemigo al mismo tiempo”, afirma. Su presencia constante ayudaba a crear la atmósfera dramática que buscaban, pero también obligaba a trabajar con rapidez. “Podías tener una luz perfecta y en cuestión de segundos el cielo se volvía completamente negro y empezaba a llover”. En ocasiones, rodar era como trabajar bajo una cascada de agua. “Había momentos en los que parecía que alguien estuviera echando cubos de agua encima del equipo”, dice el director de fotografía. A pesar de las dificultades, el resultado ha sido satisfactorio. “La cámara respondió increíblemente bien y conseguimos imágenes muy potentes rodando bajo la lluvia”.

La narración de Blackwater se construye a través de varios personajes que representan diferentes formas de enfrentarse a la crisis climática. Uno de ellos es Loqui, una mujer que se ve obligada a abandonar su hogar para intentar encontrar trabajo en la ciudad y ayudar a su familia. Otro es Shakila, una joven activista que dirige un programa de radio y reclama justicia climática para las generaciones futuras. Pero hay un tercer personaje que ocupa un lugar central en la estructura narrativa: Roy. “Es un agricultor que pierde sus cultivos por la salinización del agua”, explica Leuza. Como tantos otros, se ve obligado a abandonar su hogar y trasladarse a la ciudad. Ese cambio transforma profundamente su manera de ver el mundo. “En la segunda parte de la película se convierte en una especie de profeta”, señala el director. Roy comienza a pronunciar discursos en los que advierte sobre el futuro que se avecina, aunque la mayoría de quienes lo escuchan reaccionan con incredulidad. “Encarnaba muy bien la figura de Casandra”, afirma Leuza. “Tiene el poder de ver lo que viene, pero también la maldición de que nadie le crea”.

Con esta historia, Blackwater busca ir más allá del simple retrato documental. Sus autores pretenden invitar al espectador a reflexionar sobre las consecuencias humanas del cambio climático y sobre la responsabilidad colectiva frente a este fenómeno. En palabras de Natxo Leuza, la historia que se muestra en la película no es un problema lejano ni ajeno. “Estas personas están sufriendo las consecuencias de un problema que no han provocado”, afirma. Y concluye con una advertencia que resume el espíritu del documental: “Lo que está pasando ahora en Bangladesh puede suceder mañana en muchos otros lugares del mundo”.

«El arquitecto»: la película que reconstruye la historia del Arco de la Défense

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Stéphane Demoustier, director francés con una trayectoria marcada por el interés en los dilemas morales y la complejidad de sus personajes, presenta «El Arquitecto», su último trabajo cinematográfico que adapta la novela «El Gran Arco de Laurence» Cosé. La película narra la construcción del Arco de la Defensa en París, combinando historia, arte y poder, y refleja la pasión de Demoustier por la arquitectura, que ha sido un hilo conductor en su carrera. «El Arquitecto» ha sido reconocida por la crítica y por la industria, obteniendo ocho nominaciones a los prestigiosos premios César, lo que consolida a Demoustier como uno de los cineastas franceses contemporáneos más destacados. En esta entrevista, el director explica cómo su formación y experiencia previa en arquitectura y cine se entrelazan para crear una narrativa visual potente, mientras reflexiona sobre la relación entre la creación artística, los valores personales y las tensiones que surgen entre ambos.

Stéphane, antes de hablar de El Arquitecto, me gustaría que nos cuentes un poco sobre tus inicios: ¿cómo fue que, viniendo de un bagaje académico en ciencias políticas, terminaste involucrándote en el cine y la producción audiovisual?

Bueno, al principio fue todo cuestión de casualidad. Acabé trabajando en el Ministerio de Cultura, en el departamento de arquitectura, a pesar de haber estudiado ciencias políticas. Allí, principalmente redactaba notas técnicas y administrativas, pero siempre he sido un apasionado del cine. Entonces buscaba la forma de conectar mi trabajo con mi verdadera pasión.

Se me ocurrió aprovechar mi formación en arquitectura: propuse proyectos de documentación y firma de edificios a distintas instituciones. Empecé con uno, luego dos, y acabé firmando muchísimos. Todo esto fue paralelo a mi interés por el cine. Aunque mi objetivo siempre fue dedicarme a la cinematografía, tuve que encontrar un puente entre lo que hacía y lo que quería hacer. Fue ahí donde empecé a trabajar con la luz, la estética, los espacios, y trasladé todo eso también a un plano político. Así fue como comencé a acercarme al cine.

En alguna entrevista has mencionado que ves ciertas similitudes entre la arquitectura y el cine. ¿Podrías explicarnos qué aspectos consideras que comparten estas dos disciplinas?

Bueno, hay varios puntos en común, desde luego, no. Me parece que ambos son, digamos, artes del prototipo del colectivo. Está claro que nunca ni la arquitectura ni el cine se hace solo. Necesitas a todo un colectivo a tu alrededor o de clase o contigo, ¿no? Hay una dimensión también técnico, industrial en ambos, ¿no? Luego está la dicotomía en ambos también, tienes una idea. Pero ¿cómo llevar esa idea a la práctica, a la realidad? ¿Cómo acomodar tu idea antes? digamos, todas las dificultades financieras, materiales, etc. Tienes que inculcar un camino siempre, ¿no? Entonces siempre en estos dos artes, tanto en la arquitectura como en el cine, tienes que encontrar un camino para poder plasmar tu idea en la realidad del mundo.

«El arquitecto», la nueva película de Stéphane Demoustier , ha obtenido dos galardones en la 51ª edición de los Premios César

Hablando de El Arquitecto, la película está basada en la construcción del Arco de la Defensa y en la novela El Gran Arco de Laurence Cossé, además de inspirarse en el trabajo del arquitecto, Johan Otto von Spreckelsen. ¿Dirías que tu amor por la arquitectura fue lo que te impulsó a llevar esta historia al cine?

Bueno, desde luego. O sea, por eso mismo leí la novela. En ningún momento pensaba en adaptarla cuando la compré para leerla, ¿sabes? La leí por mi interés, por interés personal, ¿no? Además cuando la leí, pensé que era una novela totalmente inadaptable. ¿Por qué? Pues porque ocurría eran los años 80 de época. Y luego poner en digamos, a pasar en el cine esta obra, esa construcción, también suponía muchas dificultades, ¿no? Pero luego con el tiempo me di cuenta de que lo bueno es que la novela ofrecía, digamos, la culpa de entrada, o sea siempre hay que en el cine si quieres contar una historia, debes tener a un personaje algo que te permite o sea construir esa historia. Y eso es lo que hace exactamente Johan ¿no? Me permitió encarnar la historia, poco a poco descubrir que ofrecía un hilo narrativo gracias a su personaje Entonces, además, me permitió encarnar la historia y explorar cuestiones que me interesaban profundamente, combinando mi pasión por la arquitectura con el cine.

Me gustaría destacar que la película me pareció fascinante, porque muestra un monumento icónico de París, pero también explora una tensión entre el arte y el poder, un tema que aparece en otras de tus obras, como en «La chica del brazalete» o «Borgo» ¿Cómo logras equilibrar la dimensión histórica con estos dilemas morales?

A ver, te reconozco que yo cuando hago una película no me doy cuenta de los puntos de lo que puede tener en común con los precedentes. ¿no? O sea, no lo veo, sinceramente, ¿no? Pero sí que puedo decir es que me gusta, o sea, que mi idea, mi objetivo, cuando hago una película son personajes complejos, ¿no? Y ver que todos no es que tengan razón, pero tienen una razón por hacer lo que hacen. Lo hacen por algo. No por eso tienen razón.  Despertar también que los debates morales me apasionan. Y eso es lo que quiero usar en el cine. ¿Cómo puede uno seguir adelante con sus valores, con los valores que uno tiene, no? Porque claro, muchas veces, o sea, nuestros valores, o sea podemos tener sentimientos contradictorios totalmente, no creer en algo y sin embargo, ellos por otro camino, esa tensión la que quiero mostrar, ¿no? en las películas. Mi intención es reflejar sentimientos complejos y contradictorios que todos tenemos, sin imponer juicios morales, para que la audiencia pueda identificarse con los dilemas de los personajes.

«El testamento de Ann Lee»: la música como motor de revolución espiritual

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© 2025 Searchlight Pictures All Rights Reserved.

Las secuencias musicales de «El testamento de Ann Lee» (2025) están profundamente atravesadas por un misticismo desbordado. Mona Fastvold (The Brutalist, El mundo que viene) construye un musical inquietante y profundamente sensorial, donde sonido y música se convierten en los vehículos principales de la experiencia espiritual. Los cánticos y rituales se expanden escena tras escena, generando una atmósfera cada vez más perturbadora que envuelve al espectador en la intensidad casi hipnótica de las ceremonias.

Contexto histórico

La película se sitúa en el siglo XVIII, en el nacimiento del movimiento religioso de los Shakers, surgido en Inglaterra antes de consolidarse en Nueva Inglaterra, en los actuales Estados Unidos. El filme explora cómo este movimiento —a medio camino entre comunidad espiritual y secta— nace de la represión del deseo carnal, pero también de la fe, el dolor y la culpa. La espiritualidad de los Shakers aparece como una forma de canalizar esas tensiones a través del cuerpo.

La nueva Mesías

En el centro del relato aparece Amanda Seyfried dando vida a Ann Lee, figura clave en el origen del movimiento de los Shakers. La actriz, conocida por trabajos como Mamma Mia! (2008) o Les Misérables (2012), se aleja de registros más ligeros para construir un personaje dominado por la intensidad espiritual y el peso del sufrimiento. La película recorre algunos de los episodios que marcaron su vida —la pérdida de sus hijos, la persecución social o su reclusión— para componer el retrato de una mujer cuya fe se fortalece precisamente en medio de la adversidad.

© 2025 Searchlight Pictures All Rights Reserved.

Más allá de ser una líder religiosa, Ann Lee es presentada como la Jesús femenina destinada a aparecer, completando así la dualidad de lo sagrado. Como se dice en la película, “Dios es hombre y mujer a la vez”, y Ann representa la aparición de la divinidad femenina que estaba destinada a surgir para guiar y transformar a sus seguidores.

Los rituales de la comunidad funcionan como el corazón físico de la película. A través de cánticos repetitivos y movimientos colectivos que rozan el trance, los creyentes buscan purificar sus pecados y desprenderse del deseo terrenal, abrazando el celibato como forma de redención. En ese contexto emerge el conflicto con su marido Abraham, interpretado por Christopher Abbott, cuya presencia introduce una tensión constante entre espiritualidad y deseo. Su personaje encarna la resistencia a esa renuncia absoluta del cuerpo, transformando el matrimonio en un espacio de fricción donde fe, pasión y resentimiento chocan de manera inevitable.

Detrás de cámaras

Esta película fue rodada en 70 mm y concebida para su proyección en formato analógico. Esa textura visual, ligeramente áspera y muy física, puede resultar desconcertante en los primeros compases, pero termina encajando con el universo espiritual que propone la película.

Fastvold enfatiza la dimensión corporal mediante coreografías cuidadosamente construidas: los planos de los rituales suelen ser circulares, insistiendo en movimientos de redención que evocan un orden cósmico, como si el cuerpo humano girara dentro de un mundo igualmente circular y el movimiento de los creyentes sostuviera el planeta bajo la mirada de Dios. Esa misma atención al cuerpo se extiende a la maternidad de Ann —partos, lactancia y su vulnerabilidad física—, filmada con una crudeza casi observacional poco habitual en el cine histórico. En contraste, los rituales de los Shakers irradian una energía completamente distinta: el montaje, la música y el movimiento colectivo transforman las ceremonias en auténticos estallidos coreográficos, donde la espiritualidad se manifiesta a través del ritmo y el trance.

En conclusión

El resultado es una obra que no intenta acomodarse al espectador. Fastvold apuesta por un biopic que rehúye la narrativa convencional y se acerca más a la experiencia sensorial que al relato biográfico tradicional. No es una película diseñada para agradar a todo el mundo, pero sí una propuesta de gran personalidad cinematográfica: intensa, incómoda y profundamente singular.

La serie limitada original de HBO y BBC «Half Man» se estrena este mes de abril

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La nueva serie de Richard Gadd llega en abril

HBO y la BBC han anunciado «Half Man», una serie limitada original de seis episodios del creador y productor ejecutivo ganador de un Emmy® Richard Gadd («Mi reno de peluche»), que se estrenará este mes de abril en HBO Max.

Niall y Ruben son hermanos. No están emparentados por sangre, pero son lo más parecido a ello. Uno es feroz y leal. El otro, dócil y afable. Una juventud inseparable. Unidos por la muerte y las circunstancias, lo único que tienen es el uno al otro… Pero cuando Ruben aparece en la boda de Niall tres décadas después, todo parece diferente. Está nervioso. Inquieto. No actúa como él mismo. Y pronto se produce una explosión de violencia que nos catapulta de vuelta a sus vidas, desde los años ochenta hasta la actualidad. Half Man, que captura 30 años de la vida de estos hombres destrozados, es una serie limitada de seis episodios que explora la hermandad, la violencia y la intensa fragilidad de las relaciones masculinas. Al fin y al cabo, cuando las cosas se desmoronan… a veces son las relaciones más cercanas las que más duelen.

En el reparto de Half Man encontramos a Richard Gadd, Jamie Bell, Stuart Campbell, Mitchell Robertson, Neve McIntosh, Marianne McIvor, Charlie De Melo, Bilal Hasna, Julie Cullen, Amy Manson, Anjli Mohindra, Tim Downie, Tom Andrews, Philippine Velge, Stuart McQuarrie, Sandy Batchelor, Piers Ewart, Scot Greenan y los recién llegados Charlotte Blackwood, Calum Manchip y Kate Robson-Stuart.

Half Man es una creación, guion y producción ejecutiva de Richard Gadd. Sophie Gardiner y Anna O’Malley son las productoras ejecutivas, junto con Gaynor Holmes para la BBC y Gavin Smith para la BBC Escocia. La serie está dirigida por Alexandra Brodski y Eshref Reybrouck. Los productores ejecutivos de Mam Tor Productions son Tally Garner y Morven Reid. HALF MAN está producida por Mam Tor Productions (una empresa de Banijay UK) en asociación con Thistledown Pictures, para BBC iPlayer, BBC One, BBC Scotland y HBO. Banijay Rights se encarga de la distribución internacional fuera de los derechos de BBC y HBO. Half Man cuenta con el apoyo de Screen Scotland.

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«Yo siempre a veces», nueva serie original de Movistar Plus+, ya tiene fecha de estreno

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"Yo siempre a veces" es una serie original Movistar Plus+ en colaboración con Suma Content

«Yo siempre a veces», la serie original Movistar Plus+ creada por Marta Bassols y Marta Loza y producida en colaboración con Suma Content por Javier Calvo y Javier Ambrossi, llegará completa (seis episodios) a la plataforma el 23 de abril.

La ficción, dirigida por Claudia Costafreda, Ginesta Guindal y Marta Loza, cuenta la historia de una madre soltera por accidente que tiene dificultades para salir adelante en Barcelona. El rodaje ha tenido lugar en diversas localizaciones de Barcelona y de Berlín.

Yo siempre a veces es un retrato generacional honesto y realista sobre las dificultades para madurar en la treintena, atravesado por la precariedad y las expectativas. Una comedia dramática sin tapujos, una serie que desmitifica la familia y la pareja perfectas como respuesta a las expectativas de una generación.

Sinopsis

Laura (Ana Boga) se quedó embarazada una semana después de conocer a Rubén (David Menéndez), estando muy ciega de amor y de droga. Seis meses después de que naciera su hijo, Mario, ya se estaban separando y no precisamente de buen rollo. Un libro expedido en el registro civil dice que son una familia; sin embargo, Laura se hace cargo casi sola del niño. Lo hace con amor inmenso, fe, chispa y alegría, aunque a veces no tenga más ideas o herramientas para hacerse cargo de sí misma.

Reparto

Protagonizada por Ana Boga y David Menéndez (Antidisturbios, Creatura). Con Marta Bassols (La Mesías, Mamántula), Paco Tous (Los hombres de Paco, La casa de papel), Belén Ponce de León (La chica de la nieve, Días mejores), María de Medeiros (Pulp Fiction, Capitanes de abril) y Diane Guerrero (Orange Is The New Black, Jane The Virgin). Además, cuenta con Neus Asensi, (Superestar, Padre no hay más que uno 5), Juani Ruiz (Cardo, Veneno) y Jordi Vilches (Veneno, Krámpack).

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OneToro ofrecerá ocho corridas en directo de la Feria de Abril 2026

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La plataforma OneToro ofrecerá en directo ocho festejos de la próxima Feria de Abril de Sevilla, desde la Real Maestranza de Caballería, una de las citas más importantes y esperadas del calendario taurino mundial

La plataforma OneToro ofrecerá en directo ocho festejos de la próxima Feria de Abril de Sevilla, desde la Real Maestranza de Caballería, una de las citas más importantes y esperadas del calendario taurino mundial.

Tras cerrar las negociaciones con Lances de Futuro, OneToro puede anunciar oficialmente que retransmitirá en directo los festejos de los días 11, 12, 14, 15 y 16 de abril, así como 21, 22 y 23 de abril.

Para esta ocasión, OneToro desplegará el gran equipo humano y técnico que caracteriza sus retransmisiones, con un amplio dispositivo audiovisual, múltiples cámaras, realización de primer nivel y una cobertura integral pensada para acercar al espectador toda la emoción de lo que sucede en el ruedo y en el ambiente de la plaza. Un esfuerzo que refleja la apuesta de la plataforma por ofrecer la mejor experiencia televisiva posible para el aficionado.

Con este acuerdo, OneToro continúa consolidando su crecimiento y refuerza su compromiso de llevar los toros a todo el mundo bajo el lema de este año

La Televisión de los toros

Estos festejos se suman a los ya anunciados en la programación del canal para este año, entre los que destacan citas en Castellón, Valencia, Arles o Villaseca de la Sagra. Además de otras citas de gran interés que se irán confirmando en las próximas semanas.

Asimismo, OneToro no descarta ampliar el número de retransmisiones desde Sevilla si las circunstancias lo permiten. Por el momento, estos ocho festejos constituyen los compromisos ya confirmados para la Feria de Abril, una noticia que refuerza la presencia de la plataforma en una de las plazas más emblemáticas del mundo del toro y que permitirá a decenas de miles de aficionados vivir Sevilla en directo, con toda la emoción y el sello de calidad de OneToro.

Festejos que emitirá OneToro de la Feria de Abril de Sevilla 2026

• 11 de abril – Toros de Alcurrucén para Pepe Moral, Lama de Góngora y Fabio Jiménez
• 12 de abril – Toros de Fuente Ymbro para Álvaro Lorenzo, Rafael Serna y Molina
• 14 de abril – Novillos de Talavante para Emiliano Osornio, Tomás Bastos y Julio Norte
• 15 de abril – Toros de Santiago Domecq para Miguel Ángel Perera, David Galván y Aarón Palacio
• 16 de abril – Toros de Álvaro Núñez para Morante de la Puebla, Juan Ortega y Víctor Hernández
• 21 de abril – Toros de Núñez del Cuvillo para. José María Manzanares, Alejandro Talavante y Daniel Luque
• 22 de abril – Toros de El Parralejo para Diego Urdiales, Emilio de Justo y David de Miranda
• 23 de abril – Toros de Victoriano del Río para José María Manzanares, Roca Rey y Javier Zulueta

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«Recuerdo tu nombre» premio especial del Jurado y Público en el Festival de Cine de Málaga

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«Recuerdo tu nombre», el nuevo trabajo documental de Silva Venegas, fue premiado ayer por partida doble en el Festival de Málaga donde participaba y tuvo su estreno mundial. Dentro de la sección Afirmando los Derechos de las Mujeres el documental se hizo con el Premio Especial del Jurado y con el Premio del Público.

«Para mí es un honor que el Festival de Málaga nos haya concedido el Premio Especial del Jurado y el Premio del Público de la Sección Afirmando los Derechos de las Mujeres a “Recuerdo tu nombre”. Estos premios son un reconocimiento a las mujeres valientes protagonistas de esta película como son la arqueóloga Laura Muñoz, Rafaela que estuvo más de 80 años buscando a su madre y las investigadoras que buscan pruebas para denunciar la violencia que sufren las mujeres en las guerras de hoy. Y por supuesto, esto es para Antonia, Josefa y Matilde, y para sus familias. Mujeres reales, extremeñas, que fueron asesinadas y desaparecidas en la Guerra Civil Española por defender su libertad y su dignidad. Gracias al Festival por ayudarnos a que, en momentos oscuros como los que estamos viviendo, siempre se recuerde su luz». estas son las palabras de agradecimiento de Silvia Venegas.

Recuerdo tu nombre dialoga con sus películas anteriores como Herederas, nominada al Premio Goya Mejor Cortometraje Documental en 2024, Nuestra vida como niños refugiados en Europa, ganadora del Premio Goya como Mejor Cortometraje Documental en 2020 y Boxing for freedom, seleccionada a Mejor Documental en los Premios de la Academia de Cine Europeo.

Sinopsis

La arqueóloga Laura Muñoz lucha contra el tiempo y el olvido para descubrir la verdad oculta en las fosas comunes de la Guerra Civil española. Sus manos descubren las historias de mujeres asesinadas y desaparecidas por ser libres, por ser valientes y por ser mujeres. Una investigación que revela cómo el cuerpo femenino ha sido históricamente un campo de batalla y cómo el silencio aún pesa sobre esa violencia en las guerras del presente.

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El Festival de Málaga entrega la Biznaga de Honor a Mariano Cohn y Gastón Duprat

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El Festival de Málaga, organizado por el Ayuntamiento de Málaga a través de Málaga Procultura, ha entregado la Biznaga de Honor a los cineastas y guionistas argentinos Mariano Cohn y Gastón Duprat en un acto celebrado en el Teatro Echegaray, donde el certamen ha querido reconocer la trayectoria de uno de los dúos creativos más influyentes del audiovisual contemporáneo. La gala ha contado con la presencia de los directores homenajeados, del actor Antonio Banderas y del director del Festival de Málaga, Juan Antonio Vigar.

Con motivo del reconocimiento, el festival ha organizado una retrospectiva dedicada a su obra que ha incluido cuatro de sus largometrajes más representativos: El hombre de al ladoEl ciudadano ilustreCompetencia oficial y Homo Argentum. Tras el acto de homenaje se ha proyectado Competencia oficial, película protagonizada por Antonio Banderas, Penélope Cruz y Óscar Martínez.

Durante la apertura del acto, Juan Antonio Vigar ha explicado que el festival llevaba tiempo queriendo contar de nuevo con la presencia de los cineastas argentinos, que ya visitaron Málaga hace más de dos décadas. «Hace mucho tiempo que teníamos la ilusión de que pudieran estar aquí en Málaga por segunda vez», ha señalado el director del certamen, quien ha subrayado que su regreso ha permitido «cerrar un poco un círculo temporal».

Vigar ha destacado además la importancia de su filmografía y ha explicado que el festival ha querido aprovechar su visita para ofrecer una muestra representativa de su trabajo. «Tenéis un conjunto de películas magníficas y hemos programado cuatro títulos que representan muy bien vuestro universo cinematográfico», ha afirmado el director del certamen.

Mariano Cohn y Gastón Duprat llevan trabajando como dúo creativo desde finales de los años noventa y se han convertido en referentes del audiovisual argentino contemporáneo gracias a un estilo caracterizado por la sátira, la provocación y una mirada crítica sobre el arte, el poder y las contradicciones sociales. Sus obras se distinguen por un humor ácido que funciona como herramienta narrativa para retratar la condición humana.

Durante el encuentro con el público, los directores han recordado el impacto que provocó su último trabajo, Homo Argentum, una película construida a partir de dieciséis historias breves que reflexionan sobre la identidad argentina. Duprat ha explicado que el filme ha generado una fuerte reacción social en su país. «Lo lindo fue que la película salió de la sala de cine y la gente la empezó a discutir en las casas y en las calles. Para nosotros es espectacular que una película genere ese impacto», ha señalado.

El director ha relatado además que la recepción fue intensa y polarizada. «Hubo mucho debate, muy encarnizado, a favor y en contra. Incluso una agrupación política pidió que nos quiten la nacionalidad por la película», ha recordado entre risas, destacando que esa controversia forma parte del diálogo que sus obras buscan provocar.

Por su parte, Mariano Cohn ha reflexionado sobre la evolución de su carrera y ha señalado que El ciudadano ilustre, premiada con la Copa Volpi en el Festival de Venecia, supuso un punto de inflexión en su trayectoria. «Creo que fue la película con un guion más sólido y estable, pero conservando esa posición nuestra con el público. Es una de esas películas que interpelan y que obligan a tomar posición», ha explicado.

Los directores también han recordado el estrecho vínculo que sus películas han mantenido con España, ya que muchas de ellas se han desarrollado como coproducciones con el país. «Todas estas películas que estamos nombrando tienen coproducción con España, por eso sentimos que también son un poco españolas», ha señalado Cohn.

Uno de los momentos centrales del acto ha sido la conversación sobre Competencia oficial, la película que se ha proyectado tras el homenaje. Mariano Cohn ha recordado que el proyecto nació a partir de una conversación con Penélope Cruz y Javier Bardem, en la que surgió la idea de convocar también a Antonio Banderas antes incluso de que existiera un guion.

«Hicimos una reunión con Antonio y con Penélope en Londres con la hoja vacía. Queríamos divertirnos y hacer una película sobre la creación actoral y el mundo del cine», ha explicado el director, quien ha recordado que el rodaje se planteó como una especie de «match de actuación en vivo», en el que los intérpretes podían desplegar su trabajo de forma continua.

Duprat ha añadido que el rodaje se vio interrumpido por la pandemia en 2020, lo que obligó a detener la producción durante varios meses. Sin embargo, esa pausa inesperada acabó teniendo un efecto positivo en el proceso creativo. «Ese parate obligado nos permitió estudiar lo que habíamos rodado y entender mejor la película para hacer la segunda parte con más fuerza», ha señalado.

Antonio Banderas, que ha sido el encargado de entregar la Biznaga de Honor a los directores, ha recordado con humor algunas de las claves del filme. «Si habéis visto Competencia oficial ya sabéis lo que hacemos con los premios», ha bromeado, en referencia a una de las escenas más recordadas de la película.

El actor malagueño ha destacado además el placer que supuso trabajar con el dúo argentino. «Para mí fue un placer rodar con ellos. Muchas de las cosas que vais a ver en la película son reales: los manierismos de los actores, las competencias que se dan en los rodajes y la excentricidad del mundo del cine», ha afirmado.

Banderas ha subrayado que el cine de Cohn y Duprat destaca por su mirada crítica y satírica sobre el comportamiento humano. «En sus películas hay una radiografía extraordinaria del ser humano y de sus estupideces, especialmente dentro del mundo del arte y del cine», ha señalado antes de entregarles el galardón.

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«La Sombra del Nogal»: cocina, territorio y memoria rural en el Festival de Málaga

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El director Manuel Garcia Gil y el chef Toño Rodriguez

El documental «La Sombra del Nogal» se presenta en el Festival de Málaga dentro de la sección Cinema Cocina. La película sigue la historia del chef Toño y su restaurante La Era, en un pequeño pueblo del Alto Aragón, y reflexiona sobre la relación entre gastronomía, territorio y despoblación rural. En esta entrevista, el director Manuel y el propio cocinero hablan sobre el origen del proyecto y lo que supone llevar esta historia al certamen malagueño.

Manuel, Toño estáis en el Festival de Málaga porque presentáis el documental «La Sombra del Nogal» dentro de la sección Cinema Cocina ¿Emociones, sensaciones de estar en Málaga?

M- Para mí estar en Málaga ya es un desborde de emociones total. Esta semana he tenido todas las emociones posibles, desde muchísima alegría a muchísimo miedo. Es un subir y bajar todo el rato porque cuando lo hablábamos al principio, éramos ambiciosos y queríamos poder llegar a algún sitio, pero claro, no sé si éramos muy realistas al decir, vamos a ir a Málaga con todo lo que supone ir a Málaga, con todo el empaque que tiene Málaga, con todas las alfombras rojas, con todo lo que sabemos. Fue como, uff, ¿aquí somos nosotros? Nosotros somos de un pueblo muy pequeñito, muy pequeño.

Equilibrar todas esas sensaciones de decir, estoy súper contento, pero no sé si estoy en el sitio, ¿va a salir bien? Todas esas cosas nos han pasado un poco, al menos.

T- Bueno, a mí la verdad es que yo aún no me he dado cuenta, yo aún no lo he visto, la gente no se lo cree. A mí no me deja verlo, yo prefiero verlo y tengo muchas ganas y mucha inquietud de verlo esta tarde. Para mí ya fue un sueño que Manu pensara en nosotros, en el territorio para hacerlo. Y aquí encima, ponerlo aquí y estrenarlo en un sitio como el Festival de Málaga, pues hombre, es una cosa que cuesta asimilar.

¿Cuál es la importancia del nogal? ¿Qué significa para vosotros?

T- Bueno, al final es lo que gira en torno a ello. Al final, yo siempre he tenido una relación con el nogal, porque al final yo recuerdo desde mi infancia con mi padre ir a coger nueces, de ir a “robarlas”, a pelarlas, a comerlas y luego empezar a cocinarlas.

Luego aparece en un sitio donde está ahora mismo La Era, que yo venía de otro proyecto donde era jefe de cocina y a mí me lo propusieron para ir ahí. O sea, llegas ahí y hay todo barro, una casa de pueblo y dos nogales ahí despampanantes, que es como rizar el rizo. Y luego ya viene… Es decir, ahora en La Era todo gira en torno a las nueces, claro está.

O sea, la parte que hay ya, todo gira en torno a ello. Y luego ya viene Manu y dice que va a hacer un documental sobre nosotros, sobre La Era, que lo va a llamar La Sombra del Nogal. Muchas cosas pasan ahí debajo de ese nogal.

Nosotros estamos en un pueblo muy pequeño, donde hay mucha calma, pero también hay mucho ajetreo. Ahí debajo de ese nogal, para que veas, muchas veces yo saco… Cuando yo tengo que empezar el menú nuevo, decisiones importantes, yo me saco una mesa, una silla, me la pongo debajo del nogal, en días que estoy cerrado, que solo estoy yo y solo escucho a los pajaricos y tal. Y eso es una maravilla. Al final, es como quiero que se haga todo.

Desde el punto de vista de la dirección Manuel ¿tenías desde un primer momento pensado hacer algo relacionado con la cocina? ¿Tuviste otras ideas a la hora de decir, u otra forma de hacer el documental o fue siempre «La Sombra del Nogal»?

M- Yo, al principio, la primera idea que tuve fue, quiero hacer una historia sobre el territorio y sobre la despoblación. Y quería, porque estamos de la misma zona, somos de pueblos que son vecinos, y quería tener un motivo para contar esa historia a través de alguien, que me hiciera ver que fuera como alguien que está luchando contra la despoblación, que está asentando población, un ejemplo que se pueda seguir.

Entonces, cuando a Toño le dieron un premio, en el 2023, al mejor restaurante de Aragón, dije, ostras, la historia de Toño es muy buena para poder contar que persiguiendo tus sueños desde estos pequeños pueblos, puedes llegar a conseguir ambicionar una historia Michelin. Y esa lucha contra la despoblación, con ese sueño, porque su restaurante está en un pueblito pequeñito, me daba mucho juego para poder contar toda la historia del territorio, y además una historia de cocina, donde hay innovación, donde hay técnica, donde hay ambición, donde hay tensión, y poder hacer que las dos conjuguen muy bien.

Es cierto que poner un restaurante en un pueblo pequeño y alejado de la población puede parecer un decisión arriesgada, ¿cómo se consigue atraer a la gente?

T- Al final La Era nace de una necesidad por salvar el pellejo y por salvar la empresa. Nació justo en junio del 20, que salíamos de la pandemia, salíamos justo de la pandemia, somos un catering, que este año hacemos ya 13 años, y claro, al final un catering que vive de que la gente se junte, de que la gente haga colectividades, el ingreso era cero, y claro, nosotros hicimos muchas historias.

Una fue una línea de postres, una línea de cuidar a los perros, y otra línea fue esa, convertir el restaurante y abrimos en junio, fue una manera de meter dinero, porque nosotros tenemos una terraza que no te cruzas con nadie, estás en el libre perfecta, pero luego llegó otra ola octubre, noviembre, y ya nos cerraron otra vez la hostelería, y abrimos abril, mayo, y ahí dijimos, ya entró más gente, entró Cristian en un segundo y dijimos, esto es un sitio para ir a por una estrella, vamos a una estrella, a por ella, ¿qué hace falta?

Nosotros lo que utilizamos son los concursos a nivel nacional, a modo de altavoz, porque por la puerta, nosotros somos un pueblo que tiene veinticinco habitantes, cinco kilómetros más adelante hay otro pueblo que tiene menos de veinticinco, y ya se acaba la carretera, ya, si tienes una bici montaña o una moto, lo que quieras. Claro, nosotros utilizamos ese modo de altavoz, aparte que ya llevábamos años trabajando duro y haciendo ruido a nivel nacional, y nosotros llevábamos como tres años que llenábamos el restaurante todos los días, incluso antes de la estrella, llevábamos años y medio, dos, que llenábamos todos los días, y ahí es donde estamos.

Al final, lo que dices, se convierte en un sitio de peregrinaje, por el buen hacer, por el sitio que está acristalado, que se ven todas las montañas, por el trato del personal, porque hacemos cosas totalmente diferentes, porque nos aprovechamos del producto local, de los artesanos locales, de las recetas del vecino, tiramos todo eso y al final hemos conseguido lo que parecía una locura, y al final montar un restaurante gastronómico donde estamos es una locura, ahora es una realidad. Y encima ya, en la gran pantalla, ya ni te cuento. Ni te cuento.

«La Sombra del Nogal» no solo es un documental que muestra lo que puede ser la vida o el esfuerzo de un gran cocinero como Toño, sino también de otros temas como la despoblación, la conexión con la naturaleza y el entorno y esa ambición que no controlada puede alejarte de tus seres queridos ¿cómo habéis estructurado todos los temas para que sirvieran de apoyo a la narrativa central, y que no fuera solo un documental sobre cocina?

M- Como antes habías dicho en la pregunta de Toño, mostrar la ambición, para mostrarla bien, tienes que estar mucho tiempo con él. Tienes que ver cómo va evolucionando todo, porque nosotros sí que queríamos ver toda esa evolución de su ambición hacia la estrella. Entonces teníamos que estar mucho tiempo. Pero claro, dentro del restaurante las cosas no cambian mucho. Puede cambiar un poco la decoración, pero en las cocinas es lo mismo.

Entonces necesitamos salir de la cocina. Al salir de la cocina tienes que introducir personajes nuevos. Tienes que hablar con su familia, tienes que hablar con los vecinos, tienes que centrarte un poco en las vidas también de las personas que comparten el restaurante con Toño. Con ellos vas construyendo toda esa historia y la propia vida de cada persona te va sacando un poco de la cocina. Por ejemplo, con Cristian, vimos que él era el elemento madera que aportaba al restaurante. Entonces, a través de su padre, que le hacía las cosas de cocina, ese era el elemento madera que tiene mucho peso en el restaurante.

Toño es el elemento de agua, porque le gusta mucho el río, por el pescado, por todo. Entonces, a través de su padre, es el que le metió la idea de pescar de pequeño y todo eso va apareciendo por ejemplo. El padre de Armando, que es el socio de Toño, es el elemento de piedra, es el que restauró el restaurante con sus manos, es el que hizo que esas cuadras fueran una casa, que no se le cayera, es el que volvió a plantar los nogales cuando se murieron los olmos. Entonces, al final, la idea que tenía era vamos a contar toda la naturaleza, la naturaleza es piedra, es agua, es madera, y tenemos unos elementos que son unas personas que nos las van a vehicular.

Entonces, a través de ellos, vamos a poder contar mejor toda su historia y todas sus historias, como pequeños referentes que son caras y son personas a las que tú como espectador te puedes enganchar.

¿La cocina sería el elemento fuego, no?

M- Claro, el fuego está todo el rato, ese es el elemento fuego. No hay una persona que lo viva porque la propia cocina ya es un personaje más, claro, ya es el personaje más que esos cuatro personajes pues son los que la ambición, todo lo que tiene Toño, el espacio imaginario, ese negro que tiene, esa es como el deseo, como las ganas de perdida.

T- A mí se me ve venir desde lejos. Te lo digo, para lo bueno y para lo malo, se me ve venir desde lejos. Yo en todas las entrevistas que hago, al final siempre soy así. Con mi gente y con mis amigos siempre he sido así. Yo no suelo esconder nada. Lo que se pueda ver ahí, pues… Tampoco tengo vida social. O sea, mi vida social es mi restaurante y mi familia.

Yo estoy feliz así. Entonces, estoy seguro que hay amigos que yo con los que no he hablado de todas estas cosas que lo verán y se sorprenderán. O sea, yo cuando lo vea, porque no me acuerdo yo qué dije. Pero mucha gente que se dará cuenta de que, claro, yo digo que La Era es muy bonita ahora, está ya muy redondeada, muy enfocada, pero siempre ha sido así. Llegar a lo que estamos ahora requiere un sacrificio personal, a nivel de familia, a nivel de salud, a nivel de todo, requiere un sacrificio. Estoy seguro que aquí, con todas las formas que hemos pasado, se darán cuenta de que no abrimos latas y echamos hasta luego. Hay un trabajo y un sacrificio detrás. Al final, el documental va de eso, de la despoblación de todas las cosas buenas que puede tener estar en un sitio pequeño, pero también de todos los inconvenientes que te vienen en el día a día.

«La Sombra del Nogal» sigue las huellas que ha trazado la memoria colectiva y cristalizan en la filosofía del restaurante La Era de los Nogales

Durante el documental aparece un lugar dentro del restaurante que parece hacer de refugio para desconectar ¿cuál es para vosotros ese refugio?

T- Si no es con mi familia, es con la naturaleza. Si no, no quedo ni con mis amigos. Por aquí me tienen ya abandonado, casi borrado de WhatsApp, jaja. Pero yo utilizo la naturaleza a modo de refugio y desconexión. Si puedo ir a un sitio que no haya cobertura, todavía mejor. Me cojo mi cañica, mi bocadillo, me voy a pescar, me cojo la cesta y voy a por setas, me siento debajo del nogal justo el día en que el restaurante está cerrado. Me gusta el cafelito de por la mañana. Cuando llego pronto, no hay nadie, me lo tomo ahí en la calle. Ese refugio para mí no tiene precio. Con un ratito así, luego vuelvo y no me aguanto en el trabajo porque vuelvo nuevo.

M- Uno de mis refugios es uno de los pueblos que fuimos a grabar también allí. Es un pueblo abandonado, mi familia ya no vive ahí hace muchos años, pero yo lo mantengo. Yo mantengo todos los árboles, mantengo muros, todo lo que se puede mantener, lo mantengo yo. Ese es mi refugio. Yo ahí desconecto totalmente. Y el otro es el bosque de los árboles que tienen los tombos tan grandes. Ese es mi sitio. Ese es mi sitio especial. Esa zona de un robledal que es centenario con algún árbol que puede llegar a tener casi mil años.

Yo salir a pasear por allí y perderme en ese bosque de hadas que todo el mundo que lo ve dice pues esto es un bosque de hadas, es donde tú puedes… Eso es para mí, donde yo conecto conmigo mismo, donde dejo que todo se vaya afuera y donde desconecto del tiempo. Yo puedo estar en este bosque pasando, me lo conozco entero, de arriba a abajo, izquierda a derecha. Eso es el mío.

La cocina como todo ha evolucionado, en cuanto a los alimentos y las técnicas de cocina pero ¿cuál es ese plato que os lleva a la infancia?

T- Al final mi plato preferido al que me trae el mejor recuerdo es el que me sigue trayendo son los patatas a la importancia de mi madre. Siempre. Eso sí. De hecho, yo creo que durante ese película del documental estaban en el… Yo creo que sí, sí porque me acuerdo que se los comió Capel y estaba. E hicimos una versión de las patatas a la importancia, y lo pusimos en el documental porque yo recuerdo que cuando vino el crítico más importante que bueno, cuando vino Capel él se las comió y estuvieron debatiendo de dónde provenían.

M- Yo con ese plato he de decir que mi madre también me las hacía cuando era pequeño y no sabía que eran así ni ella lo sabía ella era una receta que hacía porque se la hacía a su abuela y en mi casa siempre se habían comido y era como es que mi madre hace unas patatas que es que no tienen nada que ver y eran las patatas que se comían muy de allí.

Pero para mí los sabores más que de la cocina es de los productos por ejemplo los nogales que tú decías yo tengo muchos nogales un nogal es un árbol que en el Alto Aragón se ha utilizado para hacer lindes porque es mi parcela con tu parcela en la mitad ponemos un nogal así como dura 200 años no tenemos que decir un métrico más para aquí un métrico más para aquí donde está el nogal es el limbo entonces hace que yo en mi pueblo tenga no sé 20 nogales enormes y yo recojo las nueces y yo las reparto y mucha gente me dice es que esa nuez que he probado no la he probado en ningún sitio o productos que mi abuelo plantaba que de repente me ha dado a mí por plantar en el huerto.

Cuando la gente vea el documental ¿qué reflexión os gustaría que se llevasen de «La Sombra del Nogal»?

M- La mía es estar conectado con el entorno y con las personas que te rodean ¿sabes? la importancia de todos los elementos desde los mayores las historias que tienen si alguien sale de aquí y dice y el próximo vez que vaya a un restaurante luego cuando salga del restaurante vea un caserío que hay una señora mayor con un bastón y digas que seguro que hacen algún plato que la señora podría hacer es que seguramente hayan cogido buena idea que conecte con todo y que le den valor a todo lo que está alrededor de los sitios o sea para mí sería para mí sería la reflexión.

T- Yo hablo desde el desconocimiento porque no lo he visto, pero para mí sería, si alguien se quiere llevar una reflexión es que si tiene un sueño que lo anhela, que lo desea, que lo sufre y pelea por ello lo que lo puede conseguir desde cualquier punto, no hace falta que esté en un lugar grande con todas las posibilidades necesidades y con todo al alcance de la mano que lo puedes conseguir desde un sitio pequeñito.