El Festival de Málaga, organizado por el Ayuntamiento de Málaga a través de Málaga Procultura, ha entregado la Biznaga de Honor a los cineastas y guionistas argentinos Mariano Cohn y Gastón Duprat en un acto celebrado en el Teatro Echegaray, donde el certamen ha querido reconocer la trayectoria de uno de los dúos creativos más influyentes del audiovisual contemporáneo. La gala ha contado con la presencia de los directores homenajeados, del actor Antonio Banderas y del director del Festival de Málaga, Juan Antonio Vigar.
Con motivo del reconocimiento, el festival ha organizado una retrospectiva dedicada a su obra que ha incluido cuatro de sus largometrajes más representativos: El hombre de al lado, El ciudadano ilustre, Competencia oficial y Homo Argentum. Tras el acto de homenaje se ha proyectado Competencia oficial, película protagonizada por Antonio Banderas, Penélope Cruz y Óscar Martínez.
Durante la apertura del acto, Juan Antonio Vigar ha explicado que el festival llevaba tiempo queriendo contar de nuevo con la presencia de los cineastas argentinos, que ya visitaron Málaga hace más de dos décadas. «Hace mucho tiempo que teníamos la ilusión de que pudieran estar aquí en Málaga por segunda vez», ha señalado el director del certamen, quien ha subrayado que su regreso ha permitido «cerrar un poco un círculo temporal».
Vigar ha destacado además la importancia de su filmografía y ha explicado que el festival ha querido aprovechar su visita para ofrecer una muestra representativa de su trabajo. «Tenéis un conjunto de películas magníficas y hemos programado cuatro títulos que representan muy bien vuestro universo cinematográfico», ha afirmado el director del certamen.
Mariano Cohn y Gastón Duprat llevan trabajando como dúo creativo desde finales de los años noventa y se han convertido en referentes del audiovisual argentino contemporáneo gracias a un estilo caracterizado por la sátira, la provocación y una mirada crítica sobre el arte, el poder y las contradicciones sociales. Sus obras se distinguen por un humor ácido que funciona como herramienta narrativa para retratar la condición humana.
Durante el encuentro con el público, los directores han recordado el impacto que provocó su último trabajo, Homo Argentum, una película construida a partir de dieciséis historias breves que reflexionan sobre la identidad argentina. Duprat ha explicado que el filme ha generado una fuerte reacción social en su país. «Lo lindo fue que la película salió de la sala de cine y la gente la empezó a discutir en las casas y en las calles. Para nosotros es espectacular que una película genere ese impacto», ha señalado.
El director ha relatado además que la recepción fue intensa y polarizada. «Hubo mucho debate, muy encarnizado, a favor y en contra. Incluso una agrupación política pidió que nos quiten la nacionalidad por la película», ha recordado entre risas, destacando que esa controversia forma parte del diálogo que sus obras buscan provocar.
Por su parte, Mariano Cohn ha reflexionado sobre la evolución de su carrera y ha señalado que El ciudadano ilustre, premiada con la Copa Volpi en el Festival de Venecia, supuso un punto de inflexión en su trayectoria. «Creo que fue la película con un guion más sólido y estable, pero conservando esa posición nuestra con el público. Es una de esas películas que interpelan y que obligan a tomar posición», ha explicado.
Los directores también han recordado el estrecho vínculo que sus películas han mantenido con España, ya que muchas de ellas se han desarrollado como coproducciones con el país. «Todas estas películas que estamos nombrando tienen coproducción con España, por eso sentimos que también son un poco españolas», ha señalado Cohn.
Uno de los momentos centrales del acto ha sido la conversación sobre Competencia oficial, la película que se ha proyectado tras el homenaje. Mariano Cohn ha recordado que el proyecto nació a partir de una conversación con Penélope Cruz y Javier Bardem, en la que surgió la idea de convocar también a Antonio Banderas antes incluso de que existiera un guion.
«Hicimos una reunión con Antonio y con Penélope en Londres con la hoja vacía. Queríamos divertirnos y hacer una película sobre la creación actoral y el mundo del cine», ha explicado el director, quien ha recordado que el rodaje se planteó como una especie de «match de actuación en vivo», en el que los intérpretes podían desplegar su trabajo de forma continua.
Duprat ha añadido que el rodaje se vio interrumpido por la pandemia en 2020, lo que obligó a detener la producción durante varios meses. Sin embargo, esa pausa inesperada acabó teniendo un efecto positivo en el proceso creativo. «Ese parate obligado nos permitió estudiar lo que habíamos rodado y entender mejor la película para hacer la segunda parte con más fuerza», ha señalado.
Antonio Banderas, que ha sido el encargado de entregar la Biznaga de Honor a los directores, ha recordado con humor algunas de las claves del filme. «Si habéis visto Competencia oficial ya sabéis lo que hacemos con los premios», ha bromeado, en referencia a una de las escenas más recordadas de la película.
El actor malagueño ha destacado además el placer que supuso trabajar con el dúo argentino. «Para mí fue un placer rodar con ellos. Muchas de las cosas que vais a ver en la película son reales: los manierismos de los actores, las competencias que se dan en los rodajes y la excentricidad del mundo del cine», ha afirmado.
Banderas ha subrayado que el cine de Cohn y Duprat destaca por su mirada crítica y satírica sobre el comportamiento humano. «En sus películas hay una radiografía extraordinaria del ser humano y de sus estupideces, especialmente dentro del mundo del arte y del cine», ha señalado antes de entregarles el galardón.
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El director Manuel Garcia Gil y el chef Toño Rodriguez
El documental «La Sombra del Nogal» se presenta en el Festival de Málaga dentro de la sección Cinema Cocina. La película sigue la historia del chef Toño y su restaurante La Era, en un pequeño pueblo del Alto Aragón, y reflexiona sobre la relación entre gastronomía, territorio y despoblación rural. En esta entrevista, el director Manuel y el propio cocinero hablan sobre el origen del proyecto y lo que supone llevar esta historia al certamen malagueño.
Manuel, Toño estáis en el Festival de Málaga porque presentáis el documental «La Sombra del Nogal» dentro de la sección Cinema Cocina ¿Emociones, sensaciones de estar en Málaga?
M- Para mí estar en Málaga ya es un desborde de emociones total. Esta semana he tenido todas las emociones posibles, desde muchísima alegría a muchísimo miedo. Es un subir y bajar todo el rato porque cuando lo hablábamos al principio, éramos ambiciosos y queríamos poder llegar a algún sitio, pero claro, no sé si éramos muy realistas al decir, vamos a ir a Málaga con todo lo que supone ir a Málaga, con todo el empaque que tiene Málaga, con todas las alfombras rojas, con todo lo que sabemos. Fue como, uff, ¿aquí somos nosotros? Nosotros somos de un pueblo muy pequeñito, muy pequeño.
Equilibrar todas esas sensaciones de decir, estoy súper contento, pero no sé si estoy en el sitio, ¿va a salir bien? Todas esas cosas nos han pasado un poco, al menos.
T- Bueno, a mí la verdad es que yo aún no me he dado cuenta, yo aún no lo he visto, la gente no se lo cree. A mí no me deja verlo, yo prefiero verlo y tengo muchas ganas y mucha inquietud de verlo esta tarde. Para mí ya fue un sueño que Manu pensara en nosotros, en el territorio para hacerlo. Y aquí encima, ponerlo aquí y estrenarlo en un sitio como el Festival de Málaga, pues hombre, es una cosa que cuesta asimilar.
¿Cuál es la importancia del nogal? ¿Qué significa para vosotros?
T- Bueno, al final es lo que gira en torno a ello. Al final, yo siempre he tenido una relación con el nogal, porque al final yo recuerdo desde mi infancia con mi padre ir a coger nueces, de ir a “robarlas”, a pelarlas, a comerlas y luego empezar a cocinarlas.
Luego aparece en un sitio donde está ahora mismo La Era, que yo venía de otro proyecto donde era jefe de cocina y a mí me lo propusieron para ir ahí. O sea, llegas ahí y hay todo barro, una casa de pueblo y dos nogales ahí despampanantes, que es como rizar el rizo. Y luego ya viene… Es decir, ahora en La Era todo gira en torno a las nueces, claro está.
O sea, la parte que hay ya, todo gira en torno a ello. Y luego ya viene Manu y dice que va a hacer un documental sobre nosotros, sobre La Era, que lo va a llamar La Sombra del Nogal. Muchas cosas pasan ahí debajo de ese nogal.
Nosotros estamos en un pueblo muy pequeño, donde hay mucha calma, pero también hay mucho ajetreo. Ahí debajo de ese nogal, para que veas, muchas veces yo saco… Cuando yo tengo que empezar el menú nuevo, decisiones importantes, yo me saco una mesa, una silla, me la pongo debajo del nogal, en días que estoy cerrado, que solo estoy yo y solo escucho a los pajaricos y tal. Y eso es una maravilla. Al final, es como quiero que se haga todo.
Desde el punto de vista de la dirección Manuel ¿tenías desde un primer momento pensado hacer algo relacionado con la cocina? ¿Tuviste otras ideas a la hora de decir, u otra forma de hacer el documental o fue siempre «La Sombra del Nogal»?
M- Yo, al principio, la primera idea que tuve fue, quiero hacer una historia sobre el territorio y sobre la despoblación. Y quería, porque estamos de la misma zona, somos de pueblos que son vecinos, y quería tener un motivo para contar esa historia a través de alguien, que me hiciera ver que fuera como alguien que está luchando contra la despoblación, que está asentando población, un ejemplo que se pueda seguir.
Entonces, cuando a Toño le dieron un premio, en el 2023, al mejor restaurante de Aragón, dije, ostras, la historia de Toño es muy buena para poder contar que persiguiendo tus sueños desde estos pequeños pueblos, puedes llegar a conseguir ambicionar una historia Michelin. Y esa lucha contra la despoblación, con ese sueño, porque su restaurante está en un pueblito pequeñito, me daba mucho juego para poder contar toda la historia del territorio, y además una historia de cocina, donde hay innovación, donde hay técnica, donde hay ambición, donde hay tensión, y poder hacer que las dos conjuguen muy bien.
Es cierto que poner un restaurante en un pueblo pequeño y alejado de la población puede parecer un decisión arriesgada, ¿cómo se consigue atraer a la gente?
T- Al final La Era nace de una necesidad por salvar el pellejo y por salvar la empresa. Nació justo en junio del 20, que salíamos de la pandemia, salíamos justo de la pandemia, somos un catering, que este año hacemos ya 13 años, y claro, al final un catering que vive de que la gente se junte, de que la gente haga colectividades, el ingreso era cero, y claro, nosotros hicimos muchas historias.
Una fue una línea de postres, una línea de cuidar a los perros, y otra línea fue esa, convertir el restaurante y abrimos en junio, fue una manera de meter dinero, porque nosotros tenemos una terraza que no te cruzas con nadie, estás en el libre perfecta, pero luego llegó otra ola octubre, noviembre, y ya nos cerraron otra vez la hostelería, y abrimos abril, mayo, y ahí dijimos, ya entró más gente, entró Cristian en un segundo y dijimos, esto es un sitio para ir a por una estrella, vamos a una estrella, a por ella, ¿qué hace falta?
Nosotros lo que utilizamos son los concursos a nivel nacional, a modo de altavoz, porque por la puerta, nosotros somos un pueblo que tiene veinticinco habitantes, cinco kilómetros más adelante hay otro pueblo que tiene menos de veinticinco, y ya se acaba la carretera, ya, si tienes una bici montaña o una moto, lo que quieras. Claro, nosotros utilizamos ese modo de altavoz, aparte que ya llevábamos años trabajando duro y haciendo ruido a nivel nacional, y nosotros llevábamos como tres años que llenábamos el restaurante todos los días, incluso antes de la estrella, llevábamos años y medio, dos, que llenábamos todos los días, y ahí es donde estamos.
Al final, lo que dices, se convierte en un sitio de peregrinaje, por el buen hacer, por el sitio que está acristalado, que se ven todas las montañas, por el trato del personal, porque hacemos cosas totalmente diferentes, porque nos aprovechamos del producto local, de los artesanos locales, de las recetas del vecino, tiramos todo eso y al final hemos conseguido lo que parecía una locura, y al final montar un restaurante gastronómico donde estamos es una locura, ahora es una realidad. Y encima ya, en la gran pantalla, ya ni te cuento. Ni te cuento.
«La Sombra del Nogal» no solo es un documental que muestra lo que puede ser la vida o el esfuerzo de un gran cocinero como Toño, sino también de otros temas como la despoblación, la conexión con la naturaleza y el entorno y esa ambición que no controlada puede alejarte de tus seres queridos ¿cómo habéis estructurado todos los temas para que sirvieran de apoyo a la narrativa central, y que no fuera solo un documental sobre cocina?
M- Como antes habías dicho en la pregunta de Toño, mostrar la ambición, para mostrarla bien, tienes que estar mucho tiempo con él. Tienes que ver cómo va evolucionando todo, porque nosotros sí que queríamos ver toda esa evolución de su ambición hacia la estrella. Entonces teníamos que estar mucho tiempo. Pero claro, dentro del restaurante las cosas no cambian mucho. Puede cambiar un poco la decoración, pero en las cocinas es lo mismo.
Entonces necesitamos salir de la cocina. Al salir de la cocina tienes que introducir personajes nuevos. Tienes que hablar con su familia, tienes que hablar con los vecinos, tienes que centrarte un poco en las vidas también de las personas que comparten el restaurante con Toño. Con ellos vas construyendo toda esa historia y la propia vida de cada persona te va sacando un poco de la cocina. Por ejemplo, con Cristian, vimos que él era el elemento madera que aportaba al restaurante. Entonces, a través de su padre, que le hacía las cosas de cocina, ese era el elemento madera que tiene mucho peso en el restaurante.
Toño es el elemento de agua, porque le gusta mucho el río, por el pescado, por todo. Entonces, a través de su padre, es el que le metió la idea de pescar de pequeño y todo eso va apareciendo por ejemplo. El padre de Armando, que es el socio de Toño, es el elemento de piedra, es el que restauró el restaurante con sus manos, es el que hizo que esas cuadras fueran una casa, que no se le cayera, es el que volvió a plantar los nogales cuando se murieron los olmos. Entonces, al final, la idea que tenía era vamos a contar toda la naturaleza, la naturaleza es piedra, es agua, es madera, y tenemos unos elementos que son unas personas que nos las van a vehicular.
Entonces, a través de ellos, vamos a poder contar mejor toda su historia y todas sus historias, como pequeños referentes que son caras y son personas a las que tú como espectador te puedes enganchar.
¿La cocina sería el elemento fuego, no?
M- Claro, el fuego está todo el rato, ese es el elemento fuego. No hay una persona que lo viva porque la propia cocina ya es un personaje más, claro, ya es el personaje más que esos cuatro personajes pues son los que la ambición, todo lo que tiene Toño, el espacio imaginario, ese negro que tiene, esa es como el deseo, como las ganas de perdida.
T- A mí se me ve venir desde lejos. Te lo digo, para lo bueno y para lo malo, se me ve venir desde lejos. Yo en todas las entrevistas que hago, al final siempre soy así. Con mi gente y con mis amigos siempre he sido así. Yo no suelo esconder nada. Lo que se pueda ver ahí, pues… Tampoco tengo vida social. O sea, mi vida social es mi restaurante y mi familia.
Yo estoy feliz así. Entonces, estoy seguro que hay amigos que yo con los que no he hablado de todas estas cosas que lo verán y se sorprenderán. O sea, yo cuando lo vea, porque no me acuerdo yo qué dije. Pero mucha gente que se dará cuenta de que, claro, yo digo que La Era es muy bonita ahora, está ya muy redondeada, muy enfocada, pero siempre ha sido así. Llegar a lo que estamos ahora requiere un sacrificio personal, a nivel de familia, a nivel de salud, a nivel de todo, requiere un sacrificio. Estoy seguro que aquí, con todas las formas que hemos pasado, se darán cuenta de que no abrimos latas y echamos hasta luego. Hay un trabajo y un sacrificio detrás. Al final, el documental va de eso, de la despoblación de todas las cosas buenas que puede tener estar en un sitio pequeño, pero también de todos los inconvenientes que te vienen en el día a día.
«La Sombra del Nogal» sigue las huellas que ha trazado la memoria colectiva y cristalizan en la filosofía del restaurante La Era de los Nogales
Durante el documental aparece un lugar dentro del restaurante que parece hacer de refugio para desconectar ¿cuál es para vosotros ese refugio?
T- Si no es con mi familia, es con la naturaleza. Si no, no quedo ni con mis amigos. Por aquí me tienen ya abandonado, casi borrado de WhatsApp, jaja. Pero yo utilizo la naturaleza a modo de refugio y desconexión. Si puedo ir a un sitio que no haya cobertura, todavía mejor. Me cojo mi cañica, mi bocadillo, me voy a pescar, me cojo la cesta y voy a por setas, me siento debajo del nogal justo el día en que el restaurante está cerrado. Me gusta el cafelito de por la mañana. Cuando llego pronto, no hay nadie, me lo tomo ahí en la calle. Ese refugio para mí no tiene precio. Con un ratito así, luego vuelvo y no me aguanto en el trabajo porque vuelvo nuevo.
M- Uno de mis refugios es uno de los pueblos que fuimos a grabar también allí. Es un pueblo abandonado, mi familia ya no vive ahí hace muchos años, pero yo lo mantengo. Yo mantengo todos los árboles, mantengo muros, todo lo que se puede mantener, lo mantengo yo. Ese es mi refugio. Yo ahí desconecto totalmente. Y el otro es el bosque de los árboles que tienen los tombos tan grandes. Ese es mi sitio. Ese es mi sitio especial. Esa zona de un robledal que es centenario con algún árbol que puede llegar a tener casi mil años.
Yo salir a pasear por allí y perderme en ese bosque de hadas que todo el mundo que lo ve dice pues esto es un bosque de hadas, es donde tú puedes… Eso es para mí, donde yo conecto conmigo mismo, donde dejo que todo se vaya afuera y donde desconecto del tiempo. Yo puedo estar en este bosque pasando, me lo conozco entero, de arriba a abajo, izquierda a derecha. Eso es el mío.
La cocina como todo ha evolucionado, en cuanto a los alimentos y las técnicas de cocina pero ¿cuál es ese plato que os lleva a la infancia?
T- Al final mi plato preferido al que me trae el mejor recuerdo es el que me sigue trayendo son los patatas a la importancia de mi madre. Siempre. Eso sí. De hecho, yo creo que durante ese película del documental estaban en el… Yo creo que sí, sí porque me acuerdo que se los comió Capel y estaba. E hicimos una versión de las patatas a la importancia, y lo pusimos en el documental porque yo recuerdo que cuando vino el crítico más importante que bueno, cuando vino Capel él se las comió y estuvieron debatiendo de dónde provenían.
M- Yo con ese plato he de decir que mi madre también me las hacía cuando era pequeño y no sabía que eran así ni ella lo sabía ella era una receta que hacía porque se la hacía a su abuela y en mi casa siempre se habían comido y era como es que mi madre hace unas patatas que es que no tienen nada que ver y eran las patatas que se comían muy de allí.
Pero para mí los sabores más que de la cocina es de los productos por ejemplo los nogales que tú decías yo tengo muchos nogales un nogal es un árbol que en el Alto Aragón se ha utilizado para hacer lindes porque es mi parcela con tu parcela en la mitad ponemos un nogal así como dura 200 años no tenemos que decir un métrico más para aquí un métrico más para aquí donde está el nogal es el limbo entonces hace que yo en mi pueblo tenga no sé 20 nogales enormes y yo recojo las nueces y yo las reparto y mucha gente me dice es que esa nuez que he probado no la he probado en ningún sitio o productos que mi abuelo plantaba que de repente me ha dado a mí por plantar en el huerto.
Cuando la gente vea el documental ¿qué reflexión os gustaría que se llevasen de «La Sombra del Nogal»?
M- La mía es estar conectado con el entorno y con las personas que te rodean ¿sabes? la importancia de todos los elementos desde los mayores las historias que tienen si alguien sale de aquí y dice y el próximo vez que vaya a un restaurante luego cuando salga del restaurante vea un caserío que hay una señora mayor con un bastón y digas que seguro que hacen algún plato que la señora podría hacer es que seguramente hayan cogido buena idea que conecte con todo y que le den valor a todo lo que está alrededor de los sitios o sea para mí sería para mí sería la reflexión.
T- Yo hablo desde el desconocimiento porque no lo he visto, pero para mí sería, si alguien se quiere llevar una reflexión es que si tiene un sueño que lo anhela, que lo desea, que lo sufre y pelea por ello lo que lo puede conseguir desde cualquier punto, no hace falta que esté en un lugar grande con todas las posibilidades necesidades y con todo al alcance de la mano que lo puedes conseguir desde un sitio pequeñito.
"La Novia Gitana" y "La Red Púrpura", se incorporarán a la oferta de contenidos de Disney+ el mismo día
«La Nena», la tercera entrega de la saga de «La Novia Gitana», dirigida por Paco Cabezas (Fear the Walking Dead, Penny Dreadful, The Umbrella Academy, Miércoles, Adiós) y protagonizada por Nerea Barros (La isla mínima, Operación Marea Negra), llega a Disney+ y atresplayer con estreno simultáneo el 12 de abril. Coincidiendo con el estreno de la tercera entrega, «La Novia Gitana» y «La Red Púrpura» también se incorporarán a la oferta de contenidos de Disney+.
La serie es una adaptación libre de 8 episodios de la tercera novela homónima del fenómeno literario creado por Carmen Mola y está dirigida por Paco Cabezas, que ya estuvo al frente de La Novia Gitana y La Red Púrpura; junto a Miguel Ángel Trudu. Nerea Barros encabeza el reparto formado por Lucía Martín Abelló, Ignacio Montes, Mona Martínez, Vicente Romero, Francesc Garrido, Ginés García Millán, Daniel Ibáñez, Nuria González, Óscar de la Fuente, Carmen Prada, Roberto Álamo y Carlos Cabra. Además, para la tercera entrega, Eduardo Casanova, Raúl Sanz, Pepe Sevilla, Santi Prego y Daniel Freire se incorporan al elenco.
Ignacio Corrales, Paco Cabezas, Jordi Frades, José Rodriguez, Jaume Banacolocha, Laura García e Ignasi Serra son los productores ejecutivos de la serie. Montse García es la directora de Ficción de Atresmedia, con Lucía Alonso-Allende como coproductora ejecutiva.
Sobre «La Nena»
Meses después de los sucesos de La Red Púrpura, la cacería no ha terminado. Tras la muerte de Lucas, Elena Blanco ha desaparecido. Solo Mariajo conoce su paradero, manteniéndolo en secreto incluso para el resto del equipo. La lucha contra La Red le arrebató demasiado y en un intento desesperado por recuperar el control de su vida dejó atrás la BAC.
Pero la violencia no deja cabos sueltos y cuando un nuevo hallazgo sacude el tablero, no tiene más remedio que volver y regresar significa enfrentarse a lo que intentó dejar atrás. Mientras tanto, Chesca ha elegido otro camino. Separada de su antigua aliada, se ha sumergido en una guerra propia donde las reglas han dejado de importar.
El equipo sigue tras la pista de Rocío Narváez, ‘La Madre’, pero cada avance solo revela un entramado aún más grande y peligroso.
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"Entre tierras", la serie más vista de la televisión en 2024, fue también una de las ficciones españolas de mayor éxito internacional del año
Atresmedia continúa apostando por la ficción nacional y ha regresado, un año más, al Festival de Málaga. El Grupo ha presentado este miércoles la segunda temporada de «Entre Tierras», tras convertirse en la serie más vista de la televisión en 2024, acompañado del gran talento con el que cuenta esta producción tanto delante como detrás de las cámaras.
Entre tierras se estrena este próximo domingo, 15 de marzo, en atresplayer. Estará disponible para los suscriptores premium de la plataforma antes de su llegada al prime time de Antena 3.
Megan Montaner vuelve a ponerse en la piel de María, protagonista de la ficción. En esta temporada, también formarán parte del elenco principal: Rodolfo Sancho, Silvia Abascal, Ginés García Millán, José Pastor, Itziar Miranda, Clara Garrido, Germán Alcarazu, Marina Guerola, Helena Ezquerro, Carlos Serrano-Clark, Helena Kaittani y Carlos Sholz, entre otros.
Dos décadas después de perder a Manuel, y con dos hijos a su cargo, María continúa luchando para sacar adelante la tierra de los Cervantes. En los nuevos capítulos de Entre tierras, la protagonista deberá adaptarse a los nuevos tiempos, pero también dar ejemplo de resistencia cuando los cambios puedan arrasar con todo. Una ficción que abordará temas como los conflictos familiares, el dolor de la pérdida, la diferencia de clases, la transformación del campo y, también, el amor imposible, pero inevitable.
Producida por Atresmedia en colaboración con Boomerang TV, la segunda temporada de Entre tierras contará con 10 capítulos de 50 minutos cada uno. Su rodaje ha tenido lugar en localizaciones de Almería, Castilla-La Mancha y la Comunidad de Madrid.
Montse García y Luis Santamaría son los productores ejecutivos de ‘Entre tierras’, que está dirigida por Humberto Miró, Salvador Garcia Ruiz y David Montoya.
Lucía Alonso-Allende y Humberto Miró son los coproductores ejecutivos la serie, que cuenta con un equipo de guion formado por Susana López Rubio, Juan Beiro y Joaquin Santamaría, con Raquel Busca como analista de Guion. Diego Polo es el director de Producción. Al frente de la dirección de Fotografía está Antonio González. Paco Redondo es el director de Arte. Eva Martínez, Raquel Martínez son las encargadas de Maquillaje, mientras que Gualter Da Sá es el responsable de Vestuario.
Así es la segunda temporada de «Entre Tierras»
Han pasado casi dos décadas desde que María perdió a Manuel y se quedó sola al cuidado de Nicolás y de Manuela, la hija recién nacida que su marido no conoció. En estos años ha logrado sacar adelante la tierra de los Cervantes gracias a su coraje y al de Claudia, la jornalera rebelde e hija bastarda de D. Ramón.
María afrontará nuevas pérdidas y tendrá que seguir luchando para conservar las tierras, pero sobre todo para que sus hijos mantengan el arraigo y sigan unidos a la familia y a su patrimonio.
Los tiempos cambian, los campesinos migran y la falta de jornaleros propicia la llegada de braceros de otras zonas más pobres, pero también de empresarios ambiciosos dispuestos a explotarla, sin apego y sin vínculos, invirtiendo en maquinaria más que en personal. Por primera vez en mucho tiempo María se fija en alguien, pero el recuerdo de Manuel hará mella en sus dudas; hará lo imposible por evitar lo inevitable.
«Entre tierras», la ficción más vista del año y un nuevo éxito internacional de Atresmedia
La ficción original de Atresmedia, que se estrenó el 11 de enero de 2024 en el prime time de Antena 3, logró los mejores resultados del año en lo que a las series se refiere situándose en el top del ranking de ficción. En su llegada a la cadena se alzó como el mejor estreno de una ficción en casi dos años con un 16,3% de cuota de pantalla. Y durante la emisión de sus 10 episodios logró congregar cada noche a una media de 1.295.000 espectadores y un 12,3% de cuota. Además, consiguió más de 2,5 millones de seguidores únicos si sumamos el consumo en diferido (+250.000 espectadores por episodio de media).
Pero no se conformó con conquistar a la audiencia española, sino que ‘Entre tierras’ también traspasó fronteras y se convirtió en un éxito internacional logrando situarse durante muchas semanas entre las series más vistas en todos los países a los que llegó.
Así es el capítulo 1
Años después de la muerte de Manuel, María y Claudia luchan por mantener la finca Cervantes en plena crisis de jornaleros. La tensión familiar crece: Manuela se siente apartada frente a su hermano Nicolás, mientras la llegada del empresario Julio Varela y sus hijos agita aún más el equilibrio del pueblo. Cuando un viaje a Almería en busca de jornaleros deja a Nicolás al mando de las tierras de los Cervantes, los conflictos estallan. Un incendio pone en peligro todo… y solo el atractivo capataz de los Varela, Toscano, podrá evitar lo peor.
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El próximo 13 de marzo se estrena en Filmin “La voz de Hind”, la nominada al Óscar a la mejor película internacional por Túnez. La película, dirigida por la dos veces (ahora tres) nominada al Óscar Kaouther Ben Hania (“Las cuatro hijas”, “El hombre que vendió su piel”) relata la historia real tras el asesinato a manos del ejército de Israel de la niña de seis años Hind Rajab.
La voz de Hind, que pasó por cines en noviembre de la mano de Caramel Films y LaZona Pictures, estuvo también nominada en los Globos de Oro y los BAFTA a la mejor película de habla no inglesa, y obtuvo el gran premio del jurado en el Festival de Venecia, así como el premio del público en el Festival de San Sebastián. La película utiliza la grabación de audio real de la llamada de la niña a los servicios de emergencia, a la vez que reconstruye el drama vivido en las instalaciones.
29 de enero de 2024. Los voluntarios de la Media Luna Roja reciben una llamada de emergencia. Una niña de seis años está atrapada en un coche bajo fuego en Gaza, suplicando ser rescatada. Mientras intentan mantenerla en la línea, hacen todo lo posible por enviarle una ambulancia. Su nombre, Hind Rajab.
Hind Rajab, la niña asesinada por Israel
«Tengo mucho miedo, por favor, vengan» fueron algunas de las últimas palabras de Hind Rajab en una llamada telefónica a los servicios de emergencia después de que el coche de su familia fuera atacado a tiros en la ciudad de Gaza. Hind, su tío, su tía y sus primos intentaban huir de las fuerzas israelíes que se acercaban. Atrapada en el vehículo y rodeada de sus familiares fallecidos, durante tres horas suplicó a la Media Luna Roja, la organización humanitaria equivalente a La Cruz Roja, que fuera a buscarla.
La organización envió una ambulancia para socorrerla, pero Israel atacó la ambulancia y perdieron el contacto con Hind. De hecho, la organización acusa a Israel de atacar deliberadamente«a pesar de la coordinación previa para permitir que la ambulancia llegara al lugar para rescatar a Hind», declaró Nebal Farsakh, portavoz de La Media Luna Roja.
El silencio de muchos
Precisamente cuando se encontraba promocionando su anterior película en Los Ángeles, Kaouther Ben Hania supo del asesinato de Hind Rajab. Al escuchar parte de la grabación de la llamada «se sintió como la propia voz de Gaza«. La directora explica que aquello que le perseguía no era solo la violencia de lo que ocurrió, sino especialmente el silencio que siguió ante lo ocurrido: «Así que recurrí a la única herramienta que tengo (el cine), para preservar una voz. Para resistir la amnesia. Para honrar un momento que el mundo nunca debería olvidar», explica la tunecina.
La directora se puso en contacto con la madre de Hind para pedirle permiso para hacer la película y, al acceder, le compartió todo sobre la niña: su personalidad, sus sueños, su manera de reír. «Sentí que, al compartir todo esto conmigo, estaba intentando mantener viva a su hija, asegurarse de que su memoria no desapareciera ni se convirtiera en una simple noticia más», comenta. La voz de Hind, según explica la directora, también trata de nuestra responsabilidad compartida, de cómo los sistemas fallan a los niños gazatíes y de cómo el silencio del mundo forma parte de la violencia.
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La ópera prima de Will Seefried, protagonizada por Fionn O'Shea ("Normal People", "Dance First") y el ganador del BAFTA Robert Aramayo ("I Swear") es un viaje por la historia queer
El 13 de marzo se estrena en Filmin «Las flores del silencio», un romance de época protagonizado por la estrella emergente del cine británico, Fionn O’Shea («Normal People», «Dance First») y por Robert Aramayo, que acaba de ganar el BAFTA al mejor actor con la serie «I Swear». La película supone el debut en la dirección de Will Seefried.
Esta es la historia de cómo el amor nace y cómo la sociedad lo intenta aplacar. O cómo, en la Inglaterra de 1920, se intentó curar la homosexualidad incluso a costa de la vida de los pacientes. Un novelista gay y su enfermero psiquiátrico estrechan lazos a través de una serie de ‘citas’ ordenadas por un médico.
La realidad detrás de las «terapias de conversión»
La idea de la película empezó a fraguarse cuando Will Seefried, el director, supo de la existencia de un procedimiento de la década de 1920, que persistió hasta 1970, que afirmaba «curar2 la homosexualidad. En la Inglaterra de principios del siglo XX, la homosexualidad se consideraba una patología que debía corregirse, y muchos médicos recurrieron a terapias experimentales absolutamente crueles. Entre ellas figuraban tratamientos de choque, fármacos destinados a suprimir el deseo sexual y sesiones de terapia hablada orientadas a «reeducar» al paciente hacia la heterosexualidad. Seefried ha realizado un arduo trabajo de investigación sobre esos centros, sobre las amistades que se entablaron entre las enfermeras y sus pacientes y en cómo, muchas de ellas racializadas, terminaron luchando desde dentro contra el sistema.
El poso de la historia
El director cuenta cómo su decisión de investigar más acerca de estas “terapias de conversión” comenzó por un cuestionamiento personal. Seefried recapitula en el cine y la literatura queer que muchas de esas historias versan alrededor del concepto de la culpa. Por ello,se planteó “cómo algunos de los mensajes de esta historia de las terapias de conversión habían encontrado su camino hacia mi psique, incluso siendo alguien que creció con una familia muy comprensiva. Pero aun así, esos mensajes de algún modo persistían. Así que inicié una especie de proyecto de investigación personal sobre la historia de estas prácticas, con la esperanza de conectar mi propio recorrido con un linaje queer más amplio y de obtener un sentido de contexto para lo que estaba viviendo”, explica.
Seefried no pretende que la película sea una fotografía de la historia, él la describe más bien como una pintura, pero recalca la importancia de conocer nuestra historia: «A la sociedad le encanta fingir que la diversidad sexual es un fenómeno reciente, así que creo que hay un gran poder en las historias que exploran el pasado de nuevas maneras».
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Movistar Plus+ ampliará sus emisiones deportivas con tecnología HDR para las competiciones europeas de fútbol. La plataforma incorporará dos nuevos canales dedicados a la Liga de Campeones con este formato de imagen, que se sumarán a los canales que ya existen actualmente para LaLiga utilizando esta misma tecnología.
De esta forma, los aficionados podrán seguir la recta final de la UEFA Champions League con una calidad de imagen superior, ya que todos los partidos de cuartos de final, semifinales y la final se emitirán en HDR en Movistar Plus+.
Los encuentros de esta fase decisiva se disputarán entre abril y mayo de 2026, con los cuartos de final (ida) los días 7 y 8 de abril, los cuartos de final (vuelta) el 14 y 15 de abril, las semifinales (ida) el 28 y 29 de abril, las semifinales (vuelta) el 5 y 6 de mayo, y la gran final el 30 de mayo.Las emisiones en estos canales se realizan en Alta Definición con HDR y a 50 fotogramas por segundo, lo que permite ofrecer una imagen más fluida en retransmisiones deportivas. Además, utilizan un espacio de color ampliado BT.2020, que permite representar una gama cromática más amplia que la de una señal HD convencional.
Las emisiones en estos canales se realizan en Alta Definición con HDR y a 50 fotogramas por segundo, lo que permite ofrecer una imagen más fluida en retransmisiones deportivas. Además, utilizan un espacio de color ampliado BT.2020, que permite representar una gama cromática más amplia que la de una señal HD convencional.
El estándar HDR (High Dynamic Range), junto con el sistema HLG (Hybrid Log Gamma) utilizado en estas retransmisiones, mejora el contraste y la luminosidad de la imagen. Gracias a ello, es posible mostrar más detalle tanto en las zonas más iluminadas como en las sombras, ofreciendo colores más vivos y una imagen más equilibrada y natural.
Para poder recibir estos canales con HDR, los abonados deberán contar con un televisor compatible con 4K y el descodificador UHD de Movistar Plus+, que permite acceder a las emisiones con este tipo de señal mejorada.
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Hace 25 años dio comienza mi aventura en mundoplus.tv junto a otros “locos” como yo que poco o nada sabían de televisión, ni de internet, ni de derechos cinematográficos. Aquel proyecto que nació como una forma de conocer mejor un mundillo del que solo éramos espectadores, dio paso algo que con el paso del tiempo fue creciendo de manera inimaginable por aquel entonces. También resulta inconcebible como el mundo ha cambiado en estos 25 años, y en lo personal, no me imagino mi día a día sin acceso a un móvil, a internet y a las redes sociales. Para bien o para mal, la tecnología nos ha regalado cosas extraordinarias, pero también nos ha atado a su servidumbre de la que es muy difícil escapar. ¿Seríamos capaces de renunciar a la tecnología y las comodidades del mundo moderno? «Hasta la montaña», la nueva película de Sophie Deraspe, que llegó a los cines el pasado 27 de febrero, responde en parte a esta pregunta. El filme, explora el retorno a la naturaleza como vía de transformación personal y cuestionamiento del modelo urbano. Un relato, a ratos algo idealizado, que nos muestra las luces y las sombras de la desintoxicación de la modernidad.
Basada en la novela autobiográfica de Mathyas Lefebure, Hasta la montaña (Bergerses su título original) articula su discurso a través de una estructura clásica de viaje iniciático, pero lo hace desde una mirada sobria y naturalista que intenta equilibrar tanto su tono edulcorado como el dramatismo excesivo. Reconozco que esperaba más de Hasta la montaña, tal vez no una epifanía (disculpad el cinismo), pero la película de Sophie Deraspe ofrece un acercamiento, a veces demasiado complaciente con la dura vida del campo, en este caso de los pastores de la zona de los Alpes franceses.
Hasta la montaña nos presenta a Matías, un publicista canadiense que abandona su vida en Montreal para convertirse en pastor en el sur de Francia. Su historia es la de alguien hastiado del estrés de una sociedad que mide el éxito en función de parámetros económicos y sociales. Así, el personaje de Matías con su huida del esquema preestablecido por parte de la sociedad «civilizada», funciona como detonante narrativo para abordar varios temas: la crisis del entorno urbano, la romantización del mundo rural y el choque entre el deseo de cambio y la realidad material del trabajo agrícola. En ese aspecto, la película de Deraspe sí desmonta con claridad la fantasía pastoral del protagonista y hace hincapié en la exigencia física, económica y emocional del oficio.
La vida del pastor no están ideal
Sin embargo, el tono de la película no termina de asentarse, provocando un extraño vaivén en el espectador. ¿Quiere ser reivindicativa o solo ofrecer una mirada optimista de otra forma de vida? ¿Es naturalista o su estilo contemplativo es más de forma que de fondo? Son algunas preguntas que te planteas mientras presencias el viaje de los protagonistas, a través de los bellos paisajes alpinos. En cierta medida, Hasta la montañase nos presenta como un drama rural, con un urbanita que ha leído demasiado sobre las bondades del campo, pero que descubrirá que la idealización que narran los libros está lejos de ser una realidad. También el filme apuesta por una lectura más social, al visibilizar la situación de pequeños y medianos ganaderos en contextos rurales europeos. Eso sí, sin ser en exceso reivindicativa, el guion si introduce temas como la sostenibilidad del modelo agrícola, la despoblación y la necesidad de reconocer el valor estratégico del trabajo rural.
En cuanto a los protagonistas, en la piel de este aprendiz de pastor encontramos a Félix-Antoine Duval, que consigue transmitir los diferentes vaivenes que sufre su personaje a lo largo de película. Desde la ilusión por una nueva vida, pasando por el duro aprendizaje, y terminando la aceptación de que la realidad que conlleva una identificación con su nuevo modo de vida. Junto a él, Solène Rigot da vida a Élise, una joven funcionaria que, tras conocerle, también decide abandonar su vida urbana, dando voz a esa juventud desencantada de una vida rutinaria, y que busca conectar con la naturaleza.
En resumen
Con algún toque de comedia, Hasta la montaña es un drama rural enmarcado en los bellos paisajes de la Provenza y de los Alpes franceses, que no funcionan solo como un simple escenario, sino como una parte estructural del relato que condiciona tiempos, decisiones y vínculos. Sin embargo, aunque el filme pretende ser una oda a la vida rural y al regreso a la naturaleza, está no termina de aprovechar su potencial, y aunque ofrece una mirada a un mundo desconocido para el gran público, termina convertida en una luminosa postal demasiado autocomplaciente con su forma.
Kike Lozano (izquierda) y Víctor García-Morato (derecha)
Grup Mediapro, uno de los líderes del sector audiovisual europeo, potencia sus servicios a marcas y anunciantes con la creación de un departamento de investigación de mercados. Esta nueva división está dirigida por Kike Lozano, hasta ahora director general de la consultora audiovisual GECA, y forma parte del área Brands&Xperiences, liderada por David Xirau y cuyo propósito es el crear propuestas de valor únicas y singulares para marcas e instituciones en las que la creatividad y la excelencia se conviertan en motores de transformación.
El departamento de investigación de mercados ofrecerá servicios de consultoría a todo tipo de clientes, y agrupará los negocios de GECA, especializada en el análisis de datos y audiencias para televisiones, productoras y distribuidoras; gestión de redes sociales y plataformas de streaming OTT.
Kike Lozano es fundador y director del Máster de Distribución y Negocio Audiovisual y del Máster en Big Data y IA para el Audiovisual, ambos en la ECAM, y coordinador del área de Derechos Audiovisuales en el MBA de derechos deportivos en la UAX. En 2018 fue nombrado director de GECA, y antes había ocupado puestos directivos en Trece, Paramount y laSexta.
Para liderar la nueva etapa de GECA, Grup Mediapro ha incorporado a Víctor García-Morato, profesional televisivo con una dilatada experiencia en las áreas de estrategia y contenido. Víctor García-Morato, que llega procedente de la productora Isla Audiovisual, donde era director de Estrategia y Negocio, formó parte del equipo que puso en marcha laSexta y ha ocupado puestos de responsabilidad en FOX Networks Group (tanto Portugal como España) y Disney+.
Brands&Xperiences crece
Al nombramiento de Lozano y la incorporación de García-Morato se les suma las llegadas al grupo hace unas semanas de Javier Buendía como director comercial de Brands&Xperiences y de Enric Hernández como director de Desarrollo de Negocio.
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El documental, producido por la plataforma de streaming europea en colaboración con RTVE, reconstruye las historias de los activistas Berta Cáceres, Paulo Paulino Guajajara y Aldo Zamora y analiza las amenazas a las que se enfrentan diariamente los defensores del medio ambiente
La plataforma de streaming europea ARTE.tv estrena un nuevo documental de investigación producido junto a RTVE que pone el foco en una realidad alarmante: la persecución y asesinato de activistas medioambientales en América Latina. «Peligro de muerte: ecologistas en el punto de mira» narra la historia real de tres ecologistas que pagaron con su vida su compromiso con la protección del medio ambiente y de los territorios indígenas.
La producción reconstruye las trayectorias de tres asesinatos. Por un lado, el de la líder indígena hondureña Berta Cáceres, abatida a tiros en 2016 en su vivienda tras años de amenazas por liderar la resistencia del pueblo Lenca contra el proyecto hidroeléctrico Agua Zarca en el río Gualcarque; por otro lado, el asesinato en 2019 del conocido como «guardián de la selva amazónica», Paulo Paulino Guajajara, alias el Lobo, quien lideraba un grupo de indígenas brasileños para localizar y expulsar a madereros ilegales y que fue abatido de un disparo en el rostro en una emboscada; y el tercero, el del activista mexicano Aldo Zamora en el año 2007 tras años denunciando la tala ilegal en el Gran Bosque de Agua, una zona vital que surte de recursos hídricos a la Ciudad de México, Toluca y Cuernavaca, también víctima de una emboscada y posterior tiroteo.
A través de una investigación en profundidad, el documental muestra cómo estos defensores del medio ambiente se enfrentaron a grandes empresas internacionales y a sus aliados locales mientras luchaban por proteger los recursos naturales y los derechos de sus comunidades.
Las consecuencias de oponerse a los intereses de las grandes empresas
El documental revela también los mecanismos de un sistema económico complejo que permite a determinadas empresas maximizar beneficios a costa de la explotación de territorios y recursos naturales, con graves consecuencias para las comunidades indígenas. A menudo, estas prácticas se desarrollan en contextos donde la violencia, la intimidación y la impunidad forman parte del entorno en el que operan los defensores del medio ambiente.
Para comprender mejor este fenómeno, la producción recoge testimonios de amigos, familiares y compañeros de los tres activistas, así como de expertos en cambio climático y sociólogos. Sus análisis ayudan a explicar los patrones que se repiten en muchos de estos crímenes: amenazas previas, conflictos por la tierra, intereses económicos en juego y una alarmante falta de justicia. El documental plantea preguntas fundamentales, como quién está realmente detrás de estos asesinatos o por qué los responsables rara vez son castigados.
Más allá de las historias personales, el documental subraya que las consecuencias de la destrucción ambiental no se limitan a Latinoamérica. Ecosistemas como la Amazonía desempeñan un papel crucial en la absorción de CO₂ de la atmósfera. Su deforestación acelera la crisis climática y tiene efectos que repercuten en todo el planeta.
Peligro de muerte: ecologistas en el punto de mira lanza un mensaje claro: mientras los defensores del medio ambiente no estén suficientemente protegidos, también estará en riesgo la protección de la Tierra. La destrucción de la naturaleza no solo afecta a las comunidades que viven en esos territorios, sino que, a largo plazo, impacta en toda la humanidad.
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