RTVE ofrecerá en directo, en La 2 y RTVE Play los Premios Talía de las artes escénicas, que celebran este año su segunda edición en el Teatro Español de Madrid. Organizados por la Academia de las Artes Escénicas de España con vocación de acercar las artes escénicas a la ciudadanía, reconocen a los mejores profesionales de cada especialidad técnica y creativa. Lunes 22 de abril: ceremonia en directo, a las 22:00 horas, en La 2 y RTVE Play. Y alfombra roja desde las 20:00 horas en RTVE Play.
La ceremonia se podrá ver en directo dese las 22:00 horas en La 2 y RTVE Play. Y desde las 20:00 horas, la plataforma online de RTVE ofrecerá la alfombra roja, comentada por los profesionales de RNE Daniel Galindo, Paloma Cortina y Olga Baeza, que entrevistarán a personalidades y artistas nominados.
RTVE, comprometida con las artes escénicas
RTVE acompañará la emisión de estos premios de contenidos ligados a las artes escénicas en sus distintos canales: en RNE, el programa ‘La Sala’, de Daniel Galindo, estará dedicado a estos premios. También informarán de esta edición de los Talía los espacios de Radio 5 ‘Dramedias’, con Paloma Cortina, y ‘A compás’, con Olga Baeza.
Y RTVE Play tendrá disponible su colección de ‘Imprescindibles del teatro’ con varias obras y documentales para disfrutar de las figuras clave de nuestro teatro, como José Sacristán o Concha Velasco, y de obras como la adaptación televisiva de ‘Cinco horas con Mario’, con Lola Herrera, entre otros muchos contenidos.
Nominaciones 2024
El tenor Josep Carreras ha sido reconocido en esta edición con el premio de Honor por su trayectoria profesional.
Además, entre los nominados están los actores Vicky Luengo, Raúl Prieto, Pedro Casablanc, Eduard Fernández, Lolita, Anabel Alonso, Pablo Derqui, Vicky Peña y Omar Ayuso.
Los musicales ‘El fantasma de la ópera’ y ‘The book of Mormon’ acumulan tres nominaciones cada uno. En la lírica destacan las nominaciones de Jorge de León, Xabier Anduaga, Alejandro Roy, Saioa Hernández, Sara Blanc y Ruth Iniesta; y en danza, La Veronal con ‘Firmamento’ y ‘Averno’ de Marcat Dance con Mario Bermudez y Catherine Coury.
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La historia real en la que se basa la película tiene como eje central la relación entre los hermanos Von Erich y la de éstos con un rígido y disciplinado progenitor, que parece empeñado en que todos y cada uno de ellos lleven a cabo el sueño que él no pudo cumplir: ser campeón de lucha libe. Las férreas directrices bajo las que gobierna el hogar familiar y las vidas de sus vástagos acabarán teniendo consecuencias desastrosas para todos.
A medida que avanza la película de Durkin, descubrimos que no es precisamente un retrato más sobre lucha libre. Las películas de wrestling o boxeo parecen ser marcos perfectos para hacer duras radiografías del alma humana, y ésta lo hace sin anestesia. Zac Efron ha llevado a cabo una de esas transformaciones que tanto gustan a la Academia, aunque sorprendentemente no ha sido recompensado por ello. La suya es sin lugar a dudas una actuación muy contenida que tiene la responsabilidad de sostener la trágica historia de esta familia. El personaje vivirá un infierno personal con la muerte de todos sus hermanos, uno tras otro, atravesando el dolor hasta encontrarse con la comprensión de lo que los llevó a todos hasta ese lugar tan oscuro. Pronto entendemos que los combates son lo de menos y que no estamos ante otra historia más de superación en la línea del sueño americano. Aquí se trata de otra superación, de transcender heridas muy profundas, y el cineasta nos guía por otros derroteros. Esto queda patente cuando asistimos a unas escenas de lucha rodadas de forma austera, sin ningún tipo de grandilocuencia, en ocasiones ejecutadas en toma única, e incluso mostradas en off mientras el cineasta coloca el foco en el drama familiar. A este respecto podríamos situar la cinta en las antípodas de un Toro salvaje (Martin Scorsese, 1980) y, de forma inevitable, un poco más en la línea de El luchador (Darren Aronofsky, 2008). Desgarradora es la escena en la que la madre interpretada por Maura Tierney observa el combate de Kevin con la mente puesta en la pérdida de su hijo David, y el director lo muestra de manera soberbia mediante el uso del espacio y a través de una multiescala en la que atisbamos, de forma fugaz y a lo lejos, a su hijo fallecido, desenfocado, remarcando con ello el vacío que ha dejado. Los espacios desangelados que rodean la casa familiar adquieren progresivamente más protagonismo y Durkin, maestro de la sutileza, consigue expresar visualmente la pérdida sirviéndose de escasos recursos.
La importancia de Texas como escenario apela también a una cierta mentalidad, más conservadora, que late especialmente a través del personaje del patriarca, encarnado aquí por un Holt McCallany en estado de gracia. La llave que enseña a sus hijos para reducir a sus adversarios en el ring parece aludir a la opresión que él ejerce sobre ellos, en lo que supone una muestra descarnada de los efectos que tiene la masculinidad tóxica. A este respecto cabría mencionar los diferentes matices que encontramos entre el título original de la cinta, La garra de hierro, y el que han elegido nuestros distribuidores patrios, El clan de hierro, que tiene una connotación más positiva y parece apelar a la encomiable relación entre los hermanos, seres luminosos que se apoyan incondicionalmente y que, a pesar de los intentos de su padre, no ceden a la competitividad que éste trata de inocularles. La madre, por su parte, vivirá también a la sombra de esta figura, conteniendo las lágrimas en los sucesivos funerales y haciendo comentarios desubicados y frívolos sobre su vestido, para tratar de no enfrentarse a una tristeza que la consume cada vez más. El viaje de esta mujer que, como todo en la película, está enmarcado dentro de la más absoluta sutileza, concluirá con un acto revolucionario al retomar una pasión artística que tanto ella como su marido dejaron atrás con su juventud.
En los apartados técnicos resulta encomiable el trabajo fotográfico de Mátyás Erdéli, responsable de títulos tan importantes como El hijo de Saul (László Nemes, 2015) o la anterior obra del director, The Nest (Sean Durkin, 2020), cuya carrera comercial fue eclipsada por la pandemia. Los cineastas parecen dialogar con la obra seminal de Tobe Hooper subrayando ciertos momentos de la historia con un enfoque que entronca con el cine de terror. No por casualidad, Durkin dice que hay algo de terror gótico en su historia. Y bien es cierto que el imaginario texano y, por extensión, de la América profunda, parece estar algo contaminado por ese american gothic que tan buenos títulos nos ha dado. Aquí, sin duda, se envía un mensaje sobre los peligros de esa opresión y la postal que se dibuja es desoladora. La música de Richard Reed Parry, líder de Arcade Fire, remata la jugada con un trabajo opresivo que apunta en la misma dirección y que contiene ecos de algunas colaboraciones de Howard Shore con David Fincher, en especial Seven (David Fincher, 1995).
