La trama empieza con los Minions buscando un amo al que servir. Porque amo al que sirven, amo con el que la lían, y terminan, sin quererlo, montando una de sus gamberradas de turno. Total, que acaban en Los Ángeles y ahí descubren el mundo del cine. A partir de ese momento se ponen a trabajar con un director que los lleva a lo más alto… hasta que irrumpe el cine sonoro, y ahí empieza su declive.

La película se divide en dos partes. En la primera, los Minions llegan a Hollywood y se cuelan en el cine mudo. Hay guiños a Chaplin, a Buster Keaton, a Méliès. Tiene sentido porque los Minions hablan su propio idioma, así que un mundo sin diálogos les viene que ni pintado.
El problema llega con el cine sonoro. De golpe el mundo cambia y ellos ya no encajan: no se adaptan, y el sistema los escupe casi de la noche a la mañana.

A partir de ahí la cosa se desmadra, como es ley en esta saga: los Minions se lanzan a hacer su propia película y terminan invocando monstruos que quieren acabar con el mundo. Aquí aparecen los guiños al terror clásico, a los monstruos de Universal, al cine negro… aunque todo pasado, otra vez, por el filtro de siempre: ruido, caos y chiste constante.

Y ahí, creo, está el desequilibrio de la película. Funciona mejor cuando se toma en serio su homenaje al cine que cuando vuelve a la fórmula de toda la vida. En la primera mitad hay intención, hay ritmo, hay incluso algo de sensibilidad cinéfila. En la segunda, sinceramente, vuelve el piloto automático.

Aun con eso, Minions & Monsters tiene su gracia en el intento de mirar atrás, jugar con la historia del cine y no limitarse a repetir la jugada de siempre. La recomiendo, es de esas películas que funcionan en familia. Los niños se van a reír con el caos de siempre, y los adultos van a pillar el guiño cinéfilo de la primera mitad, que está hecho con más mimo del que esperaba. Pocas veces una séptima entrega consigue que te apetezca ver la siguiente, y esta lo consigue.

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La película sigue a un sheriff que llega a cubrir un puesto en un pequeño pueblo de Minessota llamado Normal. En principio su papel es el de apaciguar pequeños altercados y trifulcas vecinales durante unas semanas mientras se elije al sustituto del fallecido sheriff anterior. Sin embargo, los aparentemente afables ciudadanos del Normal empiezan a comportarse de una forma extraña y sospechosa.

El principal problema de la película es que busca acercarse a unos referentes de los que nunca llega a estar a la altura. El tono y el paisaje nevado de la Minessota rural nos trasladan inevitablemente a la Fargo de los hermanos Coen, pero ni el humor ni los diálogos consiguen captar la magia del medio oeste que respiraban tanto el film de los Coen como la serie posterior. También hay algo de Arma fatal (Edgar Wright, 2007) en la comedia conspiranoica sobre la vida campestre, pero el guion no se atreve a ser tan irreverente y busca generar la carcajada a base de disparos a discreción. Y es que hay que darle a la película que cuando busca alejarse de estos grandes guiones y se centra en ser una película de acción bruta y desenfadada logra ser bastante entretenida.

Sin embargo, nunca consigue dejar atrás estos recursos narrativos que, lejos de elevar la calidad de la cinta, distraen de sus virtudes. Como si fuera el agente Cooper de Twin Peaks, el veterano sheriff deja llamadas perdidas a su exmujer que terminan por ser una voz en off sobre explicativa que, más que aportar a la narración, resulta redundante y algo obvia. Es más, el guion se toma la libertad de llamar a su personaje Ulises y Penny a su exmujer, en una referencia homérica que no acaba teniendo un sentido semántico en la trama.

Todo el Normal parece quedar bien descrito en su título y, a pesar de tener buenas intenciones si la vemos como una pieza palomitera y gamberra, no logra brillar en ninguna de sus facetas. Además de un guion que no explota las posibilidades cómicas de su premisa, nos encontramos un Bob Odenkirk que -aunque entregado a su rol protagonista– no tiene el carisma para cargarse la película a sus espaldas. En lo referente a los aspectos estéticos tenemos a Ben Wheatley en la dirección, que tiene una carrera muy curiosa que mezcla títulos experimentales (como su reciente fantasía multiversal Bulk (2025)) con obras de encargo que van de esta Normal a Megalodón 2: La fosa (2023). En esta película no parece tener la libertad para experimentar y se limita a divertirse con alguna que otra secuencia de acción ultraviolenta bien coreografiada.

Normal es una película que parece no saber cuales son sus virtudes y se apoya demasiado en referentes que terminan por hacerle sombra a la propia propuesta. Consigue ser gamberra por momentos y deja al espectador con ganas de haber visto menos construcción dramática y más cabezas explotando. No hay duda de que Bob Odenkirk está alejándose del fantasma de Saul Goodman y quizá, como su personaje en Normal, tenga que probar en lugares extraños para lograr empezar de nuevo.

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Basada en el cómic Supergirl: Woman of Tomorrow de Tom King y Bilquis Evely, la película se aleja del clásico relato de origen para construir una aventura espacial que mezcla western, ciencia ficción y drama emocional. Esto puede ser un golpe duro a DC como no le salga bien, siguen expandiendo este nuevo universo de DC para intentar demostrar que no todas sus historias tienen que seguir la misma estructura.

Milly Alcock ofrece una interpretación magnífica como Kara. Super divertida y lo mejor de la película sin duda, de lo poco rescatable…Su Supergirl está lejos de la serenidad casi mitológica de Superman. Es impulsiva, irónica, emocionalmente inestable y profundamente marcada por el trauma de haber visto morir Krypton siendo ya lo suficientemente mayor como para recordar todo lo que perdió. Esa es la pequeña diferencia entre ella y Clark Kent, uno creció como un ser humano, Kara nunca dejó de sentirse una extranjera. La película convierte esa condición de superviviente en el verdadero motor de su personaje.

Sin duda uno de los mayores errores de esta película , es el guion, es una historia muy simple, de esta forma, se podrían hacer miles de películas de superhéroes, visto así. Pero al menos, nos presentan a Kara como una heroína perfecta. Comete errores, actúa por impulsos y, en ocasiones, es de las únicas cosas buenas.

La relación entre Kara y Ruthye, la joven alienígena que la acompaña en busca de venganza, constituye el auténtico corazón de la historia, hasta ternura en momentos. Más que una película de superhéroes, Supergirl termina convirtiéndose en un relato sobre el duelo, la culpa y la dificultad de romper el ciclo de la violencia. Eso hace que sea más humana, Gillespie entiende que las mejores historias del género no hablan de poderes, sino de personas obligadas a decidir qué hacer con ellos.

Eso no significa que la película renuncie al espectáculo. Las escenas de vuelo, los combates espaciales y el diseño de criaturas hace que mole mucho más la película, mostrando personajes nunca vistos hasta el momento, aunque las comparaciones son odiosas, y comparándola a Superman, no tiene esa nivel de épico. Existe una clara voluntad de construir un universo con personalidad visual propia, y en buena medida lo consigue.

No obstante, Supergirl tiene problemas, el segundo acto acusa cierta irregularidad narrativa y algunos personajes secundarios aparecen únicamente para preparar futuras entregas del universo DC, el personaje de Lobo, está por estar, no cambia nada la trama, aparece en dos momentos , siempre mola ver a Jason Momoa en pantalla, pero si sobra, mejor no verle. Del mismo modo, el villano, es muy malo, y no por ser un gran villano, si no al revés, no podía haber peor villano, carece del desarrollo necesario para convertirse en un antagonista

Conclusión

Supergirl supone uno de los mejores comienzos posibles para la nueva etapa de DC. Emocional, visualmente ambiciosa y sostenida por una magnífica Milly Alcock, la película demuestra que todavía es posible hacer cine de superhéroes sin renunciar al desarrollo de personajes ni a la sensibilidad dramática

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Espero que veas cosas que te sorprendan, espero que sientas cosas que nunca hayas sentido, espero que conozcas a personas con otro punto de vista, espero que vivas una vida de la que te sientas orgullosa y si ves que no es así, espero que tengas la fortaleza de empezar de nuevo.

Si por algo se le conoce a David Fincher es que es uno de esos cineastas»“invictos», su filmografía es impecable. En esta ocasión vamos a hablar de una de sus películas que no podía dejar pasar en esta sección, por la huella tan profunda que dejó en mí desde el primer momento en que la vi.

El curioso caso de Benjamín Button es una historia de F.Scott Fitzgerald contada con una sensibilidad poco común, porque hay películas que no solo se ven, si no que se sienten, esta es una de ellas.

La historia de Benjamin es de un hombre que nace con el cuerpo de un anciano y rejuvenece con el paso de los años,  podría parecer un simple juego fantástico, Pero en realidad es algo mucho más profundo. Es una película que habla de la soledad y de lo difícil que es aceptar que la vida siempre avanza… aunque a veces nos gustaría detenerla.

La forma en la que David Fincher cuenta esta historia es profundamente delicada. No necesita grandes discursos. Le basta con una mirada, con un silencio, con la música que parece susurrar emociones.

Desde el punto de vista emocional, la película nos recuerda algo muy humano: que todos, de una manera u otra, luchamos contra el paso del tiempo.

Tal vez por eso El curioso caso de Benjamin Button duele un poco al verla. Porque en el fondo no habla de un hombre que vive al revés. Habla de todos nosotros, intentando entender cómo vivir mientras el tiempo sigue avanzando.

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La cinta superó así el récord que ostentaba Stanbrook, con siete premios en 2021, consolidándose como el gran fenómeno de esta edición. Además de llevarse el galardón a Mejor Cortometraje, Montecarlo 67 triunfó también en Mejor Dirección, Mejor Interpretación Masculina para Carlos Santos, Dirección de Producción, Dirección de Fotografía, Dirección de Arte, Vestuario y Maquillaje y Peluquería.

El cortometraje reconstruye desde la ficción un episodio singular del audiovisual: el encuentro en el Festival de Televisión de Montecarlo de 1967 entre Narciso Ibáñez Serrador, Pilar Miró y un joven Steven Spielberg. A partir de ese punto de partida, la obra convierte aquel momento en una comedia cinéfila que reflexiona sobre la vocación, el reconocimiento y las dinámicas de una industria marcada por la competencia, pero también por la admiración mutua.

Más allá del dominio de Montecarlo 67, el palmarés dejó espacio para otras producciones destacadas. In memoriam, Señuelo y Chicken Jazz consiguieron dos galardones cada una, confirmando el alto nivel de la competición. El guion de In memoriam, firmado por Teresa Bellón y César F. Calvillo, fue reconocido como el mejor del año, mientras que Cristina Soria obtuvo el premio a Mejor Interpretación Femenina por su trabajo en el mismo cortometraje.

Por su parte, Señuelo dio la sorpresa al imponerse en Mejor Dirección Novel, para Martha García Ayerbe, además de conquistar el premio a Mejores Efectos Visuales. Chicken Jazz, en cambio, destacó en el apartado técnico y sonoro al alzarse con los premios a Mejor Sonido y Mejor Banda Sonora.

En las categorías específicas por formato, El fantasma de la quinta fue distinguido como Mejor Cortometraje de Animación, mientras que Abril, hoy no es invierno obtuvo el reconocimiento a Mejor Cortometraje Documental y Baile con la muerte se llevó el premio a Mejor Cortometraje Breve.

El carácter internacional de los Fugaz también volvió a estar presente en esta edición. La Barbarie, procedente de México, fue reconocida como Mejor Cortometraje Hispanoamericano, mientras que Los murciélagos han abandonado el campanario se impuso en la categoría de Mejor Cortometraje de Escuela. El premio a Mejor Largometraje recayó en Sorda, una de las películas españolas más celebradas del último año.

Uno de los momentos más emotivos de la noche llegó con la entrega del Premio Fugaz de Honor a Álex de la Iglesia. El cineasta fue homenajeado por una trayectoria que comenzó en el cortometraje con Mirindas asesinas y que, con el paso de las décadas, lo ha consolidado como una de las voces más personales y reconocibles del cine español. El galardón reconoció especialmente su capacidad para conectar con el gran público sin renunciar a una identidad autoral marcada por el humor negro, la sátira y una mirada radicalmente libre.

Samuel Rodríguez, codirector de CortoEspaña, subrayó el crecimiento del certamen y el peso creciente del formato corto dentro del sector audiovisual. “Cumplir 10 años nos permite mirar atrás y comprobar hasta qué punto el cortometraje español ha cambiado, ha crecido y ha ganado ambición”, señaló. Rodríguez recordó además el espíritu fundacional de los premios: “Los Fugaz nacieron para darle al corto el lugar que merecía dentro de la industria, no como un paso previo ni como una categoría secundaria, sino como una forma de cine con lenguaje propio”.

La gala, presentada nuevamente por el actor y ventrílocuo Jaime Figueroa, contó con la presencia de numerosos rostros del audiovisual español, entre ellos Toni Acosta, Laura Galán, Mabel Lozano, Luisa Gavasa y Sofía Otero, entre otros.

Con esta décima edición, los Premios Fugaz reafirman su posición como el principal escaparate del cortometraje español y como un termómetro privilegiado para medir el talento emergente y consolidado del audiovisual nacional. Más que una antesala del largometraje, el corto se confirma año tras año como un territorio creativo propio, donde algunas de las miradas más libres, arriesgadas y necesarias del cine español encuentran su mejor espacio.

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Madrid presentó oficialmente Platino Clásicos, el nuevo festival dedicado al cine clásico restaurado iberoamericano que celebrará su primera edición en 2027 y que nace con la ambición de convertir la capital en un punto de referencia internacional para la preservación y exhibición del patrimonio audiovisual en español y portugués. Impulsado por EGEDA y la FIPCA, con el respaldo del Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid, el proyecto apuesta por recuperar la experiencia colectiva del cine y devolver los grandes clásicos a la gran pantalla.

La actriz Cayetana Guillén Cuervo fue la encargada de conducir la presentación, destacando el componente emocional y cultural de una iniciativa que busca reconectar al público con la memoria audiovisual compartida. Durante su intervención recordó que el festival pretende devolver al cine su dimensión popular y colectiva, subrayando que “hoy comienza la cuenta atrás hacia Platino Clásicos, que será el mayor festival del cine restaurado de Iberoamérica”.

Como anticipo de lo que será esta nueva cita cultural, la Plaza Mayor de Madrid acogerá la proyección de dos títulos esenciales del cine español, El verdugo y Cría cuervos, dos obras que ejemplifican el valor patrimonial que el certamen quiere poner en primer plano.

El presidente de EGEDA, Enrique Cerezo, defendió la necesidad de preservar un legado cinematográfico que, en muchos casos, corre el riesgo de deteriorarse o desaparecer. Según explicó, “cada año desaparecen, se deterioran o caen en el olvido centenares de obras maestras”, razón por la que Platino Clásicos nace no solo para conservar esas películas, sino para “devolver estas joyas al lugar donde verdaderamente pertenecen: la gran pantalla”. Cerezo enmarcó además el festival dentro del crecimiento del universo Platino, que ya incluye iniciativas como los Premios Platino o Platino Industria.

Uno de los objetivos clave del festival será ampliar su impacto más allá del centro de Madrid y llevar las proyecciones y actividades a otros municipios de la región. En ese sentido, el consejero de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, Mariano de Paco Serrano, aseguró que el proyecto aspira a convertirse en “el gran festival de cine que necesitaba Madrid”. El consejero subrayó además que la región reúne todos los elementos necesarios para albergar una cita de esta magnitud: industria, espacios emblemáticos y una creciente apuesta institucional por el sector audiovisual.

Platino Clásicos

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La dimensión experiencial del cine fue otro de los grandes temas de la presentación. La delegada de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, Marta Rivera de la Cruz, reivindicó el valor casi ritual de acudir a una sala frente al consumo individual en plataformas. Según señaló, aunque las nuevas tecnologías han facilitado el acceso a las películas, “también se están llevando por delante el encanto de ir al cine”. Para Rivera de la Cruz, la liturgia de compartir una proyección —la oscuridad, el silencio y la emoción colectiva— sigue siendo una parte esencial de la experiencia cinematográfica. 

La dimensión iberoamericana del certamen también estuvo muy presente durante el acto. El presidente de honor de FIPCA, Adrián Solar, puso en valor el legado cinematográfico de países como México, Argentina y Brasil, recordando movimientos fundamentales como la época dorada del cine mexicano, la edad de oro del cine argentino o el Cinema Novo brasileño. Solar también destacó la labor histórica de las cinematecas y archivos que han permitido conservar buena parte de ese patrimonio.

Inspirado en modelos internacionales como Il Cinema Ritrovato, celebrado en Bologna, Platino Clásicos quiere consolidar a Madrid como un puente natural entre Europa y América Latina a través del cine restaurado. La iniciativa amplía así el alcance del ecosistema Platino y refuerza una idea central: proteger el patrimonio audiovisual no responde únicamente a la nostalgia, sino también a la necesidad de garantizar que futuras generaciones puedan descubrir y disfrutar películas que siguen plenamente vivas.

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Lejos de plantear un relato de buenos y malos, Moll construye una historia que invita a observar la complejidad de un conflicto que sigue muy presente en la sociedad francesa. Con motivo de su estreno en España, el cineasta reflexiona sobre la herencia de los chalecos amarillos, la necesidad de entender todas las perspectivas implicadas y el papel que puede desempeñar el cine a la hora de generar debate.

Dominik estás en España por tu última película, Caso 137 donde te adentras dentro de un caso de abuso policial durante la famosa marcha de los chalecos amarillos ¿Cómo surge la idea de la película? Porque al final han pasado ya casi siete años, ¿por qué eliges en este momento para estrenarla?

Lo que me interesaba era hablar de la problemática del mantenimiento del orden, de las violencias policiales. Pero en esa época, cuando escribí el escenario, había otras manifestaciones, otras con también manifestantes heridos. Fueron las manifestaciones contra la reforma de las pensiones y jubilación.

Pero yo sí que quería aprovechar el filme para revisitar la época de los chalecos amarillos, precisamente porque no hablábamos de ello. Es un movimiento que duró casi un año, que realmente secó a Francia y rompió el poder político, y que era la expresión de problemas reales, de fracturas sociales, de fracturas entre París y la provincia, etc. Y después hubo la COVID, que fue como un golpe de esponja que rompió todo, y después es como si eso nunca hubiera existido, mientras que los problemas siempre estaban presentes.

Y eso me llamó la atención, y pensé que sería bueno aprovechar este filme para situar la acción en el momento de los chalecos amarillos y así poder hablar de este movimiento. Bueno, empiezo a interesarme, a escribir esto en el 2023, hace cuatro años. ¿Y por qué? ¿Qué es lo que me interesaba? Bueno, primero porque quería hablar de este fenómeno, y es un movimiento que es verdad, que es cuando explota, y de repente ya empezamos a hablar de la diferencia, la ruptura entre París y el resto del país, la gente que vive en el campo, que no nos escuchan, se empieza a hablar de ese problema. Pero no es del movimiento, sino todo lo que hay alrededor.

Es una película que engloba muchos temas, muchos aspectos. Un pueblo manifestándose contra su gobierno porque considera que hay injusticias, ese abandono fuera de lo que es la capital. Muestra de esa tensión social que al final se puede ver en muchos países de Europa. También habla de esa disyuntiva que tenemos en la sociedad de sentirnos protegidos por las fuerzas del orden, pero muchas veces esas fuerzas del orden se exceden.

Sí, claro. También hay otras cosas muy interesantes. En la sociedad queremos sentirnos protegidos por la policía, nuestros derechos, nuestra libertad, que podamos viajar donde queramos, hacer lo que queramos, pero de repente nos damos cuenta de que quizás los métodos no son así y no estamos contentos.

Y hay casos, como vemos aqui, aunque no sean verdaderos casos, pero hay casos en los que necesitamos un apoyo contra eso. ¿Cómo es que… estos son temas tan difíciles de hablar? también mostrar la complejidad de todas estas cuestiones.

Primero, la importancia es documentarse, saber de qué hablamos e intentar comprender los puntos de vista de todo el mundo. No quiere decir, necesariamente, que los adoptemos o los defendamos, pero al menos entenderlos. Y es a partir de ahí que podemos construir una historia que pueda mostrar lo que funciona, pero también lo que no funciona.

Sí, tienes razón. Esa dualidad es muy, muy complicada para hablar de ello de una forma serena, si quieres. Entonces creo que lo que realmente hay que hacer es documentarse muchísimo, muchísimo, y ver el punto de vista del otro. Mostrar todos los puntos de vista, y así sí que puedes presentar un tema tan peligroso y tan actual y tan real en nuestra sociedad que solamente a través de hacer eso, de documentarse y de no querer imponerlo.

Durante la película la brigada que está siendo investigada justifica sus actos ante la protección de la República, para detener la insurrección, pero también la actitud de los manifestantes es que ante la injusticia que está viendo, parece que todo vale. Ahora se ha visto con la celebración de la Champions en París pues algunos toman un actitud, amparándose en la celebración, de todo vale. Pero ¿Hasta qué punto el fin justifica los medios?

Veamos el último ejemplo, que no tiene nada que ver con el filme y con el PCG, pero parece que es una celebración y parece que les encanta eso, desmantelar. Entonces ahí se utiliza la fuerza ¿hasta qué punto se puede hacer eso o no se puede hacer eso? Porque también es proteger la república de los “desmanteladores”, de los que solo quieren hacer eso. Entonces… Creo que… Bueno, primero hay una cuestión de vocabulario, porque en Francia hablamos mucho del hecho de que el Estado tiene el monopolio de la violencia legítima. Para mí el término de violencia legítima es muy problemático, porque la violencia para mí es algo que no está controlado y la policía debe estar en control.

Entonces, cuando hablamos de la fuerza, de la utilización de la fuerza legítima, eso me parece justo y necesario, porque obviamente hay situaciones en las que la policía debe intervenir y utilizar la fuerza, pero hablar de violencia legítima ya me parece problemático. Tal vez puedas traducir eso. Si hablas de la fuerza legítima, eso ya es otra cosa, porque el gobierno tiene que estar en control y la policía también tiene que saber hasta qué punto puede llegar.

Utilizar violencia legítima es horrible como concepto. Fuerza legítima. La violencia que sucedió durante las celebraciones después de la final de la Champions League no son todos los fans y todos los que hicieron la fiesta que rompieron todo.

Son grupos que fueron violentos y contra los que hay que actuar. No justifico absolutamente ninguna de esas violencias, pero también hay que tener cuidado de no generalizar y presentar eso como si todos los fans de fútbol eran hordas de salvajes que solo esperaban una cosa, que era romper todo. Yo condeno toda violencia, hay que controlarlas lógicamente.

Otro aspecto importante que hay que entender es que la propia policía tiene sus código donde se recoge muchos de estos aspectos.

En Francia, en todo caso, en el código de deontología de la policía, se dice que la policía debe actuar o utilizar la fuerza teniendo en cuenta el principio de necesidad y proporcionalidad. Y eso es algo muy importante y que hay que respetar. Y cuando no se respeta, y cuando hay expresión de violencia gratuita que sucede de vez en cuando en algunos policías, hay que sancionar eso. Es verdad, por la razón que sea o porque un policía puede ser violento o se ve envuelto en unos acontecimientos que salen un poco de control que ocurren otros actos violentos por parte de ellos y es así que hay que investigarlas y hay que tratarlas.

Y para terminar ¿qué reflexión te gustaría que el espectador se llevase?

Bueno, lo que espero es que la gente que se dijera antes de ver el filme todos los policías son bastardos y la gente que se dijera todos los manifestantes son bastardos, yo creo que he intentado ir hacia la comprensión de las cosas, es un primer paso hacia un diálogo posible. Esto no va de buenismo para nada porque esto es un problema real como dices, en el mundo entero y entonces lo primero que hay que hacer es nombrar el problema y luego para poder intentar encontrar soluciones hay que tener discusiones en la sociedad y para entender el de enfrente entender el otro y así por lo menos una vez que empecemos a entender el otro y ponernos en su sitio podemos llegar a acuerdos y a soluciones de este problema que es mundial como dices.

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Si algo ha demostrado Pixar a lo largo de los años es su capacidad para adaptarse a los tiempos sin perder su esencia. Toy Story se estrenó en 1995 y, sin embargo, esta nueva entrega mantiene intacto el espíritu que enamoró a toda una generación, al tiempo que incorpora elementos actuales con los que tanto padres como niños se sentirán identificados.

Woody, Buzz Lightyear, Jessie y el resto de la pandilla se enfrentan a un nuevo desafío cuando conocen a Lilypad, una tablet con ideas propias sobre lo que considera mejor para Bonnie. Pero ¿puede una máquina decidir qué necesita una niña? ¿O acaso no está la tecnología diseñada para captar nuestra atención durante el mayor tiempo posible?

La película también plantea una comparación inevitable entre las infancias de antes y las de ahora. Antes los niños pasaban horas jugando con juguetes, inventando historias y creando mundos imaginarios. Hoy, desde edades muy tempranas, tienen acceso a móviles y tablets, algo que puede hacer que quienes no lo tienen se sientan diferentes o incluso excluidos.

Precisamente ahí entra otro de los grandes temas de la película: el acoso escolar. Bonnie es objeto de burlas por parte de otras niñas por seguir jugando con juguetes. Lo que ellas no ven es que esa capacidad para imaginar, crear historias y divertirse de una forma distinta la convierte en alguien especial.

En esta nueva entrega, Jessie adquiere mucho más protagonismo. Como ya ocurría en películas anteriores, sigue arrastrando su miedo al abandono, a que su niña deje de necesitarla y termine olvidándola. Sin embargo, a diferencia de Lilypad, Jessie comprende lo que realmente necesita Bonnie y está dispuesta a hacer cualquier cosa para ayudarla.

Convencida de que lo mejor para ella es encontrar una amiga de verdad, de esas que te aceptan tal y como eres, se esconde en una maleta para asistir a una fiesta de pijamas. Pero nada sale según lo previsto y, tras las burlas de varias niñas, Bonnie decide que no quiere que Jessie se quede.

Después de perderse, una pareja de ancianos encuentra a Jessie en la calle y descubre en su ropa la dirección de Emily, su antigua dueña. Así comienza el regreso a la casa de su infancia, donde tendrá la oportunidad de reconciliarse con su pasado.

Entre las subtramas destaca la relación entre Buzz Lightyear y Jessie. Buzz está enamorado de ella y la película juega constantemente con la posibilidad de que, por fin, reúna el valor para declararse. Además, la misión que emprenden los juguetes está repleta de momentos muy divertidos y emocionantes.

Y entre los nuevos personajes, Buen Rollito se ha convertido en una de mis incorporaciones favoritas.

Si tengo que señalar un aspecto negativo, sería una práctica cada vez más habitual en este tipo de producciones: recurrir a celebridades para el doblaje de personajes que ya tienen el éxito asegurado. En esta ocasión participan figuras como Bizarrap o Bad Bunny, algo que me hace preguntarme por qué no se apuesta más por actores y actrices de doblaje profesionales. Existe muchísimo talento en esa industria y sería una buena oportunidad para dar visibilidad a nuevas voces que han dedicado su carrera a este oficio. Cada uno en su industria.

Más allá de este detalle, Toy Story 5 es una película nostálgica y muy divertida. Una historia que habla sobre la amistad, la imaginación, el miedo a quedarse atrás y los desafíos de crecer en un mundo cada vez más dominado por las pantallas. Pixar vuelve a demostrar que sabe entretener a los más pequeños sin olvidar a quienes crecimos junto a Woody, Buzz y compañía. Sin duda, una película que recomiendo y que merece ser disfrutada en la gran pantalla.

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Paralelamente, Daniel Kellner (Josh O’Connor), ex-trabajador de la empresa ya nombrada y genio de las matemáticas, tiene entre manos una información audiovisual sobre la existencia y convivencia de los humanos con extraterrestres que marca un antes y un después en la historia de la humanidad. ¿Qué tienen en común Margaret y Daniel? Varias cosas: los dos son perseguidos por Noah Scanlon (Colin Firth) y su equipo, jefe de la empresa de inteligencia que tiene como misión “proteger a la humanidad” evitando que toda la información clasificada sobre extraterrestres se filtre, también tienen en común que ambos son guiados por Hugo Wakefield (Colman Domingo), jefe de una empresa de inteligencia con unos ideales completamente opuestos a la anterior, tanto Fairchild como Kellner tienen poderes sobrenaturales que les ayudan a comunicarse con los extraterrestres, un secreto compartido y el destino de la humanidad en sus manos.

Primero he de decir: gracias Spielberg. Ahora que ya he mencionado eso, solo puedo decir lo agradable, rara y terrorífica que es esta película, consiguiendo dejar un sabor de boca de lo más emocional, y ligeramente nostálgico a los fanáticos del director debido a su constante bombardeo de referencias sin llegar a ser cansado.

Es necesario recalcar esto último que he dicho, Spielberg crea un mundo nostálgico que nos recuerda mucho a sus antiguas películas, pero aún así consigue mantener un ambiente moderno y novedoso que no aburre ni lo más mínimo.

El día de la revelación tiene una elección destacable de actores, música y decorado que van al compás de un guion con temática intrigante y desarrollo rápido y activo que no teme apelar a los sentimientos de vez en cuando, en otras palabras, esta película es digna de verla una, dos, tres o más veces, no necesita mucha “review” o consejo, pero si tu no te sientes igual, el consejo es que si la ves, no te arrepentirás, prometido.

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La encargada de abrir el acto fue Elisa Carbonell, consejera delegada de ICEX España Exportación e Inversiones, quien destacó la evolución de una iniciativa que nació con la intención de encontrar una forma diferente de promocionar el audiovisual español en el exterior. “Queríamos hacer algo diferente. Qué mejor manera de hablar del audiovisual español que dejar al audiovisual español mostrar su potencial, su creatividad y su excelencia”, señaló.

Carbonell recordó que el primer cortometraje impulsado por el programa obtuvo una destacada trayectoria internacional y confirmó la viabilidad de una propuesta que apostaba por la creatividad como herramienta de promoción exterior. “Ese corto cosechó muchísimos premios internacionales y a nosotros nos quitó el miedo. Había que seguir apostando por el talento”, afirmó.

La edición de este año amplía la apuesta con tres piezas audiovisuales que ponen en diálogo distintas disciplinas artísticas. Una de ellas es La Tarara, dirigida por Nicolás Méndez y protagonizada por la actriz Bárbara Lennie junto al diseñador Palomo Spain. Ambos participaron en la presentación y destacaron el carácter colaborativo del proyecto.

Para Lennie, el atractivo de la propuesta residía precisamente en el encuentro entre creadores procedentes de ámbitos distintos. “Lo más interesante para cualquiera que se dedica a algo creativo es el encuentro con otros que aportan, cuestionan y hacen crecer”, explicó. La actriz destacó además el ambiente de trabajo generado durante el rodaje, marcado por la voluntad compartida de construir una historia común a partir de sensibilidades diversas.

Por su parte, Palomo Spain confesó haberse sentido inicialmente como “un absoluto intruso” compartiendo pantalla con intérpretes de la trayectoria de Lennie, aunque valoró especialmente la oportunidad de salir de su zona de confort. El diseñador reivindicó la importancia de la observación y la inspiración entre disciplinas artísticas y subrayó que su trabajo está profundamente conectado con el cine, la música o las artes visuales.

La conversación derivó hacia el momento de reconocimiento internacional que atraviesa la cultura española. Palomo defendió que su generación ha sabido recuperar elementos tradicionalmente asociados al folclore o a lo castizo para reinterpretarlos desde una mirada contemporánea. “Hemos vuelto a mirar a la raíz con ojos nuevos”, aseguró, celebrando que la creatividad española atraviese actualmente una etapa especialmente fértil tanto en el cine como en la moda, el diseño o la música.

Otra de las piezas presentadas fue el cortometraje dirigido por la cineasta Carla Simón, centrado en el flamenco como patrimonio cultural vivo. Entre sus participantes se encontraba la bailarina y coreógrafa Florencia Oz, quien describió la experiencia como un reto artístico singular debido a la convivencia entre profesionales del escenario y del lenguaje cinematográfico.

Oz reconoció que gran parte del equipo procedía del ámbito de la danza y el teatro, por lo que trabajar bajo la dirección de una cineasta como Simón supuso un desafío enriquecedor. “Intentábamos ser lo más fieles posible a lo que Carla quería transmitir”, explicó. La artista valoró especialmente la oportunidad de llevar el flamenco más allá de sus espacios habituales y proyectarlo hacia nuevas audiencias.

La bailarina también reivindicó la dimensión internacional de este arte. Residente en Sevilla y nacida en Chile, recordó cómo durante años muchas personas se sorprendían al descubrir su dedicación al flamenco. Para ella, esa reacción demuestra la enorme capacidad de atracción de una manifestación cultural que trasciende fronteras desde hace décadas.

Audiovisual from Spain

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Durante el encuentro también se puso sobre la mesa la transformación que ha experimentado la percepción de la cultura española en los últimos años. Bárbara Lennie consideró que el actual reconocimiento internacional del cine español es el resultado de décadas de trabajo colectivo y de una progresiva consolidación industrial. 

“Durante muchos años se cuestionó el cine español desde un lugar de desprestigio”, afirmó la actriz, quien defendió que el prestigio actual de la cinematografía nacional es consecuencia directa del esfuerzo de profesionales, instituciones y productores que han sostenido proyectos muchas veces en condiciones difíciles.

La intérprete también destacó que el talento necesita estructuras capaces de apoyarlo y hacerlo visible. En su opinión, los éxitos recientes del cine español en festivales internacionales responden tanto a la calidad artística de las obras como a la existencia de redes de financiación, coproducción y promoción que permiten que esas historias alcancen una mayor proyección.

Con esta nueva edición de Audiovisual from Spain – Where Talent Ignites, ICEX refuerza una estrategia que apuesta por utilizar el propio talento creativo español como mejor carta de presentación internacional. Una iniciativa que, según sus impulsores, busca demostrar que el audiovisual puede convertirse en un escaparate privilegiado para mostrar la riqueza cultural, artística y creativa de España al mundo

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