El volumen recopila cuatro números originales, con dos relatos por entrega y apenas diez páginas para desarrollar cada historia. Y ahí empieza el problema: la mayoría de las propuestas se quedan en una buena idea que termina antes de haber conseguido interesarnos. Falta desarrollo, sobran desenlaces apresurados y el terror rara vez consigue incomodar.

Tres historias que sí merecen la pena

Entre tanta irregularidad encontramos tres relatos que merecen atención. «Amanecer cthoniano», de Francesco Francavilla, enfrenta a Batman a una amenaza vegetal que transforma a los humanos en criaturas monstruosas. Su horror biológico y, especialmente, el dibujo de Francavilla, con sus rojos y amarillos enfermizos, convierten esta historia en la joya visual del volumen.

«Mundo en incubación», de Patrick Horvath, lleva a Adam Strange al terreno de la ciencia ficción grotesca, con un horror corporal que recuerda al imaginario de Junji Ito. Una plaga alienígena desencadena una pesadilla de mutaciones corporales, tentáculos y carne deformada. Es desagradable, excesiva y precisamente por eso funciona. Además, nos permite ver reunida, aunque solo sea por instante, a la Trinidad de DC: Superman, Batman y Wonder Woman.

La tercera excepción es «El diamante contraataca», de Patton Oswalt y Jordan Blum, con dibujo de Danny Earls. Catwoman queda atrapada en una existencia aparentemente perfecta que se desmorona una y otra vez por culpa de un diamante maldito. Una historia de humor negro, más cercana a En los límites de la realidad que al terror convencional, que resulta tan ingeniosa como divertida y cuenta con uno de los mejores finales de toda la antología. ¡No es una broma asesina!

Lo verdaderamente terrorífico son los 21 euros

La portada vende mejor el cómic que sus páginas interiores. Se agradece encontrar personajes menos habituales del Universo DC, pero tres buenos relatos entre ocho son un balance demasiado pobre.

El problema se agrava cuando miramos el precio: 21 euros por un tomo de 104 páginas, con unas 80 dedicadas a las ocho historias. Las portadas alternativas y el material complementario pueden interesar a los coleccionistas, pero cuesta justificar semejante desembolso por una lectura tan irregular.

¿Para quién merece la pena? Probablemente para los completistas y quienes sufren ese FOMO editorial que lleva a comprar cualquier novedad de DC, especialmente después del cierre de ECC Cómics y la llegada de Panini.

Por mi parte, esta compra me ha enseñado que debo ser más selectivo. DC Horror Presents… tiene tres historias que he disfrutado, pero el conjunto resulta demasiado flojo para recomendarlo.

Al final, lo que más miedo da no está en las páginas del cómic, sino en mirar el recibo de compra.

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Dirigida por Kim Dong-chul, la película adapta el universo de Toemarok, la saga literaria de Lee Woo-hyeok, que ha vendido más de diez millones de ejemplares. Y, como deja claro su título, estamos ante una historia concebida para tener continuidad, algo que acaba condicionando buena parte de lo que vemos en pantalla.

La historia sigue al padre Park, un sacerdote expulsado de la Iglesia por practicar exorcismos prohibidos, que recibe el encargo de proteger a Juno, un joven con extraordinarios poderes espirituales. En su camino aparecen misteriosos guardianes, demonios y una mitología que mezcla diferentes tradiciones religiosas.

El catolicismo convive con el folclore coreano, el chamanismo y el budismo, dando forma a unos guardianes con habilidades y motivaciones diferentes. Esta mezcla de creencias ofrece algunas de las ideas más atractivas de la película, pero sus responsables parecen tener tanta prisa por presentar este universo que apenas nos dejan tiempo para conocerlo. El pasado del padre Park merecería mayor desarrollo, al igual que la relación de Juno con los guardianes o las distintas religiones que dan forma a este peculiar grupo.

En ocasiones parece que estamos viendo el resumen de una historia mucho más extensa, con personajes que aparecen, muestran sus poderes y continúan adelante sin que lleguemos a conocerlos lo suficiente. El resultado es una película que por momentos parece un largo prólogo de futuras entregas, con una trama que termina resultando algo caótica y que pierde fuerza entre tantas explicaciones y nuevos personajes.

La acción y la animación compensan sus carencias

Donde Crónicas de exorcismo: El comienzo convence es en su apartado visual. Las secuencias de acción son espectaculares, con enfrentamientos sobrenaturales, criaturas inquietantes y combates que recuerdan más al anime de fantasía oscura que al cine tradicional de exorcismos. Su animación utiliza una estética híbrida en 2D y 3D, con una paleta de tonos oscuros y fríos, con colores muy saturados. que recuerda por momentos a la serie Arcane, mientras que algunos escenarios y diseños parecen inspirados en la estética de videojuegos como Elden Ring o Dark Souls.

Especialmente llamativos resultan los enfrentamientos entre los guardianes y las criaturas demoníacas, donde la película despliega buena parte de sus recursos visuales. Los combates ganan espectacularidad conforme avanza la película, aunque no siempre mantienen la misma fluidez en sus movimientos.

De los exorcismos a las batallas de anime

Lo curioso es que una película que comienza jugando con las posesiones demoníacas y las distintas tradiciones religiosas termina entregándose a unos combates cada vez más desmesurados. El clímax del tercer acto se alarga en exceso, alejándose del terror sobrenatural y acercándose al estilo de las batallas clásicas de animes como Bola de Dragón y Naruto. No deja de resultar llamativo que, después de dedicar buena parte de la película a explicarnos el origen y los poderes de sus personajes, el enfrentamiento final encuentre tiempo para prolongarse bastante más de lo necesario. Esa duración habría venido muy bien para profundizar en algunas de las relaciones que se presentan durante la historia.

La sensación al terminar es que hemos conocido a los protagonistas de una historia que apenas acaba de comenzar, aunque quizá habría sido preferible disfrutar de una primera aventura más cerrada antes de empezar a pensar en sus secuelas.

Personalmente, me quedo con sus guardianes, con el conflicto interior del padre Park y con esa mezcla de religiones, demonios y acción fantástica que la diferencia de otras propuestas. Me gustaría ver una segunda entrega, aunque también espero que sus responsables se tomen las cosas con más calma y dediquen más tiempo a desarrollar unos personajes que tienen bastante más que ofrecer.

PD. Ojo con abandonar la sala cuando comiencen los créditos. Al más puro estilo del UCM, la película incluye una escena adicional que amplía todavía más las posibilidades de este universo y apunta hacia lo que podría venir después.

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Un Rey Depredador, equipado con un arsenal de vibránium y con la ayuda de un aliado humano, convierte la Tierra en su particular coto de caza. Los Vengadores y La Patrulla-X están entre sus objetivos, en una ofensiva que amenaza con acabar con todo el Universo Marvel.

La propuesta de Benjamin Percy es sencilla y no pretende complicarse demasiado. Estamos ante una lectura directa, entretenida y de ritmo frenético, que sigue el estilo de otras propuestas anteriores como Deadpool mata al Universo Marvel. Sus cinco números americanos se leen prácticamente de una sentada, sin apenas tiempo para detenerse en explicaciones o profundizar en sus personajes.

Al tratarse de una historia ajena a la continuidad habitual de Marvel, no requiere grandes conocimientos previos. Sin embargo, este volumen cierra el tríptico de enfrentamientos de Predator con Lobezno, Black Panther y Spider-Man publicados anteriormente también por Panini, por lo que algunas referencias pueden resultar confusas si no se han leído las entregas anteriores.

Su mayor virtud es precisamente esa capacidad para ir al grano, ofreciendo una sucesión constante de acontecimientos sin perderse en rodeos. No destaca por su originalidad, porque las invasiones de la Tierra y las amenazas apocalípticas llevan décadas formando parte del universo Marvel, pero tampoco lo necesita para cumplir su principal objetivo: entretener.

El problema es que cinco números resultan insuficientes para abarcar a tantísimos personajes. La historia avanza tan deprisa que muchas muertes importantes ocurren de forma precipitada o directamente fuera de la viñeta. Y ahí es donde el cómic desaprovecha buena parte de su potencial. En lugar de disfrutar de grandes enfrentamientos entre los Yautja y los héroes de Marvel, en ocasiones tenemos la sensación de asistir a una simple lista de bajas.

El apartado gráfico cumple sin estridencias, acompañando correctamente la acción y la violencia, aunque tampoco consigue aportar ese elemento diferenciador que permita recordar la obra más allá de su lectura.

Sobreexplotación de los iconos que nos hicieron pasar miedo

Cuando en su momento, Disney compró Fox, en el fondo éramos conscientes de que la empresa del ratón iba a explotar de todas las maneras posibles las propiedades intelectuales propiedad de la mítica compañía. Desde Indiana Jones, pasando por el xenomorfo de Alien hasta acabar con Predator, los iconos del cine de los 80 «debían» ser explotados de todas las formas posibles. En el caso de los cómics, a través de Marvel Cómics, tanto Alien como ahora Predator se han integrado el universo de los héroes de la Casa de las Ideas, con mejor o peor suerte.

En ocasiones, el FOMO por no perderse nada de lo que se está publicando cada mes, puede llevarte por caminos de frustración, como ha sido mi caso con Predator mata al Universo Marvel o lo fue hace unos meses con Predator vs. Spiderman. Historias que incitan tu curiosidad motivada por la nostalgia, pero que por si solo solo constituyen un entretenimiento pasajero sin chicha.

Esperemos que Disney/Marvel no agote la gallina de los huevos de oro, y sea capaz de sacar más proyectos como la estupenda cinta de animación Predator: Asesino de asesinos, que se convirtió en un oasis frente tanta mediocridad. Mientras tanto, puede que el FOMO vuelva en 2027 con el crossover previsto entre Marvel y Star Wars (La Guerra de las Galaxias para los más veteranos) con motivo del 50 aniversario de la saga galáctica. Anunciada su publicación para el mes de enero de 2027 en Estados Unidos (aquí llegará más adelante), Star Wars/Marvel: Hope Assembles constará de 6 números, y tendrá la firma de Kevin Smith y el dibujo de David Márquez. ¡Veremos!

En definitiva

Predator mata al Universo Marvel es un entretenimiento sangriento, acelerado y bastante olvidable, que funciona mejor como pasatiempo que como una historia capaz de dejar huella. Una lectura especialmente recomendable para los seguidores de Predator, de la banda sonora de Alan Silvestri, los aficionados al gore y quienes disfrutan con ese particular género de las masacres de universos. Si no es vuestro caso, mejor pasad de largo. ¡Será por lecturas!

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Uno de los mayores aciertos de la novela está precisamente en esa ambientación. Germania no funciona únicamente como escenario, sino casi como otro personaje: oscura, imprevisible y amenazante. A través de exploradores auxiliares, oficiales, supervivientes de la catástrofe y una sanadora germana, la historia ofrece distintos puntos de vista mientras mantiene un ritmo marcado por la tensión y la sensación constante de peligro.

Pero El bosque sombrío. Sobrevivir a Teutoburgo no se limita a encadenar combates. La novela dedica espacio a explicar cómo funcionaba el Ejército romano, desde su cadena de mando hasta la logística de los campamentos o el papel de las unidades auxiliares. Ese componente histórico se combina además con algo especialmente interesante: las consecuencias psicológicas de la guerra. Los soldados no salen indemnes de aquello que han vivido y sus propios recuerdos pueden convertirse en un enemigo tan peligroso como el que se esconde entre los árboles.

Ahí aparece también uno de sus elementos más atractivos: la camaradería entre quienes dependen unos de otros para seguir vivos. La novela encuentra un buen equilibrio entre acción, reconstrucción histórica y relaciones personales, aunque su marcada vertiente militar y el nivel de detalle pueden exigir algo más a quienes busquen una lectura ligera.

En resumen

El bosque sombrío. Sobrevivir a Teutoburgo es una propuesta especialmente recomendable para quienes disfruten de la novela histórica ambientada en Roma, los relatos militares y las historias de supervivencia. Si nombres como Simon Scarrow, Adrian Goldsworthy o Santiago Posteguillo forman parte de tus lecturas habituales, aquí encontrarás una historia que juega en un terreno muy reconocible, pero con personalidad suficiente para convertir los bosques de Germania en un lugar del que resulta difícil escapar.

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El thriller, sobre todo el criminal, se ha convertido en los últimos años en una apuesta «segura» dentro de la industria cinematográfica española. Ya sea a través de adaptaciones de éxitos literarios como la trilogía del Baztán, El silencio de la ciudad blanca o La huella del mal, o mediante ideas originales como As Bestas, Tarde para la ira o Quien a hierro mata, se ha consolidado una tendencia clara de buscar historias capaces de enganchar tanto al público que acude a las salas de cine como al que consume cine desde una plataforma de streaming. Sin embargo, esa apuesta por este género en concreto también puede conducir a producciones que, aunque cuentan con un punto de partida atractivo, terminan revelándose como enormes carcasas sin alma, simples fotocopias de otros relatos en un bucle sin fin de mediocridad.

Por eso mismo, resulta frustrante encontrarse con una propuesta, a priori interesante, como La desconocida, que cuenta con un arranque repleto de fuerza, pero que no termina de explotar sus virtudes para sobresalir de la media. Aun así, lo mejor de La desconocida está en su capacidad para no detenerse demasiado. La estructura del guion está construida entendiendo que su principal baza es el ritmo: el prólogo que apunta a corrupción policial en Algeciras, el posterior hallazgo en Barcelona, la amnesia, el intento de asesinato, la investigación y la necesidad de reconstruir una identidad antes de que sea demasiado tarde. Esa estructura de carrera contrarreloj consigue en gran medida que la película mantenga el interés y permite que el relato avance con cierta soltura incluso cuando la trama empieza a mostrar sus fallos. No estamos ante un thriller especialmente novedoso ni ante una película que reinvente los códigos del género, pero sí ante una propuesta que se deja ver y que sabe mantener nuestra atención gracias a su pulso narrativo.

Ahí es donde La desconocida resulta más disfrutable. Como entretenimiento de plataforma, cumple. Cuenta con elementos que juegan a su favor, con esa atmósfera opresiva de thriller clásico, el uso de escenarios más o menos reconocibles de la ciudad de Barcelona, un misterio inicial que promete y una protagonista marcada por un trauma que a priori podría haber añadido capas emocionales al conjunto. Candela Peña sostiene buena parte del relato como Anna Ripoll, una investigadora que carga con su propio dolor mientras intenta resolver un caso que se le escapa de las manos. Su contrapunto debería ser Pol López, un policía de Algeciras, malhablado y lenguaraz, cuya aportación se va diluyendo como un azucarillo, no por demérito del actor barcelonés, sino por un guion que apenas aprovecha el choque entre dos policías de caracteres y métodos opuestos. En ese aspecto, la película no consigue convertir esa tensión interior en verdadero conflicto dramático, y todo queda diluido en favor de una ejecución funcional que se olvida de arriesgar.

La desconocida parte de la novela negra homónima escrita a cuatro manos por Rosa Montero y Olivier Truc, una obra que ya partía de una curiosidad literaria muy atractiva. El libro surgió como un reto del festival francés Quais du Polar, con ambos autores alternándose los capítulos y reaccionando a lo que el otro había escrito. Montero firmaba los impares y Truc los pares, construyendo una trama viva, de ida y vuelta, en la que la propia escritura parecía formar parte del juego. Esa condición casi experimental del origen literario es una de las grandes bazas de la historia, porque sugiere una investigación abierta, imprevisible y atravesada por dos miradas distintas.

La adaptación, sin embargo, da como resultado un thriller de lo más convencional y olvidable. El guion no logra trasladar esas miradas contrapuestas que el estilo de la obra literaria ofrecía, y lo que en la novela podía funcionar, con dos personajes opuestos unidos por una investigación, en la película todo queda reducido a dos o tres chascarrillos y a un par de miradas intensas. La premisa sigue siendo llamativa, pero el desarrollo es plano y sin chispa. Hay secretos, amenazas y revelaciones, pero en ningún momento existe la sensación de que la investigación esté creciendo hacia algo realmente perturbador y peligroso. La desconocida quiere apoyarse en varios golpes de efecto, pero esos giros no funcionan con la fuerza que deberían, revelando que la trama estaba más vacía que el frigorífico de un piso de estudiantes.

Por último, resulta frustrante contar con un reparto de nivel que luzca tan poco, especialmente porque la química entre ellos es casi nula. El principal problema de La desconocida no está en sus intérpretes por separado, sino en lo que la película consigue hacer con ellos en conjunto. Candela Peña, Ana Rujas y Pol López son intérpretes de reconocido nivel y, en ciertos momentos, aportan presencia y oficio. Sin embargo, aunque todos tienen escenas pensadas para que sus personajes luzcan, sus interacciones son forzadas, y esa mirada diferente que deben aportar los personajes de Candela Peña y Pol López nunca se ve trasladada a la película. Todos parecen estar con el piloto automático encendido, y ni siquiera las heridas personales que cada uno de ellos arrastra son suficientes para que consigamos empatizar con sus personajes. Todo su desarrollo es tan convencional y arquetípico que la trama relacionada con la trata de personas acaba resultando un recurso vacío.

Así, La desconocida es uno de esos estrenos de Netflix con gancho, pero cuyo resultado final está por debajo de su potencial. La adaptación de la novela de Rosa Montero y Olivier Truc es un thriller irregular que desaprovecha una historia potente en favor de algunos golpes de efecto que no funcionan tan bien como deberían. Tiene un punto de partida impactante, una base literaria sugerente y un elenco reconocible, pero no consigue convertir todos esos elementos en una película que sobresalga.

Sin negar que funciona como entretenimiento de tarde, La desconocida no es el thriller contundente que podría haber sido y se conforma con ofrecer una trama perfecta para quienes no busquen excesivas complicaciones. Es una de esas películas cumplidoras que se ven con facilidad, pero que quedan olvidadas con el paso del tiempo en el fondo del inmenso catálogo de la plataforma. ¡Una lástima!

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Shinobu Yaguchi, un director asociado tradicionalmente a relatos luminosos y optimistas, con historias inspiradoras sobre superarse y encontrar la propia voz, realiza aquí un giro tan inesperado como efectivo. Su aproximación al terror no es la del susto fácil ni la del exceso visual que distraiga nuestra atención, sino la de la atmósfera. Dollhouse: Muñeca maldita es, ante todo, una película sobre el duelo. Sobre el vacío que deja en nosotros una pérdida imposible de asumir y sobre las formas —a veces perturbadoras— que adoptamos para sobrevivir a ella. La muñeca no es solo un objeto maldito: es un refugio emocional, una ilusión peligrosa, una grieta por la que se cuela lo sobrenatural.

De esta forma, Yaguchi se une al denominado J-Horror que hizo furor en medio mundo a finales de los 90 del siglo XX y principios de los 2000. Uno de los grandes exponentes de aquellos años fue Hideo Nakata, uno de los directores japoneses de mayor repercusión internacional y que cuenta en su filmografía con éxitos como Ghost Actress (1996), Ringu (1998), Ringu 2 (1999) o Dark Water (2002). Tampoco hay que olvidar a Takashi Shimizu que dirigió Ju-on: The Grudge, que al igual que ocurrió con las películas de Nakata, tuvo su adaptación norteamericana. Eran películas centradas en gran medida en el terror psicológico y la tensión, con fantasmas, maldiciones y poltergeists como motores de la amenaza. En resumidas cuentas, historias con capacidad para hacerte pasar un mal rato, gracias a su atmósfera inquietante y a la certeza de que algo iba a pasar. Un estilo que Yaguchi consigue recuperar en gran medida, con una película capaz de alcanzar niveles de tensión extremos.

La historia arranca con una tragedia devastadora que marca a la protagonista y define el tono de todo lo que vendrá después. La desaparición y muerte de su hija no solo rompe a la familia, sino que deja una herida abierta que el filme no tiene prisa en cerrar. Curiosamente, es en ese proceso de duelo donde Dollhouse: Muñeca maldita encuentra una fortaleza inesperada. En esta parte de la película, uno podría pensar que está ante un drama íntimo, contenido, incluso delicado. Una historia sobre la pérdida, el dolor y la lucha por seguir adelante. Y funciona. Funciona porque el dolor está tratado con una sensibilidad poco habitual dentro del género.

Pero entonces aparece Aya.

La muñeca, con ese inquietante parecido a la niña fallecida, introduce un elemento profundamente perturbador que no podremos quitarnos de la cabeza. No es el típico juguete que se mueve o ataca de forma explícita. Olvidaos por tanto de M3gan o Chucky. Es algo mucho más incómodo: una presencia. Yaguchi entiende que el verdadero terror no está en lo que vemos, sino en lo que tememos que ocurra. Cada plano de la muñeca, inmóvil, aparentemente inofensiva, está cargado de tensión. Es solo un juguete, pero sabes que algo va a pasar. No sabes cuándo. Y eso es lo que te mantiene en guardia.

La comparación con figuras icónicas del género es inevitable. Si en su momento Samara o Mitsuko se colaron en nuestras pesadillas, Aya tiene todos los ingredientes para ocupar ese mismo espacio reservado para los que temen apagar la luz. No porque haga más, sino porque hace menos. Porque su amenaza es más sutil, más psicológica, más ligada a lo espiritual. Aquí no hay inteligencia artificial ni posesiones al uso. Hay tradición, ritual, y una carga simbólica que conecta con el folclore japonés en torno a los objetos y las almas.

Más allá de la inquietud que genera la presencia de Aya y su mala costumbre de regresar, a pesar de los intentos por deshacerse de ella, esa base cultural que encontramos en Dollhouse: Muñeca maldita hace que la película se sienta diferente. El filme bebe de tradiciones japonesas reales como los rituales funerarios para muñecas, lo que le da un poso de autenticidad que refuerza su impacto. No es una simple historia de terror: es también una reflexión sobre la memoria, la culpa y la imposibilidad de dejar ir.

Dollhouse: Muñeca maldita no es una película perfecta, sobre todo por un tramo final que se alarga en exceso hasta desembocar en un clímax algo diluido tras tanta tensión acumulada. Aun así, Yaguchi nos ofrece algo que muchas propuestas del género no consiguen: permanecer contigo. No por sus sustos, sino por su atmósfera. Por esa sensación constante de que algo no está bien, de que el peligro acecha en los lugares más cotidianos. Y por esa muñeca, Aya, que probablemente te hará mirar de otra manera cualquier objeto aparentemente inofensivo. Películas como esta demuestran que, cuando el terror se aleja del exceso de artificio, se concentra en crear una atmósfera inquietante y sostiene una amenaza constante, no necesita mucho más para dejar huella.

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Noémie Saglio (Las chicas de Niza, Club de padres) dirige esta adaptación libre del cómic creado por François Walthéry, que sobresale por su absoluta falta de miedo al ridículo. La película no busca realismo ni coherencia, sino una especie de lógica interna heredada directamente del cómic en el que se inspira. Y ahí está precisamente su mayor virtud: entender que la mejor forma de adaptar ese universo es no tomárselo demasiado en serio. El resultado es una aventura alocada y caótica, que salta de situación en situación con un ritmo endiablado, como si cada escena fuera una viñeta a punto de cobrar vida.

En el centro de todo está Natacha, interpretada por Camille Lou, que encarna a una protagonista que quiere ser azafata no solo por vocación, sino como símbolo de libertad. La película nos traslada a los años sesenta y conoceremos al personaje de Natacha desde su más tierna infancia, acompañada de ese narrador omnisciente (y algo cargante) que la acompañará a lo largo del relato. Un inicio que recuerda inevitablemente a Amélie, la cinta de Jean-Pierre Jeunet, de la que se cumplen 25 años de su estreno en cines. Su viaje, que comienza como una historia de superación personal en un contexto de restricciones sociales y de discriminación, se convierte rápidamente en una delirante persecución internacional tras el robo de la Mona Lisa. Y es ahí donde la película se quita definitivamente cualquier corsé narrativo para abrazar el caos, el slapstick y la exageración.

A su alrededor, nombres como Vincent Dedienne, Isabelle Adjani, Didier Bourdon o Fabrice Luchini aportan un tono cómico muy marcado, jugando constantemente con el absurdo y con ese tipo de humor tan francés que oscila entre la sofisticación y el disparate. También es cierto, que no todos los gags funcionan, pero su ritmo frenético y la insistencia en mantener ese espíritu despreocupado hacen que incluso sus tropiezos resulten parte del juego.

Más allá de sus posibles altibajos, uno de los puntos fuertes de Natacha (presque) hôtesse de l’air es su aspecto visual. Hay un claro esfuerzo por trasladar la estética de la viñeta clásica a la pantalla, con un diseño de producción colorido y una puesta en escena que no esconde su artificialidad, al contrario, la utiliza como elemento diferenciador. Nos encontramos ante una expresión exagerada de esos años sesenta que hemos visto en series como Mad Men o Pan Am, pero huyendo de la realidad para abrazar la hipérbole de la comedia sin complejos.

Ese es el mayor acierto de la película: tiene claro desde el principio el juego que nos propone. Natacha (presque) hôtesse de l’air no pretende reinventar la comedia ni ofrecer una reflexión profunda sobre la ideología de género, sino recuperar ese espíritu del cine hecho para ofrecer al espectador una hora y media de evasión. Con un estilo colorido y desenfadado, la película apuesta por la diversión.

Sin ser una comedia perfecta, con sus errores y sus aciertos, la única pretensión de la película es hacer reír, y en gran medida lo consigue, gracias a la construcción de ese universo caótico y alocado en el que se mueve Natacha. Con un estilo que recuerda a la infravalorada El gran halcón, pero con ese tono inconfundible de comedia francesa, Natacha (presque) hôtesse de l’air nos ofrece un viaje repleto de luz y de color.

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La actriz, ganadora del Oscar por Monster, lleva años demostrando que su carrera nunca ha dependido únicamente de su imagen. Estamos ante una actriz que puede con todo. Theron ha sabido moverse entre registros con una naturalidad envidiable: de la comedia incómoda de Tully o Young Adult, al thriller más retorcido como Lugares oscuros, sin olvidar su icónica reina malvada en el terreno fantástico en Blancanieves y la leyenda del cazador. Pero si hay un terreno donde la actriz sudafricana ha terminado sintiéndose como pez en el agua, ese es el cine de acción.

Desde que se transformó en Imperator Furiosa en Mad Max: Fury Road, su relación con el género ha ido mucho más allá del simple lucimiento físico. Lo confirmó en Atómica, lo consolidó en la saga Fast & Furious y lo reafirmó en las dos entregas de La vieja guardia, también estrenadas en Netflix. En todas ellas hay algo en común: una forma de habitar la acción que mezcla dureza, vulnerabilidad y una fisicidad creíble que pocas intérpretes —y actores en general— consiguen transmitir.

En la película, dirigida por Baltasar Kormákur y estrenada en Netflix el pasado 24 de abril, esa evolución encuentra un nuevo terreno de juego. Aquí, Charlize Theron encarna a una mujer marcada por la tragedia, alguien que intenta reconciliarse con la naturaleza… y consigo misma. Pero lo que empieza como un viaje de autoconocimiento acaba convirtiéndose en una lucha por la supervivencia.

Escrita por Jeremy Robbins en su debut narrativo, que demuestra un profundo amor y respeto por la naturaleza, y dirigida con inteligencia por Kormákur en Blue Mountains de Nueva Gales del Sur, el filme nos da lo que promete desde el primer momento. Una experiencia repleta de tensión y ritmo, que no da tregua al espectador y que no hace concesiones a la galería. Una propuesta que recupera la mejor tradición cinematográfica de aventuras que abrazan los espacios abiertos. Cuando llega la tragedia que en parte esperábamos, el arranque recuerda a Máximo riesgo o Límite vertical, mientras que a lo largo del resto de la película encontramos guiños a Río Salvaje (Meryl Streep también fue heroína de acción) o Free Solo. Apasionada de las escenas de riesgo, capaz de competir mano a mano Tom Cruise, veremos a Charlize Theron colgando de afiladas rocas o precipitándose por peligrosas cascadas.

La película funciona mejor una vez superado el momento de duelo y deja de lado cualquier intento de profundidad psicológica excesiva y se entrega al puro disfrute. En Depredador dominante no hay espacio para conocer el pasado de los personajes, ni para conocer en exceso las motivaciones de Ben (Taron Egerton), porque en el fondo tampoco nos interesan demasiado. Aquí lo importante es la persecución, es recorrer junto a los protagonistas los bellos y peligrosos paisajes australianos, que se convierten en un enemigo más al que derrotar. La historia es bastante sencilla: resistir o morir.

En esa sencillez es donde Charlize Theron brilla con más fuerza. Su presencia física no es un adorno, contribuye a la narración y a construir un personaje que arriesga, pero que también sufre. No es una heroína invulnerable, sino que es alguien que lucha por sobrevivir, que se cae y vuelve a levantarse. Por eso, hay momentos en los que la película se sostiene sobre su capacidad para transmitir agotamiento físico y mental, en una persecución mortal que la lleva al límite en cada escena.

Depredador dominante no reinventa el género, ni falta que le hace, solo busca ofrecer entretenimiento puro y duro. Es una película directa, física y consciente de hasta dónde puede llegar. Una historia en la que el clásico juego del gato y el ratón nos recuerda que incluso en los entornos más salvajes, el ser humano sigue siendo el depredador más peligroso.

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Conviene situarnos primero. Influencers es la secuela de Influencer, una película que sorprendió en 2022 por su capacidad para reinterpretar el thriller clásico con las redes sociales como telón de fondo. Aquella cinta se estrenó en Shudder, el servicio especializado en terror y suspense propiedad de AMC Networks, y en España puede verse a través de AMC+. Sin embargo, esta nueva entrega puede disfrutarse de forma completamente independiente: el propio relato se encarga de dar las claves necesarias sobre el pasado en común de las dos protagonistas.

El director Kurtis David Harder regresa de nuevo como director y guionista, con la clara intención de no repetir la fórmula, sino ampliarla. Si la primera película jugaba con la identidad digital y la manipulación, esta secuela eleva la apuesta hacia un territorio más incómodo, más violento y, sorprendentemente, también más irónico. Desde su arranque, el filme se presenta como una continuación convencional, pero cuando termina su extenso prólogo, rompe sus propias reglas para lanzarse a un relato imprevisible que funciona como una auténtica montaña rusa en la que no tienes claro qué va a suceder.

Pero más allá de su eficacia narrativa, lo verdaderamente interesante de Influencers es su lectura de fondo. Bajo su simple fachada de thriller psicológico se esconde una crítica directa a la hipocresía que domina el mundo de los creadores de contenido. La película pone el foco en esa falsa perfección que proyectan los influencers: vidas aparentemente idílicas que, en realidad, esconden inseguridades, violencia y soledad. El enfrentamiento entre Madison (Emily Tennant) y CW (Cassandra Naud) —dos personajes que ya arrastran un pasado en común— no es solo un conflicto personal. Es, en esencia, una metáfora de ese choque constante entre la imagen pública y la realidad privada. En ese sentido, la película conecta con una verdad incómoda: en las redes sociales, la autenticidad suele ser la primera víctima.

Harder, con guion ingenioso, impredecible y a menudo notablemente divertido, afina además el discurso introduciendo elementos como la masculinidad tóxica que se expande sin control en el mundo virtual, el sensacionalismo del true crime o la forma en la que la tecnología oculta tanto como muestra la realidad. Todo ello envuelto en un tono que combina tensión, humor negro y una violencia que, en más de una ocasión, roza lo grotesco de forma deliberada. Rodada en localizaciones reales de Francia y Tailandia, Influencers contrapone paisajes de ensueño con comportamientos profundamente desagradables. Es una decisión que refuerza su mensaje: lo bello, en el entorno digital, puede ser solo una fachada.

En definitiva, estamos ante una historia sobre personajes rotos que han construido versiones irreales de sí mismos. Y ahí es donde la película resulta más incómoda: porque, en mayor o menor medida, todos participamos de ese mismo juego. Todos somos espectadores de las vidas de otros, contribuyendo a ese scroll infinito que nunca se detiene.

Influencers es una propuesta que va más allá del mero entretenimiento en el que la venganza y la obsesión por la vida de los demás son algunos de sus leitmotiv. La película que llega este lunes a Movistar Plus+ es un retorcido thriller muy divertido y original, que además invita a reflexionar y mirar con otros ojos esa pantalla que nos acompaña en nuestro día a día.

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Aquí entra en juego Yahya Abdul-Mateen II. Todo se sostiene sobre su interpretación, que es sin duda lo mejor de la serie. Si la historia funciona, en gran medida, es gracias al carisma y a la imponente presencia de un actor, al que hemos podido ver en títulos como Candyman, El juicio de los 7 de Chicago, Watchmen o Wonder Man. Su interpretación de Creasy es una mezcla de intensidad y vulnerabilidad, que casa perfectamente con un personaje roto emocionalmente. No es el héroe infalible al uso, visto mil veces en el thriller de acción clásico.. Esto sin duda es una de las grandes virtudes de El fuego de la venganza, ya que consigue un punto diferenciador con respecto a otras series.

El punto de partida de la serie —basada en las novelas de A. J. Quinnell— nos sitúa ante John Creasy (Yahya Abdul-Mateen II), un antiguo miembro de la CIA y de las Fuerzas Especiales de EE. UU., altamente cualificado y experto en sobrevivir incluso en las situaciones más extremas, que vive atormentado por una misión fallida en México que le ha provocado un severo trastorno de estrés postraumático. Hundido en un pozo de desesperación, un antiguo amigo y compañero se convertirá en su tabla de salvación. Junto a él viajará hasta Río de Janeiro para colaborar en lo que parece una simple misión de protección. Sin embargo, antes de encontrar la paz, se verá de nuevo arrastrado a la violencia, en busca de venganza. Una premisa que va a lo seguro, pero que aquí no termina de encontrar el equilibrio entre oscuridad y espectáculo.

El arranque es potente, incluso impactante, pero pronto queda claro que no estamos ante la típica serie de acción de ritmo trepidante que suele ofrecer la plataforma, como El agente nocturno o El nuevo empleado. Aquí, Kyle Killen —responsable de Awake o Halo— apuesta por una historia centrada en los personajes y en sus relaciones, en el trauma que une a Creasy, Poe y Valeria (Alicia Braga) y en las distintas formas de afrontarlo. Se construye el relato a partir del dolor, rompiendo el equilibrio que suelen tener las series de acción al uso. Por supuesto, hay un misterio que desentrañar, un enemigo al que derrotar, pero todo esto resulta evidente desde bastante pronto, lo que nos deja claro que el verdadero motor del relato es otro.

Y es precisamente ahí donde la historia se vuelve irregular. Su propuesta pretende ser dura, quiere ser casi introspectiva, y sin embargo sigue obligando a su protagonista a hacer cosas completamente inverosímiles. Y ahí es donde la serie se mete en complicaciones. Vemos a un personaje hundido emocionalmente, casi al límite, lanzarse a secuencias de acción imposibles —persecuciones suicidas, asaltos a lugares inexpugnables, enfrentamientos con ejércitos enteros— al más puro estilo de Ethan Hunt, pero sin ningún tipo de alivio o ironía, genera una sensación de incredulidad. La serie se toma en serio a sí misma en un sentido, pero exagera en otro sin medida ni control. No es que esto no funcione nunca, pero consigue que nos cueste más entrar en el juego.

Aun así, hay momentos en los que la serie realmente consigue que conectemos con ella. Especialmente cuando se detiene, cuando se toma su tiempo para que conozcamos a los personajes. La relación con Poe (Billie Boullet) —convertida aquí en una figura más adulta, menos inocente que en versiones anteriores— tiene peso e intención. Cuando la violencia aparece como extensión del dolor de Creasy, y no como simple espectáculo, la serie encuentra su mejor versión. Hay escenas en concreto, especialmente en interrogatorios o enfrentamientos cuerpo a cuerpo, que resultan incómodas en el buen sentido, de las que te mantienen pegado al asiento.

Sin embargo, esa consistencia no se mantiene. Conforme la historia avanza, se introducen más personajes, más subtramas, incluso una especie de equipo improvisado que acompaña a Creasy en su cruzada personal. A partir de aquí la propuesta empieza a perder fuelle. Porque ese grupo, que parece sacado de un thriller ligero o incluso de una versión de 2.0 de Ocean’s Eleven, choca frontalmente con ese tono sombrío que la serie intenta mantener desde el comienzo. Parecen dos ideas distintas que intentan convivir sin terminar de encajar.

Al final, lo que me queda es una sensación bastante clara: la serie quiere ser diferente, y eso es de agradecer, pero no siempre sabe ni consigue sostener esa diferencia. Su intensidad constante, esa seriedad casi inquebrantable, acaba por jugar en su contra. Porque cuando todo es grave, cuando todo pesa, incluso las escenas más espectaculares pierden efecto.

El problema no es su seriedad, sino su inconsistencia a la hora de equilibrar su crudeza con cierta verosimilitud. Cuando vamos a ver una entrega de la saga de Misión Imposible sabemos que cartas nos están dando para jugar, y aunque la baraja está marcada, nos animamos a disfrutar sin dudarlo. Pero, cuando tienes a los mandos a Kyle Killen, responsable de la reivindicable Awake, esperas mucho más. Porque más allá de la imponente presencia de Abdul-Mateen II y de ciertos momentos de tensión y complicidad muy conseguidos, El fuego de la venganza termina siendo una propuesta más convencional de lo que esperabas. A veces, intentar ser diferente no funciona. 

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