Posteriormente, el dúo de cineastas revitalizó la saga Scream y después de una fuerte polémica con su salida de dicha saga por motivos políticos, acabaron por volver a esta saga para traernos una secuela que prometía, al menos cuando se anunció el proyecto, volver a recuperar la originalidad y el saber hacer que demostraron con su predecesora.

Pues bien, por desgracia, no nos encontramos nada de esto en Noche de bodas 2.

Planteada como una secuela directa -de hecho, el inicio de la película es el final de la anterior- la decisión creativa de los guionistas, que también repiten, Guy Busick y R. Christopher Murphy, es la de optar por volver a darnos muchísimo más de lo mismo, pero peor. La cinta vuelve a construir exactamente la misma estructura, pero con una excusa ligeramente distinta para llevarnos al mismo punto exacto.

Si en la anterior era la familia política de la novia cazándola por un ritual satánico, ahora es la secta satánica a la que pertenecía dicha familia la que la vuelve a meter en el mismo juego con una justificación argumental un tanto cogida por pinzas. Esto, a priori, ya no suena especialmente bien. Pero si además despojas a la cinta de la originalidad y frescura que se le presuponía, acaba por resultar un fiasco.

Por el camino, además, nos introducen al personaje de Kathryn Newton, que hace de la hermana de la protagonista, y cuyo rol busca ser un ancla emocional con el espectador, y acaba por conducir al tedio. No tengo claro si es un problema en la dirección de actores o sí, simplemente, es cosa de la escritura de los personajes y sus momentos juntas, pero toda la relación entre las dos protagonistas se siente profundamente impostada y sin ningún atisbo de química.

Samara Weaving, eso sí, consigue levantar su personaje y, en los momentos en que vuela en solitario (momentazo la pelea en la zona del salón de fiestas) vuelve a conseguir brillar con carisma y buen hacer, tal y cómo lo consiguió en la primera entrega.

Por otra parte, en el reparto nos encontramos otra cara archiconocida, Elijah Wood, que consigue levantar un papel pequeño únicamente con talento actoral y dar algunos de los mejores momentos cómicos de la película solo con la forma en qué mira a los otros personajes o su gestualidad.

Al final del día, lo que nos queda con Noche de bodas 2 es la sensación de una oportunidad desaprovechada. Puestos a volver con una secuela que probablemente nadie necesitaba, quizá habría sido preferible trabajar bien el guion y construir una historia que mantuviese la originalidad y la frescura que tuvo su predecesora dando al público diversión y entretenimiento, que seguramente es lo mínimo que se pide a este tipo de cintas. Una lástima.

La entrada «Noche de bodas 2»: La apuesta continuista no siempre sale bien se publicó primero en Mundoplus.tv.

Por qué no escribo nada: La primera cinta del día es un documental sobre la grandísima escritora Carmen Laforet donde construyen, con un trabajo titánico de edición, una estructura narrativa alrededor de los distintos textos de la escritora catalana que se narran con voz en off, mientras vemos recreaciones e imágenes reales de archivo. Todo ello lo aderezan con algunas entrevistas a familiares, amigos y escritores que nos ayudan a coger perspectiva de lo grande que fue Laforet y lo poco que se le ha reconocido más allá de su obra cumbre Nada. Si sois fans de la escritora, es de visionado obligado.

Good boy: La segunda cinta del día es una de las grandes sorpresas del festival. A medio camino entre La naranja mecánica y El experimento el largometraje protagonizado por un enorme Stephen Graham da una profunda reflexión sobre el comportamiento humano y el trauma. A ratos incomodísima y a ratos incluso divertida, la película construye un relato interesantísimo que te deja pegado al asiento y que te invita a reflexionar después del visionado. Quizá peca un poco de no tener claro como acabarla, pero se le perdona por lo brillante del viaje. Recomendable.

Wasteman: En tercer lugar, nos adentramos en un potentísimo drama carcelario, repleto de violencia, crudeza y tensión, que me recordaba, salvando las distancias, a nuestra Celda 211.

Tiene momentos profundamente crueles, que ponen a prueba al espectador y que invitan a reflexionar el estado de las cárceles en un reino unido que, si esto es mínimamente similar a la realidad, tiene muchísimos problemas en un sistema carcelario colapsado. Tom Blyth destaca por encima del resto del reparto y brilla a todos los niveles. Muy recomendable.

El coro de Praga: La cuarta película del día es, con toda seguridad, la más dura de lo que llevamos de festival. Bajo la simple apariencia de una cinta sobre una coral en la república checa se esconde una historia de abusos ante la que es imposible quedar indiferente. Las actuaciones son mayúsculas y el guion, escrito con una intención clarísima y muy consecuente con lo que denuncia, es de una delicadeza e inteligencia poco vistas. No es una película sencilla de ver, especialmente en su último tercio, pero creo que merece muchísimo la pena por lo que quiere contar, por cómo lo consigue contar y por la inteligencia en la forma en que construye todo el relato alrededor de ello sin perder un ápice de ritmo y coherencia. Ondrej Provaznik, directora que debuta en solitario, creo que puede ser uno de los talentos emergentes a seguir en los próximos años en el panorama del cine europeo.

Estiu 1993: Cierro la jornada de hoy con un revisionado y no es otra película que la opera prima de nuestra maravillosa Carla Simón donde ya demostraba todo su talento.

Sumergiéndose en sus propios recuerdos, la realizadora catalana nos entrega una cinta intima, que cuece a fuego lento, y que tiene en un reparto absolutamente fantástico una de sus principales bazas. Es increíble como ya podíamos observar desde la primera cinta como Carla Simón era capaz de manejar actrices tan jóvenes como las dos niñas y dotarlas de una ternura apabullante y unos momentos que parecen profundamente improvisados pero que, no me cabe duda, estaban más que ensayados. Hace poco le otorgaron el premio a la mejor película catalana del siglo XXI y, aunque yo no estoy de acuerdo -Creo que Alcarràs de la propia Simón es superior- es innegable que esta cinta es una gran candidata al premio.

Con esto cierro la jornada de hoy, mañana continuaremos y llegaremos ya al ecuador del festival. Seguimos.

La entrada Crónica del BCN Film Fest 2026 (Parte 4) se publicó primero en Mundoplus.tv.

Hermanos: Hemos arrancado el día con una cinta, pequeña, aunque con mucho corazón, que nos habla acerca de la familia que elegimos: los amigos. La cinta es un drama social con bastante humor que nos explica las peripecias de tres amigos de barrio (en este caso está rodada en Sant Ildefonso, en Cornellá de Llobregat) en su búsqueda por irse ganando un espacio en el mundo mientras se encuentran con problemas debido a su estatus social y sus raíces. Es una cinta que, sin inventar nada, se pasa en un suspiro y deja unas cuantas pildoritas que dan que pensar. Especialmente recomendada para adolescentes si la ven con algún adulto al lado que les explique algunas de las cosas que se ven en la película. Recomendable.

El anfitrión: La primera gran decepción del festival. Uno puede esperar que con ese fantástico reparto en la cinta, y siendo la adaptación de un libro potente, nos encontraríamos aquí una película intensa, adictiva y bien construida. Pero no es eso lo que ha ocurrido. Por el contrario, tenemos una cinta profundamente caótica, mal explicada, con un guion que da bandazos y cuyos únicos aspectos salvables son el enorme William Dafoe, que cumple, y sus últimos quince minutos finales donde se atisba lo que debería haber sido el resto de la película. Una pena.

The choral: La tercera cinta del día viene acompañada de Ralph Finnes y nos narra la historia de una pequeña coral en un pueblo durante la primera guerra mundial. Es una cinta que empieza con muy buenos momentos de humor inglés, divertidos y efectivos, y que poco a poco va abandonando ese humor para lanzarse a buscar el drama que provoca tener como telón de fondo una guerra mundial. Es una cinta preciosa que sabe aunar bien los dos tonos, conjugarlos, y conseguir que todo funcione gracias a su sutileza para narrar y un buen pulso narrativo desde la dirección. Huelga decir, eso sí, que hay un par de escenas que chirrían profundamente en la cinta.

Duse: Por último, y para cerrar la jornada de hoy, nos adentramos en Duse cinta que narra la vida de la actriz italiana y sus peripecias durante las primeras décadas del siglo veinte. Es una cinta que funciona a tirones. En algunos momentos es francamente interesante (el auge del fascismo, el sacrificio que supone crear arte) y en otros da la sensación de que va un poco pasada de vueltas y abraza un histrionismo que, al menos a mí, me acaba por repeler. Señalar, eso sí, que la actriz protagonista, Valeria Bruni, realiza una increíble interpretación repleta de matices y cambios de tono.

Y hasta aquí el tercer día del festival. Mañana continuaremos con más y, esperemos, mejor cine.

La entrada Crónica del BCN Film Fest 2026 (Parte 3) se publicó primero en Mundoplus.tv.

La isla de Amrum: Arrancamos la mañana con un drama histórico situado en los últimos días de la segunda guerra mundial en una pequeña zona costera alemana. La cinta tiene la virtud de conseguir vehicular, a través de la historia del niño protagonista, la historia del final de la Alemania nazi. Es una cinta que mira al pasado para construir el futuro y que realiza una profunda autocrítica de lo que fue ese periodo tan amargo de la historia de la humanidad. Hay bastantes simbolismos en algunas acciones que hacen los personajes y que, a la postre, están representando hechos históricos. Recomendable.

Corredora: la segunda cinta del día nos llega de la mano de la realizadora Laura García Alonso y nos narra la historia de una deportista de elite a la que un buen día su mente se le desmorona. Tiene ecos y reminiscencias tanto a cisne negro como a perfect blue, aunque no llega a esas cotas de brillantez. Creo que la cinta funciona muy bien durante casi todo el metraje, construyendo un ambiente sumamente opresivo apoyándose tanto en su actriz protagonista (que está fenomenal) como en el uso del sonido, y que quizá tenga un cierre que sabrá a poco a algunos espectadores aunque a mí me ha parecido de lo más acertado. En cualquier caso, es una cinta super recomendable, que te mantiene agarrado a la butaca y de las que deja poso en el espectador. Recomendable.

A new dawn: la tercera película del día ha sido una cinta, en mi opinión, fallida. Aunque la idea de fondo es buena, y los últimos minutos son arrolladores, las dos primeras partes de la película parece que no van a ninguna parte y se limitan a dar vueltas sobre si mismas hablándonos de la familia y el legado, pero sin profundizar en ningún momento. Llegando a conseguir que como espectador vayas desconectando poco a poco de lo que estás viendo. Huelga decir, eso sí, que desde el punto de vista técnico tiene una animación francamente bien hecha y con un toque artístico precioso.

Casi todo bien la cuarta peli del día de hoy nos ha traído una «dramedia» de manual. Empieza siendo algo mucho más cómico y va girando poco a poco al drama, de forma muy conseguida y sin que se note forzado en ningún momento. A ratos muy divertida, a ratos muy emotiva, es una película que funciona gracias a la construcción de personajes. Tiene, eso sí, un protagonista un tanto odiable que puede provocar bastante rechazo en algunos momentos de la cinta y al que seguiremos durante todo el metraje en sus peripecias buscando convertirse en un escritor reputado. Recomendable.

Agua: Para cerrar el día he elegido una de las propuestas de la sección «imprescindibles». En esta ocasión una cinta de 2005 que nos habla de la situación de las viudas en la India de la época de Gandhi. Es una cinta que consigue aunar una fuerte denuncia social mientras entreteje una triste, aunque con algunos destellos luminosos, historia que busca y consigue emocionar. Es de esas películas que se quedan contigo y que te ayudan a reflexionar sobre las diferentes realidades que tenemos en este planeta. Y a la que no le tiembla la mano al mostrar las consecuencias de dichas realidades para las personas que las sufren. Muy recomendable.

Y hasta aquí el segundo día del festival. Mañana volvemos a arrancar temprano con más propuestas y más cine. Hasta la próxima.

La entrada Crónica del BCN Film Fest 2026 (Parte 2) se publicó primero en Mundoplus.tv.

Como siempre, os iré hablando de lo que vaya viendo cada día haciendo una pequeña crítica exprés de cada una de las cintas que podamos ver en este maravilloso festival cargado de buen cine, mucha conciencia social, y grandes experiencias. Arrancamos con el día uno:

Viaje al país de los blancos: Arrancamos la jornada con la película elegida por el equipo del festival para inaugurarlo. Aquí nos adentramos en una cinta basada en hechos reales (de hecho, uno de los actores es el protagonista real de la historia) que nos narra un durísimo drama social que servirá para remover algunas conciencias y para que el espectador se mueva entre estas dos vertientes: el mundo tiene gente maravillosa en su interior y, en contraposición a lo anterior, que mal estamos como sociedad. Es una cinta sensible, tierna, que busca emocionar al espectador (y hacerle reflexionar) y que consigue casi todo lo que se propone. Vilarassau brilla. Recomendable

Los mejores años de nuestra vida: la segunda cinta del día es un documental/homenaje al famosísimo grupo español «los hombres G». Cuenta con la presencia de todos ellos mediante entrevistas y diversas imágenes de archivo. Huelga decir, eso sí, que no deja de ser una celebración del grupo y de lo que supuso y que ahonda muy poco en cualquier tipo de sombras durante su trayectoria. Está pensado para fans y es en ellos en quienes funcionará tremendamente bien.

Todo lo que no vemos: la tercera película del día es una cinta sumamente especial pero que se queda un poco a medio gas. A pesar de que parte de una premisa profundamente dramática, la cinta juega buena parte de la misma con los géneros incluso llegando a poner en escena imágenes que son propias del género de terror. Creo que esa mezcla de géneros y de juegos que hace con la cámara y el sonido le funciona francamente bien, apoyándose también en sus dos fantásticas actrices. Pero, huelga decir, que cuando debe abandonar un poquito la parte más de suspense e intriga y sumergirse en lo que nos quiere contar y dar un cierre a la historia… Acaba por patinar al no gestionar bien la información y como se le va dando al espectador, provocando, a la postre, una ligera sensación de cansancio a pesar de ser una película bastante corta. Interesante, en cualquier caso.

Magallanes: la última película del día es también la primera gran decepción. Soy consciente de que el director, Lav Díaz, es muy reputado y su fama le precede pero he sido incapaz de conectar con la película en ningún momento. Ritmo bajo hasta el hastío, sucesión de secuencias prácticamente inconexas, falta de profundidad dramática ante los hechos que cuenta y un montón de actores que parece que nadie los ha dirigido hacen de esta peli algo que no puedo recomendar en ningún caso. Quizá, únicamente, a quienes sean muy fans del director.

Y hasta aquí el día de hoy. A ver qué nos depara la jornada de mañana que viene cargada de muchas propuestas apetecibles.

La entrada Crónica del BCN Film Fest 2026 (Parte 1) se publicó primero en Mundoplus.tv.

Después de un tiempo alejado de lo que le catapultó a la fama, Raimi vuelve con esta Send Help que se estrenó el pasado viernes 30 de enero en España, y cuyos resultados me han dejado ligeramente frío.
En esta ocasión, Raimi vuelve a apostar por mezclar el terror con la comedia y lo hace partiendo de una premisa que recuerda a la segunda mitad de “el triángulo de la tristeza”; es decir, plantea el aislamiento de sus personajes en una isla desierta en la que se van a ver obligados a cooperar y trabajar de forma conjunta. Por un lado nos presenta a un rico que no sabe hacer absolutamente nada y que es odiable desde el segundo uno y lo emparenta con una friki de la supervivencia, trabajadora de la empresa, y cuya cabeza vive completamente desconectada de la realidad.

Esta ambivalencia entre el rico odiable, pero cuerdo y la persona con la que a priori, al inicio, es más fácil empatizar pero que se nota desde el inicio que su cabeza está cerca de estallar es la base desde la que el director recrea toda su historia y con la que juega a revertir las expectativas del espectador y estrujarlas buscando la sorpresa.

La cinta está plagada de momentos escatológicos, surrealistas y, por qué no decirlo, tremendamente entretenidos. No se le puede negar que funciona en los parámetros que se marca y que es tremendamente autoconsciente con lo que quiere ser. Pero, en mi opinión, Raimi -y los guionistas- se equivocan en una cosa: alejarse del fantástico.
Aunque hay un par de momentos en que coquetea con jugar con él, la historia está bañada bajo tintes bastante realistas y esto provoca que, aunque sea paródica y consciente de sí misma, yo como espectador me vea alejado con los giros que riega la cinta su segunda mitad y que, al menos en mi caso, no me puedo creer. Esa tendencia a rizar el rizo, a buscar el homenaje sacrificando la coherencia del texto -esa mano-, me alejan de una cinta que funciona mucho mejor en su primera mitad que en su segunda.

Al final, por mucho que yo entienda que Raimi suele priorizar las formas al fondo, no acabo de disfrutar de todo el tercio final porque, sencillamente, no me lo puedo creer.
Probablemente sea problema mío, que suelo preferir guiones más sólidos, pero creo que, si la película no forzase tanto los giros buscando “lo imposible”, la sorpresa y el impacto en el espectador, estaríamos ante una película muchísimo mejor.

Huelga decir, eso sí, que, si vais al cine buscando entreteneros y pasar un buen rato, la cinta cumple, y con creces, con esto. Soltaréis algunas carcajadas con las burradas que es capaz de poner en pantalla el director norteamericano.

La entrada «Send Help»: Raimi brilla con la cámara, pero roza el naufragio en el guion se publicó primero en Mundoplus.tv.

Este pasado 16 de enero llegó a nuestras pantallas la cuarta entrega -y secuela directísima de la anterior- de la saga que sigue, como no podía ser de otro modo, los pasos que marcaron Garland y Boyle hace apenas un año trabajando la película desde la perspectiva de jugar con los géneros y subvertir las expectativas del espectador. 28 años después fue una película muy divisiva -me encuentro entre sus fervientes defensores- por su capacidad de arriesgar y de alejarse de lo que el espectador quería ver.
La cinta dirigida por Boyle cogía y se distanciaba de todo lo que habíamos venido viendo y se convertía en un “coming of age” de su protagonista mientras realizaba un retrato bastante nihilista de la sociedad que se había generado después de 28 años desde el “fin del mundo”.
Nia da costa sigue esta estela pero, en mi opinión, no consigue dar tanto con la tecla.

El templo de huesos es una película arriesgada, narrada con dos tramas claramente diferenciadas -por un lado, los Jimmys, por el otro el doctor- y que se aleja aún más que su antecesora de todos lo que suelen caracterizar este tipo de películas -persecuciones, infectados por todas partes, dentelladas- y sigue acercándose a explorar la maldad que impregna un mundo que está inmerso en el más profundo caos y cómo algunos intentan sobrellevarla o enfrentarse a ella.
Para ello, como ya he dicho, usa dos vías narrativas en un principio separadas pero que buscan converger en un punto concreto generando un clímax bastante espectacular. Todo ello aderezado con una dirección que funciona francamente bien a nivel visual y que genera en el final uno de los momentos más brillantes del año a nivel de puesta en escena.

Ahora bien, viéndolo desde fuera uno a priori puede pensar que si le gustó la anterior le gustará esta. Y, por desgracia para mí, no ha sido mi caso. Aunque me encantó el cambio que supuso la tercera entrega, tengo muchísimos problemas con prácticamente la mitad de esta cinta. Y es que, aunque la parte de los Jimmys me parece profundamente aterradora, durísima, y me tuvo pegado a la butaca como hacía tiempo que no lo estaba, toda la parte del doctor me supone un cambio tan drástico de tono -con momentos de humor que no me encajan por ningún lado, y una selección de la música extrañísima- que me acabó por sacar en muchos momentos de la cinta. Creo que todo lo que le salía bien a la anterior conjugando géneros, le sale de forma mucho más pobre en esta al no medir bien los cambios y la distancia tonal entre las distintas tramas. Porque la parte humorística, aunque imagino que es intencional, en muchas ocasiones parece comedia involuntaria. Fiennes está entregado, pero el guion no le ayuda. Y, aunque los últimos minutos de la película reivindican con creces su figura, no puedo evitar pensar que su trama sobraba en gran medida por culpa de la forma en que se pone en escena.

En definitiva

El templo de los huesos es una película que brilla profundamente en una de sus dos tramas – y en el clímax final de la cinta- pero que se ve lastrada por una trama entera que está construida con un tono tan poco propio del resto que lo que vemos, que parece introducido directamente desde otra película. El computo global es positivo, porque lo bueno es increíblemente bueno, y lo “malo” más que malo es decepcionante, pero ojalá hubiesen medido mucho mejor toda la cinta y no solo una parte de la misma. Habríamos tenido otra excelente película como era su predecesora o como fue, hace ya tantos años, la primera entrega.

La entrada «28 años después: El templo de los huesos»: Extraña mezcla de ideas se publicó primero en Mundoplus.tv.

Es sorprendente, cuanto menos, que el director que enamoró a una generación y que se llevó hasta la cubertería en los Oscars de 1998, lleve anclado a una saga desde hace 17 años (29 años si sumamos desde lo anterior, que fue Titanic) a la que se prevé que aún va a dedicarle unos cuantos años más si finalmente realiza él mismo la cuarta y la quinta entrega.

Ahora bien, esto no tiene por qué ser malo perse. A mí me gustaría verle haciendo cosas distintas, pero es innegable que Avatar es una revolución en cualquier aspecto técnico y que marca un estándar de calidad en cuanto a CGI que nunca antes habíamos visto y que vamos a tardar en ver algo remotamente similar. El problema, por eso, viene cuando nos preguntamos ¿realmente tiene material para contar suficiente con el que llenar cinco películas? Y la respuesta, viendo esta tercera, es que puede que no.

Avatar: fuego y ceniza, que llegó a nuestra cartelera arrasando con todo el pasado 19 de diciembre, es una película muy potente en muchos aspectos. Su diseño de producción sigue siendo tremendo, su capacidad para crear imágenes icónicas surgidas únicamente de la mente de su creador es innegable y Pandora es un mundo maravilloso en el que dan ganas de quedarse -cuando no se están matando con los humanos, claro- y sumergirse en todas las posibilidades que ofrece.
Además, aunque parecía poco probable debido al poco lapso de tiempo con Avatar el sentido del agua (2022), ha conseguido dar otro paso más en lo técnico con un 3D absolutamente apabullante que te introduce dentro de las imágenes y te hace participe de la historia.

Todo esto aderezado con dos secuencias de acción increíbles (una en el primer tercio de película y otra al final) y con la introducción en la trama de esta nueva facción de los Navi que es atrayente e interesantísima y cuya trama debería haber tenido, en mi opinión, mucho más peso del que tiene.

Ahora bien, una vez aclaradas sus virtudes, vamos a hablar de lo que no puedo comprarle. Yo defendí mucho la anterior entrega, me pareció incluso mejor que la primera y un paso adelante en la narrativa de Cameron dentro de esta saga hablándonos de temas como la familia, la educación y el respeto. Pero creo que si la segunda entrega fue un paso adelante esta supone un paso atrás narrativamente por su nulo riesgo. Y es que, si algo no me esperaba del director canadiense es la sensación que da en esta película de «cobardía», limitándose a hacer un remake encubierto de la anterior, que se alarga además hasta las tres horas y cuarto y que cuenta con muchas tramas prácticamente repetidas, y un tremendo valle en el segundo acto del que le cuesta mucho salir.
Viendo el potente final de la anterior yo esperaba que en esta tuviésemos un salto adelante y, quizá, un cambio de género a un cine más bélico o, si más no, reflexivo. Pero hemos caído en un reciclado de temáticas que me ha dejado bastante frio.

No sé lo que nos deparará el futuro en esta saga. Cameron ha demostrado que es mala idea apostar contra él y tengo bastante claro que probablemente tenga muy claro hacía donde quiere ir con esta historia que debe tener planificada hasta el extremo en su cabeza. Las piezas, viendo el final de esta cinta, creo que las ha colocado para volver a cambiar de tercio e innovar. Y, ojalá, sea eso lo que ocurra en la cuarta entrega. Pero, por el momento, solo puedo hablar de lo que ya he visto, y lo que he visto es una entrega que, para mí, flojea en el guion y en el ritmo y que me parece que es la más floja de las tres que hemos tenido hasta ahora. Aunque, eso sí, sin llegar a ser una mala película, ni mucho menos.

Huelga decir, eso sí, que como entretenimiento de primer nivel cumplirá para la mayoría y que es prácticamente obligatoria verla en el mejor cine que encontréis. Es toda una experiencia.

La entrada «Avatar fuego y ceniza»: La saga empieza a mostrar signos de agotamiento se publicó primero en Mundoplus.tv.

Y es que, si algo caracteriza a la realizadora británica es su capacidad para poner en imágenes cosas que suceden en la cabeza de sus personajes. Normalmente personajes alienados por la sociedad o que están pasando por momentos francamente duros que Lynne, que trabaja muy bien la imagen y el contenido de la misma, juega a mezclar dicha imagen con el guion para que el espectador se vea completamente inmerso en el juego que propone la directora y seamos participes de la locura que va a desatarse en pantalla.

Die my love no iba a ser menos en este aspecto y nos plantea una revisión de como una noticia a priori positiva para una pareja, como es tener un bebé, puede convertirse en ocasiones en una auténtica pesadilla cuando la depresión postparto aparece y no hay herramientas para controlarla y combatirla.

La cinta plantea ya desde su inicio distintos momentos temporales y se narra desde la perspectiva del personaje al que da vida Jennifer Lawrence, que es un narrador poco fiable, ya que está inmersa en con graves problemas de salud mental.
Y, por si esto no fuese suficiente, Ramsay decide plantearlo todo como una escalada de excesos en que cada minuto que pasa se desciende un poco más hacía un abismo frio, oscuro y cruel demostrando que no hay ningún tipo de concesiones con el espectador.

La película es tremendamente dura y está cargada de significado y simbolismos en cada plano, en cada gesto, y en cada conversación. Lo que implica que exige al espectador no solo aceptar las reglas del juego que nos propone la cinta, sino estar atento a lo que está ocurriendo para ir desgranando las diversas capas con que el guion va aderezando todo lo que se nos está explicando aquí creando una experiencia extrema, dura y que obviamente dividirá entre el público que llegue aquí guiado por las dos superestrellas que tiene la película en el reparto y se encuentre algo tan extremo a nivel de violencia psicológica y que da muy pocos asideros a los que agarrarse para no sufrir con la cinta y el mal cuerpo que la temática que trata deja.

Huelga decir, y creo que es importante remarcarlo, que todo lo que se plantea desde la dirección no sería posible sin la entrega absoluta de una Jennifer Lawrence que vuelve a demostrar por qué es una de las actrices más brillantes de su generación y cuya ausencia en las quinielas para las nominaciones a premios me deja absolutamente alucinado y sin entender nada. La capacidad para pasar por distintos estados de ánimo es simplemente apabullante. Y su entrega tanto física como mental demuestran que estamos ante una actriz que no tiene miedo a absolutamente nada y que vuelve a recorrer una senda que ya transito en Madre de Aronofsky. Ella es el gran pilar donde se sustenta todo y aunque Pattinson hace también un tremendo papel, queda opacado ante la brillantez de su coprotagonista.

En definitiva

Creo que Die my love es una más que notable película, que sabe poner en imágenes algo tan duro y cruel como es la salud mental desde los ojos de quién la padece, pero que por sus formas y su escalada extremista de situaciones puede que aleje a algunos espectadores. Los que ya sean habituales de Ramsay creo que si “disfrutaran” de una cinta distinta, dura y muy interesante de esas que yo particularmente celebro que nos sigan llegando a los cines demostrando que siempre hay hueco para el riesgo.

La entrada «Die my love»: Ramsay no tiene miedo a adentrarse en la pesadilla que puede llegar a ser la maternidad se publicó primero en Mundoplus.tv.

La primera película del día es También esto pasará, película fuera de concurso, y que está basada en la novela homónima de Milena Busquets donde ella explica la relación su madre después de la muerte de esta. Es una película bastante introspectiva, en que vemos como la protagonista va afrontando las distintas fases del duelo y que tiene una voz en off que, aunque dice cosas muy poéticas -imagino que extractos de la novela- a veces peca de machacona. La actriz protagonista es lo mejor de una cinta en que yo he notado que la dirección busca adornarse, quizá en exceso, y eso termina por transmitirme bastante frialdad y separación con el personaje principal en algunos puntos donde, considero, se requería más humanidad y conexión emocional. A pesar de todo, es una cinta que os gustará si os interesan las historias cercanas sobre un personaje muy complejo.

En segundo lugar, hemos visto la que, hasta el momento, es una de mis favoritas para la sección oficial. Y no es otra película que La primera escuela. Cinta que nos llega desde Francia y que nos traslada a una aldea alejada de todo en que una maestra parisina intentará crear una escuela para escolarizar a los niños que allí residen y que únicamente conocen el trabajo en el campo y no saben aún ni leer ni escribir.

Esta cinta tiene algo mágico dentro de ella. No sé si es la sutileza con la que toca los temas importantísimos que plantea, o si es la forma tan delicada como pone en escena a unos personajes que no puedes evitar entender, aunque no concuerdes con ellos. Estamos ante un precioso y profundo alegato a favor del poder transformador de la educación y de cómo esta no solo puede cambiar nuestra forma de pensar, sino que puede cambiar, a la postre, el mundo para convertirlo en un lugar mejor. Muy recomendable.

En tercer lugar, vamos con A biciclette! Una de las grandes sorpresas que me he llevado en lo que va de festival. Sinceramente, me esperaba algo mucho más sencillito de esta película. Y me he encontrado una profunda reflexión vital dentro de ella. La cinta, que trata un tema durísimo como es el suicidio de un hijo, se las apaña para construir una serie de situaciones cómicas con sus dos protagonistas que cuesta creer la cantidad de carcajadas que era capaz de conseguir en la sala. Es una cinta divertidísima cuando se lo propone. Pero, sinceramente, donde creo que más brilla es cuando invita a la reflexión y alterna los momentos humorísticos que mencionaba anteriormente, con un reflejo sincero y honesto sobre lo que es el duelo, la culpa, y la tendencia a analizar a posteriori lo que sucedió y buscar qué podrías hacer distinto. La sala rompió en aplausos al acabar y yo, sinceramente, también. Muy recomendada.

La cuarta película de la jornada es Paternal leave. Una cinta sencilla, con muchísimo subtexto y que presenta al mundo a su increíble actriz, que debuta con esta película, llamada Juli Grabenhenrich y que todos haríamos bien en seguir su carrera después de este espectacular papel. Ella es la principal valedora de una cinta que pone todo el peso en su actriz para narrarnos esa búsqueda de la figura paterna de una adolescente que busca respuestas, aunque es consciente de que pueden no gustarle nada las que consiga encontrar. En la dirección también debuta en el largometraje Alissa Jung que, viendo la sensibilidad y el buen hacer con el que trata estos temas tan complicados, también es un nombre a seguir. Una película sencilla desde su concepción, pero muy potente en el guion y las actuaciones. Creo que es una propuesta interesante para ver con adolescentes y comentarla a posteriori.

En quinto lugar, tenemos Small things like this el nuevo trabajo de Cillian Murphy después de cosechar todos los premios posibles por su trabajo en Oppenheimer y que aquí vuelve a estar fantástico. Con la película en sí, eso sí, he tenido más problemas.

Me funcionan muy bien tanto él como la ambientación. Ese juego temporal que plantea entre pasado y presente el director también creo que es un acierto. Pero, en mi opinión, creo que a veces la cinta quiere pasarse de ambigua y tuve la sensación de que se quedaba a medio gas en el tema tan serio y brutal que está tratando. Quizá es excesivamente anticlimática. Dicho esto, creo que es una propuesta tan distinta de lo que suele llegarnos de forma habitual, que es buena idea acercarse a echarle un vistazo. Eso sí, aviso a navegantes, el ritmo de la cinta es muy reposado. Y está muy lejos del tono melodramático con el que suelen rodarse las cintas de este estilo para buscar que el espectador se emocione y rompa a llorar.

Por último, vimos el nuevo trabajo de Michel Hazanavicius, llamado La mercancía más preciosa que en esta ocasión se mete de lleno en la animación y nos trae una preciosa propuesta en forma de cuento sobre el holocausto.

La animación es la típica que está ahora tan de moda en el cine europeo. Preciosista, efectiva, y sin especiales alardes técnicos, aunque con mucho poso artístico. Pero la clave de la cinta no está tanto en la animación que plantea sino en el guion que tiene para narrarnos está historia sobre una niña lanzada desde un tren para intentar salvarle la vida antes de llegar a los campos de concentración y unos padres que la acogen en su casa a pesar del riesgo. Os tocará el corazón. Preciosa propuesta.

Y hasta aquí el post de hoy. También nos acercamos a ver la película de Fellini 8/2 cinta que obviamente os recomiendo si no la habéis visto y queréis acercaros a una de las grandes obras maestras que nos dejó el famosísimo director italiano, pero sobre la que no creo que tenga nada que aportar que no se haya dicho ya cientos de veces.

La entrada Crónica del BCN Film Fest 2025 (Parte 3 y 4) se publicó primero en Mundoplus.tv.